Revisión de El desencanto

Jaime Chavarri en 1976 no hizo una obra monumental. Las tremendas confesiones que guarda este  documento visual y sonoro es tremendo. Encontramos amor, lirtismo, hermosura, pero también resentimiento, tristeza, decadencia y desengaño. En él descubrirnos el proceso de construcción de una pareja burguesa inserta en el mundo cultural del régimen franquista, pero sobre todo vemos la destrucción, o mejor dicho, la deconstrucción de la familia Panero en este caso narrada a través de sus hijos Juan,  Leopoldo y Michi y sobre todo, de una manera que impresiona por parte de su viuda, Felicidad Blanch, capaz de recitar de memoria casi los poemas de su marido, pero de relatarnos sin estupor las circunstancias y experiencias familiares en película que refleja el hundimiento de toda una casa, el fin de una descendencia en este caso la del astorgano Panero. 

Me remito a lo que publiqué en 2013 en esta entrada aunque enfatizar en que Jaime Chávarri realiza el documental desde la sobriedad en el que los propios personajes hacen que narren su historia, sin intermediarios, sin voz en off. Durante el recorrido vemos sus frustraciones y su visión de su pasado y de su presente. Impresionante e imprescindible esta obra del cine español resultando uno de los trabajos más emblemáticos de nuestro cine. 

Robin y Marian revisada

"Te amo más que a todo, más que a los niños, más que a los campos que planté con mis manos, más que a la plegaria de la mañana o que a la paz (...). Te amo más que al amor o a la alegría o a la vida entera. Te amo más que a Dios...” 

Con esta declaración de amor de Marian "Hepburn" a Robin "Connery"  todo queda dicho en esta revisión de un clásico del cine de aventuras, del cine romántico y crepuscular del paso inexorable del tiempo en el amor y en la amistad inquebrantable de un Little John leal hasta la médula y el final pues ha de cumplir la última petición de su amigo Robin «Donde caiga la flecha, John, colócanos juntos y déjanos allí.» . 

Una maravillosa película de Richard Lester el mítico director de las películas de los Beatles decidió realizar en mil novecientos setenta y seis una película que aquí se llamó como nos recuerda el sabio Fausto Fernández La gran aventura de Robin Y Marian fuese el canto que crepuscular al cine de aventuras envuelto en un melancólico romanticismo entre dos personajes míticos de este tipo de cine como eran Robin Hood y una Lady Marian ya otoñales pero que conservan el vigor y los idealismos de su juventud en un mundo donde la corrupción los engaños y las traiciones no han desaparecido.

Para ser la película el director y su equipo se vinieron a España así que no es de extrañar que aparezcan personas como Victoria Abril en un pequeñísimo papel como querida del Rey Juan sin Tierra. 

Una Audrey Hepburn otoñal, con 47 años, que llevaba retirada en el cine una década volvió a reanudar su carrera como actriz con esta película, junto con estrellas consagradas como un Sean Connery que falleció en 2020. en plena madurez, con 45 años tras haber rodado un par de películas de aventuras como El hombre que pudo reinar de John Huston y El viento y el león de John Milius como hombre del desierto, que da vida a un Robin de los bosques mucho más que reflexivo.

La película se rodó , como ya señalé en la entrada original, en gran parte de localizaciones españolas como Artajona, Quinto Real o Kintoa y Orgi, que conocía bien Richard Lester puesto que había rodado aquí una película con John Lennon concretamente en Almería. 

Junto a estas dos estrellas de Hollywood aparecen Robert Shaw, Richard Harris,  Bill Maynar, Denholm Elliot, Ian Holm y John Barrett.

La historia nos presenta a un Robin Hood que tras haber luchado en la guerra z y la guerra santa en Tierra Santa y no haber conseguido éxito alguno tras veinte años retorna de solucionado junto a su fiel Jon little Jung acompañando en su regreso a Ricardo corazón de León. Cuando se encuentran en Francia el rey le ordena tomar un castillo pero Robin Hood desiste cuando ve que el castillo no está guarecido sino que en su interior hay un viejo al que le falta un ojo y un grupo de mujeres y niños pues los hombres han huido.

Con la desilusión que le embarga después de dieciocho años guerreando se niega a tomar el castillo por lo que el rey lo detiene e inicia la conquista del mismo y la brutal represión de los supuestos defensores. Antes de la toma del castillo ricardo es herido por una flecha en el cuello y poco antes de justiciar a Little John y fallece. Ante eso los dos deciden regresar a Inglaterra ya su bosque de Sherwood, encontrándose con que las cosas han cambiado mucho.

Lady Marion aburrida de esperar a Robin ha ingresado en un convento y ahora es la madre abadesa expertas en pócimas que alivian el dolor. Juan sin Tierra ya tiene un reino pero sigue siendo injusto. El padre de little John ha muerto, y los viejos amigos de antaño apenas se reconocen cuando se tropiezan por casualidad con Will Scarlett y el hermano Tuck. 

Ahora son un grupo de desplazados en un tiempo que ya no es el suyo. Así los años de la aventura parecen haber acabado para Robin pero cuando el Señor de Nottingham vuelve a amenazar Sherwood se dan cuenta de que todo puede volver a ser como antes por lo que reúne otra vez a sus fieles amigos para que luchen junto a él con la bravura de antaño. 

De ella o de su maravillosa banda sonora de John Barry han dicho algunos tuiteros lo siguiente: Cinepático escribe que "'Robin y Marian', nos propone un reencuentro desencantado, donde un Robin decadente que afirma en un momento de la película que "Para dominar la naturaleza primero se debe aprender a obedecerla". y una Marian resignada, intentan reverdecer los amores pasados. La química de Connery y Hepburn es el motor de la película, que funciona muy bien también como cine de aventuras. Maravilla. " 

Por su parte, Rick Deckard en términos similares señala que "Maravilloso cuento de caballeros populares y valerosos que se enfrentan a la tiranía con una sonrisa en la cara. Un film entrañable que narra las últimas andanzas de un Robin Hood melancólico. Espléndidos Connery y Hepburn. Romántica y divertida. Deliciosa"; o como señala la cuenta de juatmanmenorca1 al decir - tras descubrir la película- que "No se que tiene la música de John Barry que todo resulta más bonito de lo que ya es. Bueno si lo sé, que sus partituras no pueden ser más preciosas, como todas las escenas de Sean Connery junto a Audrey Hepburn en Robin y Marian" . 

O, para terminar, como señaló el señor del cine español, el sabio Fausto Fernández sobre la película "Allá donde llegue la flecha de un viejo, cansado y enamorado (de Audrey Hepburn, hermosura otoñal) Sean Connery en su espléndido ocaso seguirá viviendo esta maravilla de Richard Lester " y nos recordaba en octubre del 2022 que "Se irá un día de estos Richard Lester, como se fueron Audrey Hepburn y Sean Connery, maravillosos aquí, en Robin y Marian , y no le habremos agradecido lo suficiente todo el cine que nos ha regalado. ". Pocas veces una flecha lanzada al aire  tiene más bello recorrido. Esencial.

La batalla de Midway revisada

Película norteamericana en la línea de la mítica Tora, Tora, Tora... y que sale una pléyade de grandes actores veteranos de ese país junto también a un buen número de actores japoneses. La película es un producto muy en la línea del cine "espectáculo" de los setenta basada en un amplísimo reparto de grandes actores de Hollywood entre los que destacan Charlton Heston, Henry Fonda y muchos más, al que se sumaban grandes estrellas japonesas como Toshiro Mifune. 

