Buñuel y el laberinto de las tortugas

 

Hace casi ocho años, cuando empezó este blog que intenta recopilar todo aquello que veo en la gran y en la pequeña pantalla e incluir en el mismo una pequeña gran ficha sobre la película que he disfrutado pude entregarme en cuerpo y alma a una de mis películas de VHS que tenía grabadas y que no era otra que Las Hurdes: tierra sin pan la película documental que dirigió ese genio de Calanda que fue Don Luis Buñuel, y cuya entrada yo titulé Todo por un premio, no esperaba encontrarme años más tarde con una película española de animación, dirigida por Salvador Simó y basada en el cómic homónimo de Fermín Solís, que hablará de cómo surgió el proyecto que fue perseguido por tanto por los enemigos de Buñuel como las autoridades republicanas que veían en el documental un ataque contra el país.

En aquella entrada ya hablaba de algunos de los pormenores que aparece en Buñuel en el laberinto de las tortugas. La película de animación es una producción de Manuel Cristóbal y de su productora Sygnatia, José M. Fernández de Vega y Álex Cervantes como cabezas visibles de las productoras Sygnatia Film,la empresa extremeña 'The Glow Animation Studio' y Hampa Studio  Animation y el estudio neerlandés Submarine. 

Mención importante es el apoyo que mostraron a la cinta por parte de entidades y organismos como la Junta de Extremadura y el Canal Extremadura y la participación de RTVE, Telemadrid, ICAA, Aragón TV, Eurimages, Movistar + y la colaboración del Centro de Documentación de Las Hurdes. 

Con la aportación de todos ellos desarrollaron el guion de Eligio R. Montero y Salvador Simó basada en el cómic titulada Buñuel en el laberinto de las tortugas, de Fermín Solís, un ilustrador cacereño, de Madroñera, que publicó en 2008 la editorial Astiberri en un cómic en blanco y negro que llegó a ser finalista del Premio Nacional de Cómic. 

Una década después, la novela gráfica fue reeditada en 2018 en color (Reservoir Books) con la paleta que usa su adaptación homónima al cine dirigida por Salvador Simó y con la dirección de arte de otro grande de la ilustración, José Luis Ágreda, usando la misma gama de colores de la cinta. 

La película cuenta con la música del compositor madrileño afincado en Los Ángeles, Arturo Cardelús y cuenta con las voces protagonistas de Jorge Usón,  Fernando Ramos, Luis Enrique de Tomás, Cyril Corral y Javier Balas.

La película comienza con un debate en una cafetería parisina sobre el papel del arte y el lugar que ocupa en ese mundo el cine. En el mismo, hay varias mujeres y entre los interlocutores se encuentra Luis Buñuel Estamos en el París de 1930 cuando Salvador Dalí y Luis Buñuel son las principales figuras del movimiento surrealista.

Poco después se produce el controvertido estreno de La edad de oro, una película que escandalizó a la mayoría, aunque algunos espectadores se paran ante Luis Buñuel, pero preguntan por lo que no deben ¿Qué parte corresponde de la película a Salvador Dalí? 

Buñuel, tras una reunión en el aticano, sufre el veto de rodar en Francia. Al tener problemas para dirigir una nueva película en Francia y eso que está interesado en lo que le ha entregado un antropólogo, Maurice Legendre, un estudio etnográfico sobre Las Hurdes y que le sugiere realizar un documental sobre la realidad social de la región. 

Aunque en un primer momento tiene dudas sobre la viabilidad del mismo, viendo que no tiene opciones en Francia viene a España y busca comprensión en Cadaqués con su buen ex amigo Salvador Dalí, quien le cuenta que una vidente le ha recomendado que no debe prestar dinero a sus amigos, para no perderlos.

Finalmente va a  Zaragoza a ver a su amigo Ramón Acín, uno de sus mejores amigos, el profesor anarquista Ramón Acín, que ha montado una escuela para hijos de obreros y que, por el momento, no puede prestarle nada. Le comenta que , si en un momento cambia su realidad económica  por ejemplo , si le toca la lotería, destinaría parte del premio a producirle un documental sobre esta comarca pobre del norte de Extremadura que ronda las Batuecas salmantinas y cuyos casas se asentaban simulando un laberinto y culminaban en tejados pizarrosos parecían caparazones de tortugas .  De hecho el rodaje empieza en La Alberca. 

Y la suerte llega con su el premio del Sorteo Extraordinario de Navidad que cayó en el 29757 en aquel 2 de diciembre de 1932 que le permitió a Ramón Acín llevarse el Gordo de la Lotería de Navidad  cayó casi íntegramente en Huesca.