El director de la misma Jack Smight acababa de realizar un año antes Aeropuerto 75, continuación del éxito de taquillas que llevó al cine a mucha gente pues el cine de catástrofes triunfaba desde Aeropuerto y la que también contó con el mismo Charlton Heston

La película reconstruye la famosa batalla de la Segunda Guerra Mundial en el escenario del Pacífico con bastante rigurosidad histórica y aprovecha para introducir una historia de amor en tiempos de guerra muy al gusto del cine de Hollywood de la época, así como el tema de los derechos civiles mancillaos, como ocurrió con la población de origen japonés que acabó en campos de internamiento a pesar de ser norteamericanos de segunda generación. A esto se le une el sonido Sensurround o presentarla en Panavisión. 

La película es del año 1976 y cuentan con, aparte de los ya citados, James Coburn, Glenn Ford, Robert Mitchum,  Hall Hollbrook, Cliff Robinson y un largo etcétera como ya detallé en esta entrada realizada hace unos años.

Se inicia en el Japón el 18 de abril de 1942 cuando en Hiroshima el joven comandante Watenabe informa al almirante Yamamoto, jefe supremo de la flota imperial japonesa, que Tokio ha sido bombardeada por aviones norteamericanos. 

Mientras tanto en Pearl Harbor el capitán Matthew McCarth se entrevista con el comandante Joseph Rockford para informarle de que se espera una pronta respuesta japonesa al ataque sobre Tokio. Algo se prepara pero no puede saberse con esa actitud y el almirante Chester Nimitz intenta estar preparados para lo que será una dura batalla y por eso se propone adivinar dónde se produciría el ataque japonés y finalmente el servicio secreto le informa que será en la pequeña isla de Midway. 

Novecento

 

En el año 1901, en una finca del norte de Italia, nacen el mismo día el hijo de un terrateniente y el hijo de un bracero que serán amigos inseparables, aunque su relación se verá nublada por sus diferentes actitudes frente al fascismo. 

Así surge este drama que hace un complejo recorrido político y social por la Italia del siglo XX. Una historia que fue creada a través de un guion realizado a seis manos por Franco Arcalli - aquí también encargado de la labor de montaje- , Giuseppe Bertolucci, Bernardo Bertolucci. La película contó con la música de Ennio Morricone, la fotografía de Vittorio Storaro, dando la cara como productor Alberto Grimaldi estando apoyado por compañías en coproducción de Italia-Francia-Alemania del Oeste (RFA). Entre las productoras aparecen Produzioni Europee Associati (PEA), Les Productions Artistes Associes, Artemis Film siendo el responsable de la dirección artística, Ezio Frigerio. 

Novecento es una coproducción cinematográfica europea de 1976 dirigida por Bernardo Bertolucci, con Robert De Niro y Gérard Depardieu en los papeles principales, acompañados por un importante y largo reparto de consagradas estrellas cinematográficas entre los que destacan , aparte de los citados, Dominique Sanda, Francesca Bertini, Laura Betti, Stefania Casini, Ellen Schwiers, Sterling Hayden, Alida Valli, Romolo Valli, Stefania Sandrelli, Donald Sutherland y Burt Lancaster. 

En 1945, Italia se libera de los fascistas. En una finca de Emilia-Romaña, los campesinos intentan unirse a los partisanos y arrestar al propietario, Alfredo Berlinghieri. Al intentar huir, un hombre de mediana edad llamado Atila y una mujer llamada Regina se enfrentan a un ataque de trabajadoras que empuñan horcas. 

La película comienza en cuanto desarrollo cronológico, como un largo flashback, el 27 de enero de 1901, coincidiendo con la muerte de Verdi, nacen al mismo tiempo en la hacienda Berlinghieri dos niños: Olmo Dalcò ( que de mayor es interpretado por Gérard Depardieu), de origen humilde y descendiente de trabajadores de la hacienda, y Alfredo Berlinghieri ( siendo adulto Robert De Niro), nieto del patrón de dicha hacienda (Burt Lancaster). 

Ambos provienen de extremos opuestos del espectro social. Alfredo, de una rica familia terrateniente, crece con su prima Regina, mientras que Olmo, un campesino ilegítimo, es criado por su abuelo Leo, el capataz y portavoz de los campesinos. 

A pesar de sus diferencias, Alfredo, algo rebelde ante la falsedad de su familia, se hace amigo de Olmo, quien se educa como socialista. Durante su infancia, Leo lidera huelgas contra las condiciones injustas en la granja y los dos amigos pasan mucho tiempo juntos. 

Aunque las circunstancias del momento los enfrenten durante toda la historia, surgirá entre Olmo y Alfredo una gran amistad mientras se desarrolla una narración en la que vemos los acontecimientos de relieve que ocurrieron en la Italia de la primera mitad del siglo xx. 

Descubrimos la situación de explotación en la que viven los campesinos de la finca, más tarde la acogida del comunismo por parte de los proletarios, luego narra el final de la Primera Guerra Mundial. Descubrimos que en 1917, Olmo se alista en el Ejército Real Italiano para la Primera Guerra Mundial, mientras Alfredo, como oficial- es capitán , aunque no ha ido al frente- aprende a administrar la granja de la familia. Tras el regreso de Olmo, su amistad continúa, pero se producen cambios. Giovanni, el padre de Alfredo y nuevo padrone, contrata a Attila Mellanchini, como capataz. 

En la década de 1920, Olmo, en una relación con Anita, lidera protestas por los derechos de los trabajadores. La muerte de Giovanni lleva a Alfredo a convertirse en el nuevo padrone y casarse con Ada. Pero sobre todo la obra se centra en el nacimiento del fascismo, apoyado, ideado y mantenido por los grandes capitales, sobre todo poderosos terratenientes que ven cómo merma su poder ante la creciente ideología comunista.

Durante la década de 1930, Alfredo demuestra ser un líder débil y se inclina ante el gobernante Partido Nacional Fascista. El alcoholismo de Ada refleja el vacío de su matrimonio. Mientras tanto, Anita, la esposa de Olmo, muere al dar a luz, dejando una hija, Anita la Joven, que apoya las creencias socialistas de su padre. 

Por ello la película muestra esta ideología fascista que representa el camisa negra Attila Mellanchini (Donald Sutherland). En un principio, Attila es contratado como administrador por el dueño de la finca y nuevo patrón, Giovanni Berlinghieri, que es el padre de Alfredo y que ha heredado la finca de su padre, Alfredo Berlinghieri Senior. Sin embargo, Giovanni muere repentinamente, lo que convierte a Alfredo el joven en padrone (patrón) de la hacienda Berlinghieri. 

Attila, ante la pasividad de Alfredo, comete todo tipo de abusos e injusticias con los campesinos, como agresiones y arrestos. Mientras, Ada (Dominique Sanda), la mujer de Alfredo, burguesa y bohemia, se opone inútilmente a Attila y comienza una relación de amistad con Olmo, que hace sospechar a su marido Alfredo.

A medida que Olmo se convierte en líder entre los agricultores pobres, se intensifican los enfrentamientos con Atila. Las tendencias psicopáticas de Atila conducen a atrocidades y los campesinos toman represalias humillándolo. Hasta que un día la ira de los campesinos estalla contra Attila, por lo que Olmo tiene que huir. 

Los camisas negras allanan y destruyen la habitación de Olmo y en consecuencia Attila es despedido por Alfredo pero este último sufre una enorme tristeza al ver que Ada lo ha abandonado. 

En represalia por la humillación de Attila, los camisas negras matan a varios campesinos. Años más tarde, apartir de abril de 1945, con la liberación de Italia por los aliados, los campesinos armados capturan a Attila y a su mujer (la prima de Alfredo). Atila y Regina, detenidos, son encarcelados en la pocilga de Berlinghieri, y Atila confiesa sus asesinatos antes de ser ejecutado, y ejecutan al primero, así como también un joven campesino captura a Alfredo, el patrón, y lo someten a un juicio popular, convocado por Olmo, que reaparece tras haber estado escondido en la propia hacienda, ya que Olmo ha regresado para presenciar el juicio de Alfredo ante un tribunal de trabajadores. Acusado de dejar sufrir a los trabajadores, Alfredo es condenado a muerte, pero se salva cuando Olmo declara muerto al padrone, simbolizando el derrocamiento del sistema social.

Alfredo, aunque no apoyó al fascismo, es acusado de beneficiarse de las labores de los campesinos mientras que estos sufrían en la miseria. Finalmente Alfredo no es condenado a muerte sino que simplemente su figura histórica, la del padrone, queda destruida. Inmediatamente después de celebrado el juicio, el Comité de Liberación Nacional llega a la hacienda de Berlinghieri e insta a todos los trabajadores a deponer las armas, acto que cumplen puntualmente. 

Luego todos abandonan el lugar, izando la bandera de la hoz y el martillo. Pero Olmo se queda con una cara de insatisfacción, pues sabe que su amigo Alfredo no ha cambiado de parecer, es más, este tajantemente dice: El patrón está vivo. Con eso Alfredo sugiere que el sistema de clases persistirá.

La película concluye con una escena en la que los ancianos Alfredo y Olmo se abordan juguetonamente y luego saltan hacia ellos caminando por una vía de tren. Alfredo se tumba en las vías, imitando un juego infantil, y cuando se acerca un tren, parece intentar suicidarse. El tren pasa por encima de él, recordando su juego infantil.  

La película fue una gran epopeya de su tiempo, producida por Alberto Grimaldi. La cinta tiene un gran carácter persuasivo e ideológico; sin embargo, el excelente plantel de actores, el argumento, la fotografía de Vittorio Storaro y la música de Ennio Morricone convierten a esta película no sólo en una crónica del devenir histórico de las ideologías en la Europa del siglo xx, sino también en una obra de arte cinematográfica. Ambientada en la región ancestral de la familia Bertolucci, Emilia 

Tuvo una fría recepción de la crítica en su tiempo, tal vez debido a que los diversos montajes que se hicieron de la película (el original excedía las cinco horas)

Entre los que la vieron Vincent Canby del The New York Times comentó que era "Una masa informe de película que contiene algunos momentos brillantes y muchos más que son especialmente poco inspirados" 

Roger Ebert tanto en rogerebert.com , como en el diario habitual , el chicago Sun Times comentó que "'1900' es una película fuera de control. Un film concebido en una escala tan épica que no encaja (...) con todos sus problemas, es una película que todo cinéfilo debe ver (…) En el Chicago Sun-Times, escribió que la película "no parece ir a ninguna parte. Es una epopeya sólo en virtud de su duración". 

En otro diario de Chicago, Chicago Reader, Dave Kehr destacó que "Hay grandes momentos en la epopeya marxista de 1976 de Bernardo Bertolucci, pero el resultado final es ambiguo (...) Las caracterizaciones son difusas y la narración parece errática"  

Kevin Thomas de Los Angeles Times dijo de ella que "'1900' es demasiado extravagante emocionalmente como para ser considerada una obra maestra. En lugar de eso, es un logro monumental" 

La revista Variety destacó que "El ambicioso lienzo generacional de Bertolucci está construido de forma muy elaborada." 

Kathleen Maher de Austin Chronicle comentó de ella que "Si no la has visto nunca, ve a verla; se trata de algo muy bueno (…) "

En el  Reino Unido  Tony Rayns de Time Out señala que "Todavía parece una gran catástrofe (...) la película se ve debilitada por su ineptitud como drama 'popular' (...) y su manifiesta incompetencia como argumento político" 

Ya en España, Diego Galán en las páginas de El País dice de ella que es una "Película fundamental (...) un fresco histórico de extraordinaria belleza visual, a ratos épico, intimista en otros, poético siempre" 

Luis Martínez en  El Mundo la califica de "Fresco aparatoso y eterno (...) un enorme tríptico del desaliento. Es la historia de Italia y, de paso, la de la última revolución industrial, la de Europa entera." 

Y el mítico Antonio Gasset de Días de cine sentencia comentando que es "Una película imborrable" 

La película se estrenó fuera de competición en el Festival de Cine de Cannes de 1976. Se proyectó, además, en distintos festivales internacionales, provocando el rechazo de algunos sectores especializados de la crítica que preferían alguna versión diferente puesto que con una duración de 317 minutos en su versión original, 1900 es conocida por ser una de las películas más largas jamás realizadas comercialmente. Su gran extensión llevó a que se presentara en dos partes cuando se lanzó originalmente en muchos países, incluidos Italia, Alemania Oriental y Occidental, Dinamarca, Bélgica, Noruega, Suecia, Colombia, Pakistán y Japón. En otros países, como Estados Unidos, se estrenó una única versión editada de la película. Asimismo, el público no siempre era el adecuado para una película de tantas horas de duración. 

Una restauración de la película se estrenó fuera de competición en el 74º Festival Internacional de Cine de Venecia en 2017. Esta es la que he visto con más de cinco horas de duración. Actualmente tiene la etiqueta de película de culto. 

La obra, que fue galardonada con el Premio Sant Jordi de 1978 a la mejor interpretación en película extranjera (Robert De Niro) y con el Premio Bodil de 1977 a la mejor película europea, narra las cinco primeras décadas del siglo xx en Italia.

En 2008, la película fue incluida en la lista de las 100 películas italianas que deben salvarse del Ministerio de Patrimonio Cultural, una lista de 100 películas que "han cambiado la memoria colectiva del país entre 1942 y 1978"

La Corea

Pedro Olea es un director que siempre ha ido por caminos difíciles o al menos extrañas. Fue uno de los directores más significativos de la transición y como prueba tenemos esta película titulado La Corea.

La Corea forma parte de la llamada por el director "trilogía de Madrid" junto a Tormento (1974) y Pim, pam, pum... ¡fuego! (1975). 

Pedro Olea se inició en el cine con ¨Días de Viejo Color¨ (1967) y "El Bosque del Lobo" (1970). Posteriormente, durante seis años, Pedro Olea se dedicó a la publicidad y documentales como "Guernica", "Río de Bilbao" y a series de televisión como "Cuentos y Leyendas" y otras de temática vasca. Pedro Olea vuelve a rodar, gracias a una subvención del gobierno vasco la película "Un hombre llamado Flor de Otoño" con José Sacristán.

Posteriormente, realizó la trilogía sobre Madrid integrada por "Tormento", "Pim Pam Pum Fuego" y "La Corea". Sus mayores éxitos de público fueron "Un hombre llamado Flor de Otoño"  y " El maestro de esgrima" con Assumpta Serna. En los ochenta realizó también dos películas sobre la brujería: "La Leyenda del Cura de Bargota" (1989) y "Akelarre" (1984).

También dirigió "Bandera Negra" sobre el contrabando de armas y un thriller militar: "Morirás en Chafarinas". 

La Corea es Charo, interpretada por Queta Claver, una Madama que lo toma bajo su mando a un chico Tony, interpretado por Ángel Pardo, y la pone en relación con Vicky, una bellísima Cristina Galbo. Supuso el debut cinematográfico de Imanol Arias que aparece como un irreconocible chico de la pensión, en un papel fugaz. Junto a ellos nos encontramos con la actriz Encarna Paso que aparece como Encarna, la acompañando y fiel asistente de Charo.

Tony ha llegado a través de Paco, el actor Gonzalo Castro que se va a convertir en la persona que lo introduce en este segundo de del sexo de Madrid cuando todo habían los norteamericanos tenían su base en Torrejón.

La historia de la Corea, una mujer madura que se dedica a facilitar chicos a los soldados estadounidenses de la base de Torrejón de Ardoz, es también la historia de un chico de pueblo, Toni,  que llega a Madrid atraído por las aventuras que le ha contado su paisano y amigo Paco cuando este regresaba al pueblo.

Cuando llega a Madrid este chico huérfano que vivía con sus tíos, un joven de provincias en busca de trabajo, Tony es recibido por Paco (Gonzalo Castro) que le lleva a vivir a una pensión regentada por una señora mayor. Esta señora mayor está a las órdenes de Charo, la Corea, una madama de unos 50 años que, formalmente, es la propietaria de un bazar de antigüedades en el Rastro que encubre un negocio de prostitución, tanto femenina como masculina, que recibe en nombre de La Corea por las buenas relaciones que tiene con los miembros de la base estadounidense de Torrejón de Ardoz. Es conocida por sus actividades amorosas como intermedia o alcahueta , especialmente, con los norteamericanos de la  base de Torrejón de Ardoz desde la década de los años cincuenta.

La Corea es a su vez la cabecilla de una organización que utiliza a chicos u chicas jóvenes que operan en la capital y que se dedica a suministrar "carne joven"  a persona mayores y americanos, aunque Tony se convierte en su querido desde el momento en que llega.Charo se enamora de un ingenuo Toni que únicamente pretende “trabajar y vivir”, según manifiesta a Charo, eso sí, desatando la ira de Sebas, antiguo gigoló de "Corea". Charo le introducirá en el mundo de la prostitución de lujo. Tony se mueve en un mundo de bajos fondos, que ni entiende, ni conoce por lo que corre un serio peligro frente a la chusma que le rodea con chaperos, carteristas y delincuentes. Tras el choque y la reacción violenta del Sebas (José Luis Alexandre), el antiguo amante de la mujer, la única salida que le queda a Toni es colocarse como camarero en la base, pero La Corea lo descubre y le hace volver junto a ella. Es entonces cuando Paco vuelve a la carga y le propone un encuentro con Fred (Dean Seilmer), el militar que le consiguió el trabajo en la base. La trágica muerte de Paco, que se preecipita desde un piso alto de un hotel y luego la Toni a manos de Sebas, posiblemente por encargo de La Corea o Encarna se precipita la situación.

En el papel de la Corea está Queta Claver una prestigiosa actriz española ya veterana para esa fecha,  con una enorme trayectoria teatral pero que asumió el reto de ser el papel protagonista conjuntamente con Encarna Paso en esta película. 

Inicialmente comenta Pedro Olea en Historia del cine español comentó que para el papel de La Corea él pensó en Ava Gardner, pero ella que en ese momento residía en Londres, rechazó el papel pues la historia la consideraba muy sórdida, la que relacionaba a una mujer mayor con un chico,  y cuando ésta lo rechazó, el director pensó en Rita Hayworth, pero el periodista José María Íñigo que la había traído a España para entrevistarla, le comentó que estaba ya con un principio del Alzheimer. Así que José Frade el productor de la película finalmente se contentó con Queta Claver, en uno de sus principales papeles cinematográficos.

La película fue emitida este pasado verano coincidiendo con el Día del orgullo Gay ya que aquí es presentada la película como una auténtica película que se impone y se adelanta a su tiempo.

Pedro Olea hizo esta película entre otras dos importantes producciones , Pim pam pum ... fuego,  del año 1975 con Concha Velasco y Fernando Fernán Gómez, y Una flor llamada flor de otoño en la que el protagonista es José Sacristán. 

Pedro Olea era el gran director de aquellos años, y por entonces se especializó en desarrollar dramas humanos y sociales, ya sean de clase social alta (Tormento, 1974), el mundo del espectáculo (Pim, pam, pum.. ¡Fuego!, 1975), como de bajos fondos como es “La Corea”.

De la película se destaca  el retrato de Madrid de los setenta, por como se trata la homosexualidad en aquellos años de tránsito al la transición política. A destacar el autohomenaje, de Olea a su anterior película, "Tormento", una buena adaptación de Galdós. está incorporado con destreza.

  

La Corea como película  es más sugerente que explícita,  y eso que la película se distribuye en un momento donde el destape se había hecho fuerte en el cine español y con ella la representación del deseo de una forma bastante evidente. Pedro Olea reconoce que quiso contar esta historia porque era una especie de desafío. Después del éxito de Tormento y de Pim pam pum ... fuego se quiso lanzar a contar otro tipo de historias ya no vinculadas con historia del pasado del siglo XIX como Tormento o de la posguerra como Pim pam pum ... fuego. 

De hecho la primera escena de la película forma parte del rodaje de Tormento en el que vemos a Concha Velasco, junto a Rafael Alonso, decir o repetir varias veces el término p***. El director supo enlazar perfectamente el inicio de la película en el que el protagonista llegaba en un tren con la salida del tren de de la película Tormento. 

Pedro Olea entendía que había que hacer una película sobre el Madrid actual el del momento, el de los 70. Él quería retratar el mundo de la base norteamericana de Torrejón y la Corea de hecho es una persona que tiene mucha relación con aquella base. 

La relación entre Encarna Paso y Queta Claver es presentada con bastante elegancia siendo una de las primeras veces que esta historia se presentaba en el cine español.

El guión de la película fue escrito por Alfonso Jiménez Romero, Juan Antonio Porto - fallecido en 2021-y Pedro Olea siendo este el responsable del argumento. Como ya he señalado la película fue una producción de José frade. Fue rodada en Madrid. 

La banda sonora fue una composición de Carmelo Bernaola e incluye algunos bailes con El Porompompero: letra de José Antonio Ochaíta (como Ochaita) y Xandro Valerio (como Valerio) música de Juan Solano (como J. Solano), así como ¨Chattanooga Choo Choo¨ escrita por Mack Gordon y Harry Warren interpretada por Judy Stephen. En el montaje fue de José Antonio Rojo mientras que el responsable de decorados y de ambientación fue Antonio Cortés. El director de producción fue Enrique Bellot y el director de fotografía Fernando Arribas. 

Fausto Fernández escribió sobre ella en X - antes Twitter- que "Levantó ampollas en su día esta excepcional muestra de cómo se ha aproximado siempre Pedro Olea al melodrama, con epidérmica furia y pasión. Ovación para la hoy injustamente olvidada Queta Claver en su papel más logrado y más memorable. "

La película muestra el proceso de degradación moral, cada vez más sórdido  de unos jóvenes cegados  por el dinero fácil, el lujo y la sexualidad fácil y promiscua combinada con una historia de "amor" imposible, descompensada, desesperada, terminal, con dolor y sin esperanza, con desajustes entre lo que debe cumplir con su protectora y lo que anhela, a una de sus pupilas, Vicky, que con total frialdad propia de una profesional lo trata bien, aunque lo ignora y que aboca tanto a Toni como a Paco a la perdición y la derrota definitiva especialmente a su amigo. Las escenas de amor están rodadas con cierto pudor y la escena final, en las escaleras mecánicas del metro tiene mucho de carga moralizante. Frente a esto el papel de la Madame con una persona entregada, luminosa, bella, con sus ojos verdes y hermosos y esa voz rota de la Queta. 

La ciutat cremada

 

*EC: En construcción

Robin y Marian

Juegos de amor a una edad tardía, manzanas maduras, miradas al pasado recordando una historia de amor y amistad. Y hacerlo de manera sutil, elegante, con dosis de comedia que tiene un punto de amargura , pero sobre todo de melancolía es de agradecer, y mucho. La escena final que nos guarda esta joya del cine que se mueve entre la aventura, la comedia, la épica y , al final, la tragedia es todo un monumento al buen hacer del director nacido en Philadelphia (Pennsylvania, EE.UU.) en 1932 Richard Lester que optó por que una historia de amor acabara en una historia de muerte. 

El hecho de que Marian , una eterna Audrey Hepburn proporcione a su amado Robin , otro eterno Sean Connery- una buena muerte menos dolorosa que la sufrida por el rey Ricardo al inicio de la película y ambos esperen juntos y resignados su inminente destino , la intención de este Robin que peina canas en la barba, ya casi sin pelo, tense por última vez su arco y la idea de pedirle a su viejo e inseparable amigo Little John que entierre a ambos donde caiga la flecha nos hace mirar a todos como espectadores ese vuelo final y eterno de una flecha a la que nos quedamos mirando mientras suena la impresionante música de John Barry . Para acabar el director acaba con una imagen muda de unas manzanas ya maduras y apagadas y no verdes en un mismo plano que ya reconocimos al inicio de la película. Una auténtica obra de arte por esto y por todo lo demás. 

Lo cierto es que Robin y Marian o Robin and Marian es una película tan pequeña como gigante una de las más bellas del director estadounidense , pero asentado en Gran Bretaña, Richard Lester que se había hecho famoso en los sesenta al llevar al cine como director las dos primeras películas que protagonizaron los Beatles: ¡Qué noche la de aquel día! (1964) y Help! (1965). 

Ambas le hicieron enormemente popular en virtud de su experimental puesta en escena —excesivamente entroncada con la estética del spot publicitario. Aquel mismo 1965 fue el año en que hizo una adaptación cinematográfica de la obra teatral de Ann Jellicoe El Knack y cómo conseguirlo se alzó con la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1965.

A esta siguió A Funny Thing Happened on the Way to the Forum, aquí conocida como Golfus de Roma (1966),inspiradas en los textos escritos por el comediógrafo latino Plauto , alguna comedia más como Petulia (1968) que contaba ya con la música de John Barry , alguna película de catástrofes como una que ya pasó por aquí El enigma se llama Juggernaut, u otras de aventuras como Los tres mosqueteros y Los cuatro mosqueteros (1973 y 1974).

A estas siguieron Royal Flash (El cobarde heroico, 1975) o The Ritz (El Ritz, 1976). Y ese mismo año estrenó Robin y Marian. A estas siguieron otras como Cuba (1979), Buth and Sundance: The Early Days (Los primeros golpes de Butch Cassidy y Sundance Kid, 1979), Superman II (1980), Superman III (1983), quedando como últimas obras la comedia Finders Keepers (1984), El regreso de los mosqueteros (1989), el documental Get Back (1991) y retirándose definitivamente de la dirección en 2008.

En este caso la película contó con la producción de Denis O'Dell y Richard Shepherd amparados por la Productora Rastar y la Columbia Pictures en la distribución contando con un presupuesto de $ 5,000,000.

La película parte de un magnífico guión escrito por el estadounidense James Goldman, hermano del novelista William Goldman, autor de guiones como The Lion in Winter ( 1968), Nicolás y Alexandra (1971) o Noches blancas (1985).

En el apartado técnico destaca la fotografía de David Watkin rodada en Panavision y Technicolor , la música John Barry, el montaje de John Victor-Smith y la escenografía de ese gigante que era Gil Parrondo.

El elenco lo encabezan Sean Connery como Robin Hood, Audrey Hepburn como Lady Marian, Robert Shaw como el sheriff de Nottingham, Richard Harris como Ricardo Corazón de León y Nicol Williamson como Little John.

Junto a ellos aparecen Denholm Elliott como Will Scarlett, Kenneth Haigh como Sir Ranulf de Pudsey, Ronnie Barker como el fraile Tuck, Ian Holm como Juan I de Inglaterra, Bill Maynard como el Mercader, Esmond Knight como el viejo tuerto del castillo, Veronica Quilligan como la hermana Mary, Peter Butterworth como el cirujano, John Barrett como Jack, Kenneth Cranham como el aprendiz de Jack, así como un grupo de actrices españolas encabezadas por Victoria Abril como Isabel de Angulema, y las monjas Montserrat Julio , Victoria Hernández Sanguino y Margarita Minguillon .

Desilusionados por los años que perdieron luchando como cruzados en Tierra Santa, Robin Hood y su amigo regresan a Inglaterra y se dan cuenta de que todo ha vuelto a ser como antes. ( Robin Hood (Sean Connery) vuelve de las Mientras tanto, Lady Marian (Audrey Hepburn) ha ingresado en un convento. El reencuentro es inevitable, pero nada es como antes.

Una manzanas verdes, junto a alguna algo madura, dan inicio a la historia que nos presenta a un envejecido Robin Hood que retorna a Gran Bretaña junto a su viejo amigo Little John  (Nicol Williamson ). Ambos han estado en las cruzadas  luchando junto a Ricardo Corazón de León (Richard Harris) , pero la guerra los ha devastado en lo físico y sobre todo en lo moral. Están cansado de la violencia, de la lucha sin sentido, de la barbarie y del fin de las ilusiones y los grandes y sublimes objetivos.

Robin y Little John se encuentran en ese momento en Francia . Ahora Robin Hood, capitán de confianza del Rey Ricardo Corazón de León en Francia ,  no quiere cumplir con lo que le ha ordenado el rey Ricardo: tomar un castillo en el que se rumorea que hay  oro.

Tras lanzar una enorme piedra con una caapulta, descubren que el castillo es defendido por un anciano solitario y tuerto (Esmond Knight) que alberga a mujeres y niños. El anciano le dice que lo único  que hay de valor  es una estatua que no tiene valor pues es de piedra. Ante esto y negándose a cometer una tropelía más,  Robin y Little John, se niegan a atacar.

El rey Ricardo o Richard enojado por su insubordinación, ordena la ejecución de la pareja y el castillo es atacado, pero antes del ataque el anciano lo hiere mortalmente con una flecha que le da en el cuello.

Richard masacra a los indefensos salvo al anciano, porque a Richard le gustan sus ojos. El rey se ofrece a dejar libre a Robin siempre que ruega por su vida. Cuando Robin , que ha intentado escapar por una ventana previamente, se niega, Richard saca su espada, pero al haber sido herido y desangrarse, le falta fuerza para golpearlo y cae al suelo. Robin ayuda al rey moribundo y, movido por su lealtad, Richard libera a Robin y Little John.

Robin y Little John regresan a Inglaterra y van a sus antiguos predios, al bosque Sherwood. Al llegar buscan espacios reconocibles en los robles del lugar . Escuchan un ruido procedente del bosque. Piensan que es un ciervo, sin embargo son dos cazadores furtivos que resultan ser sus viejos amigos Will Scarlet  (Denholm Elliott ) y el Fraile Tuck  (Ronnie Barker  ) que como pobres que son siguen viviendo al margen de la ley en el Sherwood Forest .

Tras abrazarse estos les cuentas las hazañas de Tierra Santa que han escuchado y que  se han vuelto legendarias. Robin y Little John las humanizan. Cuando Robin le pregunta casualmente por Lady Marian, le dicen que todavía está viva y dónde vive. Robin decide en ese momento ir a verla.

Cuando él va  a la granja  en la que ella se encuentra , ahora transformada en una pobre abadía, la  encuentra tan viva como siempre . Lady Marian (Audrey Hepburn) sigue siendo tan bella y tal altiva como antaño. Sorprendida de ver a su antiguo amigo hay un reencuentro , pero ella le echa en cara el silencio durante todos estos años y las dificultades pasadas. Ahora ella es la abadesa del lugar y sabe que nada ha cambiado. Se entera de que su antiguo enemigo, el Sheriff de Nottingham (Robert Shaw), le ha ordenado su arresto en respuesta a la orden del nuevo Rey , Juan sin Tierra (Ian Holm) de expulsar a las autoridades  de la Iglesia Católica Romana de Inglaterra.

Descubrimos que el sheriff de Nottingham sigue poniendo "orden" en el territorio y entrenando a sus hombres. Ahora el Sheriff  ordena el arresto de Marian,

Marian no quiere problemas, pero Robin la rescata contra su voluntad, golpeando a Sir Ranulf  (Kenneth Haigh ) , el enviado del Sheriff, en el proceso. Tras eso se entera que las compañeras de Lady Marian están presas en Nothingham, así que Robin y Little John tras robar un carro se dirigen al castillo.

Nada más llegar, aunque se hacen pasar por comerciantes son descubiertos por el mismo Sheriff que les prepara una trampa- Sin embargo, Robin y Little John logran rescatar a las monjas, que han sido encerradas en el castillo del Sheriff.

Tras una lucha a muerte con algunos de los guardas del castillo logran escapar "in extremis" saltando desde las murallas a un carro de heno.

Marian y las monjas van en un carro que se hunde en un arroyo , pero son auxiliados por Robin y los suyos, produciéndose un acercamiento físico y espiritual entre la ex pareja.

Ignorando las advertencias del Sheriff, Sir Ranulf ordena la persecución de Robin en el bosque, pero allí son emboscados por Robin, Little John, Scarlet y Tuck que acaban con varios de los que se persiguen muertos por sus flechas. No obstante, Sir Ranulf queda ileso solo porque Robin le ordena que sea liberado con un mensaje: que no entren los hombres del Sheriff en el bosque, espacio libre para aquellos que huyen.

Cuando la noticia del regreso de Robin se extiende,  algunos viejos camaradas y nuevos reclutas se reúnen una vez más junto a él.

Por su parte, Sir Ranulf le pide al rey John (Ian Holm) que están guerreando ¿en Francia? junto a su joven esposa Isabelle ( Victoria Abril) 200 soldados para tratar de detener a Robin.

Cuando Sir Ranulf llega a Nottingham su Sheriff le dice el dirige la tropa de 200 soldados para derrotar a Robin y los suyos.

Sin embargo, la estrategia del Sheriff de Nottingham es esperar en los campos limítrofes del Bosque, sabiendo que Robin no podrá resistir indefinidamente la tentación de atacar, a pesar de que el terreno abierto,  es desfavorable para sus  hombres no entrenados en guerra abierta y superados en número en comparación con los soldados entrenados del Rey.

Cuando Robin , tras algunas escaramuzas, lo hace y se encara con el enemigo ,  él propone que él y el Sheriff luchen en un combate individual , a pesar de las protestas de Sir Ranulf.

Aunque Robin parece ser el más fuerte al comienzo de la pelea, queda claro que el Sheriff es más que un rival para él. Finalmente, el Sheriff , aunque inicialmente es herido, va agotando al envejecido Robin al que también hiere y exige su rendición. Negándose, Robin, herido de muerte,  logra matar al Sheriff con sus últimas fuerzas.

Tras eso los 200 hombres dirigidos por Sir Ranulf  atacan y dispersan a los hombres de Robin, muchos de los cuales son capturados o asesinados. Will Scarlet y Friar Tuck son capturados pero Little John logra matar a Sir Ranulf. John y Marian llevan a Robin a su abadía , donde ella guarda su propia medicina.

Ella prepara una pócima, pero a la que agrega veneno, tomándola ella y entregando el vaso a Robin , quien cree que se recuperará para ganar futuras batallas.

Mientras Little  John hace guardia afuera mientras Marian atiende las heridas de Robin. Marian  tras beber se la entrega a Robin quien bebe y nota que el dolor se ha ido , pero  que sus piernas se han adormecido. Al darse cuenta de que ella los ha envenenado a ambos, él llama a voces a Little John. Sin embargo, llega a comprender que Marian ha actuado por amor porque nunca volvería a ser el mismo hombre. Ella le dice: "  te quiero. Más que todo lo que sabes. Te amo más que a los niños. Más que a los campos que he plantado con mis manos. Te quiero más que las oraciones de la mañana o la paz o la comida para comer. Te amo más que la luz del sol, más que la carne o la alegría, o un día más. Te amo mas que a Dios".

Robin y Marian intentan tocarse las manos mientras entra Little John que rompe  la puerta y llora junto a la cama de Robin. Robin le pide  a Little John  su arco y dispara una flecha desde su lecho de muerte a través de la ventana abierta, y le dice que los entierre a ambos donde aterriza.

La flecha se eleva fuera de la ventana en la distancia mientras las manzanas maduras , ya en descomposición están en el alféizar de la ventana mientras suena , como durante toda la película, la música de John Barry.

La película de Lester originalmente se titulada The Death of Robin Hood, pero fue modificado por Columbia Pictures para que tuviese un título más comercial.

Los productores originalmente querían que Albert Finney interpretara a Robin, y Sir Sean Connery que interpretara a Little John. La viuda de Denholm Elliott , que aquí interpreta a Will Scarlett detalló  que  durante la producción mientras que Sir Sean Connery y Audrey Hepburn eran perfectamente manejables, no fue así por la actitud de Robert Shaw, Nicol Williamson y Richard Harris que generaron tensiones durante el mismo, según su libro sobre su difunto esposo.

La película fue rodada entre mayo y julio de 1975 en distintos puntos de España como en Zamora, en concreto en el Castillo de Villalonso así como en las localidades de la actual Comunidad Foral de Navarra como en los recintos medievales de Artajona,  Quinto Real y Orgi así como en paisajes de la Sierra de Urbasa todos en Navarra.

La película supuso el regreso a la actuación cinematográfica de la actriz Audrey Hepburn ,desde Sola en la oscuridad (1967), tras ocho años de ausencia. Se dice que la rodó por la insistencia de sus hijos que al enterarse se enteraron de que Sir Sean Connery había sido elegido como Robin Hood, le rogaron a su madre que hicera el papel, para que ella pudiera actuar con "James Bond".

Richard Harris aceptó interpretar el papel de rey Ricardo Corazón de León como un favor a Sir Sean Connery , de quien se había hecho amigo mientras filmaba Odio en las entrañas (1970). Curiosamente Connery hizo un cameo como Rey Ricardo Corazón de León en Robin Hood: Príncipe de los ladrones (1991).

El actor Esmond Knight que aquí vemos sin ojo de cristal perdió su ojo en el servicio activo en el mar durante la batalla del estrecho de Dinamarca en 1941. Por su papel en las escenas iniciales, se quitó el ojo de cristal.

Estamos en una comedia que combina la amargura y el romanticismo. El mismo director Richard Lester declaró que " Robin y Marian es una cinta romántica, pero también desmitificadora"

A destacar sobremanera la banda sonora de John Barry, el que fuera el músico más popular de Inglaterra y que ya había colaborado con con Lester en The Knack ... and How to Get It Knack. Desde 1968 había debutado en Hollywood en la película de Lester , Petunia y llega a culminar su obra en 1976, iniciando tras eso su ligera crisis de la que se recuperó como demostró en 1985 en Out of Africa como señala Valls Gorina y Joan Padrol en su obra Música y Cine. Sorprendentemente el director Richard Lester estaba molesto con Barry por la composición en esta película.

La película que se estrenó en los Estados Unidos en marzo de 1976 fue un éxito alcanzando una taquilla que superó los 8 millones de dólares.

En 2002 Robin and Marian fue nominada por la American Film Institute a la categoría AFI's 100 años... 100 pasiones.

En cuanto a las críticas destacan la de Roger Ebert que valoró y mucho el trabajo de Connery y Hepburn como Robin y Marian. Para Ebert, "lo que impide que la película se pierda realmente en su camino, son las actuaciones de Sean Connery y Audrey Hepburn en los papeles del título. No importa lo que piensen el director y el escritor, parece que Connery y Hepburn han llegado. una comprensión tácita entre ellos acerca de sus personajes. Ellos brillan. Realmente parecen enamorados. Y se proyectan como personas maravillosamente complejas, cariñosas y tiernas; el paso de 20 años les ha dado gracia y sabiduría ".

El crítico de Illinois destaca igualmente la fotografía  y dijo que  Lester fotografía la película "con más moderación de las que podría haber usado hace 10 años. Su cámara activa se reemplaza aquí por un ritmo visual más adecuado para la nostalgia agridulce. "Él fotografía Sherwood Forest y sus personajes con un bonito realismo que es mejor que la solemnidad pretenciosa que a veces obtenemos en imágenes históricas".

Ya en España Fernando Morales en El País señala que "Robin Hood vuelve a Sherwood, pero el bosque ya no es lo que era. Deliciosa cinta de aventuras capitaneada por unos sobresalientes Connery y Hepburn. Sin duda, el mejor filme de Lester"

Destaca Pablo González Taboada en Cinemanía que "Es lo más cerca que ha estado nunca la aventura de ser no sólo física, sino también emocional. Un film bellísimo, con uno de los finales más perfectos que recuerdo."

Como se señalaba en Televisión Española cuando en 2013 apostó por presentarla un Ciclo de Cine clásico - ya dice mucho eso- hablaban de la película como película entrañable , en este reencuentro 20 años después y la recuperación de un amor profundo.

Pablo Kurt en FilmAffinity  dice que es un " Hermosísimo y crepuscular filme de Richard Lester. La leyenda de Robin Hood, narrada en otras épocas con briosos aires de aventuras indoloras, se vuelve aquí melancólica, violenta y real. La insólita propuesta es abordar al legendario personaje, en su etapa madura, mecido por maravillosas historias de amor y amistad (estupendos los personajes de Nicol Williamson-Little John y Robert Shaw-Sheriff). Además, de regalo, cuenta con una de las declaraciones de amor (la de Audrey Hepburn a Sean Connery) más conmovedoras de la historia del cine".

Por último Alberto Abuín en Espinof  nos dice que " ‘Robin y Marian’ es el sencillo y sentido título de una película que se adentra en el mito de Robin Hood desde una perspectiva totalmente desmitificadora y en un tono de elegía elucubra sobre las vidas de todos los personajes cuando éstos son ya mayores y no tienen el cuerpo para tantas batallas. Una historia otoñal, una canción triste de acentuados tintes crepusculares en la que Lester —director que efectuó una maniobra similar sobre otras figuras míticas, los mosqueteros de Dumas— se acerca sorprendentemente a un terreno en el que hubiera campado a sus anchas el mismísimo Sam Peckinpah."

A destacar sus grandes e inteligentes diálogos en esta historia nostálgica , desmitificadora y agridulce película con una banda sonora impresionante y conmovedora que hay que ver, al menos, dos veces en la vida por lo menos para emocionarte.

Sucedió entre las 12 y las 15

Curioso western - que lo es , geográficamente - y por su aparencia,  por el aspecto formal de la película. Sin embargo es una comedia en toda regla para el lucimiento de una pareja , la integrada por Charles Bronson y Jill Ireland (marido y mujer por aquella época) y que lleva por título Sucedió entre las 12 y las 3 o From Noon Till Three. 

La película fue vendida como el western que parece ser y que en sus primeros minutos parece más una expresión del spaguetti western dominante y representativo que triunfaba en aquel año 1976 , aunque en este caso era estadounidense. Era uno de los tantos westerns poco convencionales y revisionistas realizados durante los años setenta.  

La película estuvo dirigida y escrita por el neoyorkino Frank D. Gilroy, a partir de una novela de él mismo. siendo una producción de M.J. Frankovich y William Self. 

Gilroy era un hombre de teatro habiendo sido premiado con un Tony incluso con un Pulitzer por un drama titulado The Subject Was Roses en 1965, incluso un Oso de plata de 1971 en el 21º Festival Internacional de Cine de Berlín por Desperate Characters en ese año. Nacido en 1925 y criado en el Bronx, vivió la guerra como soldado durante dos años y medio en la 89 División y en el Frente Europeo. 

Después de la guerra, Gilroy asistió a una prestigiosa universidad de New Hampshire , Dartmouth College siendo reconocido finalmente con el título de Doctor. Después pasó a la televisión trabajando como guionista de series y en el teatro estrenando con cierta asiduidad en Broadway .

También apostó por hacer guiones cinematográficos entre los que destacan Desperate Characters (con Shirley MacLaine ) y The Gallant Hours (con James Cagney ) o adaptando sus propias obras para el cine The Subject Was Roses (protagonizada por Patricia Neal , Martin Sheen y Jack Albertson ) y The Only Game in Town ( con Elizabeth Taylor y Warren Beatty ), debutando como director con el western Doc. 

Su guión de 1985 para The Gig (protagonizado por Cleavon Little y Wayne Rogers ) llegó a transformarse en un Musical , con libro, música y letra de Douglas J. Cohen .

A finales de los cincuenta tuvo el valor de escribir western para televisión como Have Gun - Will Travel , The Rifleman , y Wanted: Dead or Alive  o la popular serie de televisión Burke's Law . 

Pero una de las obras singulares del mismo fue From Noon Till Three basada en una novela escrita por él tres años antes, en 1973. Para hacerlo como director y guionista contó con la productora Frankovich Productions y William Self Productions, la distribución de United Artists, así como un conjunto de técnicos brillantes como Elmer Berstein en la música o Lucien Ballard en la fotografía y el montaje. 

En cuanto al reparto tiró de Charles Bronson como Graham, su mujer en la vida real entonces Jill Ireland como Amanda. Junto a la pareja aparecen Douglas Fowley como el jefe de la banda Buck Bowers, Stan Haze como Ape, Damon Douglas como el chico, Héctor Morales como El Mexicano, Bert Williams como el Sheriff, Davis Roberts como Sam, Betty Cole como Edna, William Lanteau como el reverendo Cabot, Larry French como Mr. Taylor y Michael LeClair como Cody Taylor. 

La película comienza con la llegada a un pueblo desierto, Gladstone City , un grupo integrado por cinco hombres encabezado por un líder ya mayor Buck Bowers (Douglas Fowley) en el que va un experimentado ladrón y pistolero Graham Dorsey (Charles Bronson), así como otros tres hombre, un negro bastante brutal llamado Ape ( Stan Haze), un mexicano libidinoso (Héctor Morales ) , y un chico inexperto (Damon Douglas) que va a dar su primer golpe. 

Cuando entran se sorprende por ver el pueblo sin nadie , el banco abierto y la cámara llena de dinero. Estos se llenan de dinero y al salir se disponen salir aunque descubren que en todas las ventanas hay rifles que comienzan a disparar a ver que van a huir con el dinero. 

Tras eso Graham Dorsey (Charles Bronson), uno de los ladrones, despierta de un sueño que es una premonición de que aquello va a salir mal, por lo que a la mañana siguiente cuando su caballo tiene un accidente acaba sacrificándolo y marchando a una vivienda aislada para intentar conseguir allí un caballo. La única persona que vive en la vivienda es una chica joven de nombre Amanda (Jill Ireland) que intenta evitar que el grupo se lleve su caballo afirmando que no hay ninguno en el granero. 

Allí entre Graham y encuentra uno, pero al llegar a donde se encuentran sus compañeros dice que es cierto , que no hay ninguno. 

Descubrimos así dos cosas: que no quiere ir al poblado donde está el banco , dado la premonición de la noche, y , segundo, que prefiere quedarse con la chica. Los cuatro restantes de la banda aceptan a regañadientes que les espere en la casa solitaria donde vive una viuda. 

Nada más entrar Graham le pide a Amanda que le deje ver la casa. Mientras avanzan por las distintas habitaciones el pistolero va adquiriendo información sobre ella ( su viudedad, el gusto por la música, las habitaciones cerradas, su idea romántica de la vida, los asaltos con su banda "The Buck Bowers Gang" y como se los atribuían a otros...) algo que estimula a Dorsey que se enamora inmediatamente de la viuda y entre ambos surge un extraño romance que va superando horas entre la cama, el baño en un manantial, bailando y disfrutando de la compañía y de la bebida, mientras van pasando las horas a sabiendas de que tendrá que acabar cuando el resto de la banda regrese del atraco a eso de las tres de la tarde. 

Pero llegan las tres,  y los integrantes de la banda no aparecen. Al rato llega un niño a caballo que informa a Amanda que una banda de ladrones que ha llegado a el poblado y que estaba dispuesta a atacar el banco del lugar y vaciar sus cajas fuertes ha fracasado. Le informa que el mexicano ha muerto, pero que el resto van a ser juzgados en el pueblo. 

Amanda le pide a Graham que, por favor, que salve a sus viejos colegas , así que aparca el apasionado romance, toma un caballo y se dirige al pueblo. 

Antes de llegar se encuentra con una patrulla que lo identifica como un posible asaltante, así que huye y se viste con la ropa de un embaucador al que asalta y que es asesinado por la patrulla que le persigue. Pero al llegar es identificado con el estafador y llevado a la cárcel en donde será juzgado y condenado. 

Mientras en el pueblo se ha corrido el rumor de que el pistolero había secuestrado a Amanda, así que para describir su secuestro de 12 a 15 un periodista y escritor que recorre el Oeste escribe sobre el relato que Amanda le hace sobre Graham y el flechazo que sintieron. Todo lo ocurrido está  descrito con todo detalle en un libro , "From Noon Till Three" con el subtítulo del libro era "La verdadera y trágica historia de amor de Graham y Amanda", que pronto se convierte en uno de los más vendidos. Mientras el forajido pasa algún tiempo en la cárcel, la leyenda crece y él que se entera de la historia en la cárcel planea su regreso. 

Cuando por fin regresa para encontrarse con su amada, haciéndose pasar por un turista de los muchos que hacen el tour que habla de la historia de amor entre Amanda y Graham , que incluye desde la visita a la tumba de Graham - en cuya lápida se dice "Él valoraba la amistad más que la vida - Duerme dulce y dulce príncipe" - o , como ace después el pistolero yendo a la casa, viendo a Amanda que no lo reconoce. Pero cuando la carreta se marcha el se queda intentando retomar la historia que quedó aparcada. 

Para su horror, descubre que todo ha cambiado a raíz del libro, que no se atiene "sensu stricto" a los hechos reales, sino a la mitificación de esa historia de amor . De hecho Amanda no lo reconoce, al fin y al cabo los vio de 12 a 15, en apenas tres horas. Como ella no quiere romper con el mito decide en un arrebato suicidarse quedando él desolado. 

Desde ese momento todo el mundo le toma por un impostor a pesar d que el quiere decirle al mundo la verdad de lo ocurrido entre las 12 y las 15. Como no lo consigue acaba siendo interno en un centro de enfermos mentales. Así acaba la locura en esta película que nos presenta a Bronson tan incomprendido como cómodo en esta comedia de pareja tan alejada del personaje habitual.

Curiosamente ese año estrenó dos películas de acción - El temerario Ives (1976), Brigada antisecuestro (1976) - y al año siguiente volverá para hacer su penúltimo western , El desafío del búfalo blanco (1977). Otros western realizados en la década son Caballos salvajes (1973), Sol rojo (1971), Chato el apache (1972), y Nevada Express (1975), además de éste y del citado.  

La película se rodó en el verano de 1975 en California en Thousand Oaks así como Laramie Street, en los Warner Brothers Burbank Studios en Burbank.  

Una película triste, cínica y desencantada pero a la vez amable y bella. Una nueva muestra de que el western pude con todo incluso tratar temas universales como el amor, la locura, los sueños que acaban siendo pesadillas que impiden separar lo real del mito. 

La película obtuvo una nominación a los Globos de Oro a la Mejor canción original, "Hello and Goodbye", cantado por la actriz interpretando a Amanda, Jill Ireland, y que se repite en muchos momentos de la película y que ayuda a la locura del protagonista compuesta por Elmer Bernstein e interpreta por el letrista Alan Bergman y Marilyn Bergman.

En ABC se dice de la película que "Este wéstern lleno de humor negro está protagonizado por Charles Bronson, quien en esta ocasión se alejó de sus habituales papeles de duro e interpretó a un personaje más o menos cómico. Su compañera de reparto fue la británica Jill Ireland, con quien Bronson se había casado ocho años antes. De hecho la pareja protagonizó numerosos filmes juntos, hasta la muerte de ella a causa de un cáncer de mama. "

Para terminar diré que Frank Gilroy cuando les ofreció la película a la pareja les dijo " lo que funcione para ustedes dos en la vida real , funcionará en mi película". El director murió en septiembre de 2015 en Monroe, Nueva York . Trece años antes había fallecido Charles Dennis Buchinsky , es decir, Charles Bronson, y 25 años antes lo había hecho la actriz británica , quien fuera varias veces su pareja en la pantalla - hasta 18 , siendo esta película la decimotercera- y que estuvieron casados desde 1968 hasta 1990, cuando falleció.