Ramón Acín, de inmediato llama a Don Luis a su pensión parisina y como hombre de palabra además de líder anarquista, profesor y escultor reputado, de las 100.000 pesetas reserva, 20.000 pesetaspara los gastos del rodaje.  

Luis Buñuel con esas 20.000 pesetas se lanza a rodar aquella película, Las Hurdes. Tierra sin pan. Película sobre el rodaje en la región extremeña de Las Hurdes, a cargo del maestro Luis Buñuel, de su película "Las Hurdes, tierra sin pan", que no estrenaría en 1933, muy a pesar suya.  

Luis Buñuel en el laberinto de las tortugas hace un recorrido del rodaje de Las Hurdes, tierra sin pan (1933), el falso documental sobre la comarca de Las Hurdes (Extremadura) que es considerada una obra de referencia en su género un género que había adquirido personalidad propia en los años veinte tras el estreno de Nanuk, el esquimal (1922), de Robert J. Flaherty  un director que apostaba por la manipulación de las acciones para realzar la verosimilitud de lo narrado, para acentuar los sentimientos en el espectador. 

En este caso el tandem integrado por Simó y José María Fernández de Vega adapta el cómic homónimo de Fermín Solís. 

El director Salvador Simó -con gran experiencia en departamentos de animación de grandes taquillazos-  recibió el encargo y decidió que su Buñuel fuera más emocional: "Venía de éxitos envenenados, de filmes que se hicieron populares por sus prohibiciones, y no encontraba productores. Junto a todo ese bagaje, su paso por Las Hurdes le humanizó, su cine se transformó". 

Simó quiso alejarse de los temas más ideológicos y artísticos para contar el momento histórico "a través de los diálogos entre los personajes". Para dar "cierta sequedad, dureza" a los movimientos de sus secuencias (y de paso apurar el presupuesto), Simó rompió una regla de la animación que propone un dibujo nuevo cada uno o dos fotogramas y se fue a un dibujo cada tres o cada cuatro fotogramas. Lo que le da más fuerza a la dirección de arte. 

El ilustrador José Luis Ágreda Ágreda, explicó que "He buscado con los colores que acabes queriéndole, pero sin ablandar su historia". Él mismo investigó y dedicó mucho tiempo en encontrar referencias que hicieran creíble el filme, "y que el espectador no se sienta expulsado por objetos que no le parezcan de verdad". De ahí, la efectiva apuesta de incluir imágenes del original de Buñuel en el metraje animado. 

Para  la periodista y profesora de la Universidad Pompeu Fabra Mercè Ibarz, "a Buñuel cada vez que le preguntaban por Tierra sin pan le gustaba hablar de su amigo Ramón Acín". Ibarz dedicó su tesis doctoral -Buñuel documental. Tierra sin pan y su tiempo (1999)- a esa película y subraya que Acín fue productor y coguionista. 

En Los años rojos de Luis Buñuel, los historiadores Román Gubern y Paul Hammond aseguran que a pesar de las diferencias ideológicas, no eran raras las colaboraciones entre anarquistas y comunistas. "No creo que hubiera tantas diferencias, es más, había bastantes amistades entre ambos, que se unieron ante enemigos mayores, y desde luego de las más íntimas era la de Buñuel y Acín", incide Ibarz. 

En las memorias de Luis Buñuel Mi último suspiro, escribe: "Aquellas montañas desheredadas me conquistaron enseguida. Me fascinaba el desamparo de sus habitantes, pero también su inteligencia y apego a su remoto país, a su 'tierra sin pan'. Por lo menos en una veintena de pueblos se desconocía el pan tierno". 

Buñuel, aun sin la financiación cerrada, ya había viajado por la zona en septiembre de 1932. Retornó durante un mes, de finales de abril a finales de mayo de 1933, para filmar en Las Hurdes Altas, donde había más miseria, con un equipo conformado por él, Rafael Sánchez Ventura, Acín, Pierre Unik -poeta surrealista y periodista francés amigo de Buñuel- y el cámara francés de origen rumano Éli Lotar. 

Los estudios se construyeron expresamente para esta película en Almendralejo (Badajoz) y el proyecto recibió una ayuda de 250.000 euros en la convocatoria 2016 a la producción de largometrajes de ficción de la Junta de Extremadura. Fermín Solís comentó que "De aquella filmación había muy poca información y eso me permitió fantasear". Solís recuerda que encarados sus dibujos de hace 11 años para la actual edición a color sintió mucho la variación de su trazo. "Me contenía en no retocar las viñetas, pero algún cambio sutil sí he realizado". 

Declaró Solís que "Me ha gustado la paleta de colores que me ha otorgado la película, que por otra parte se diferencia bastante con el libro de común acuerdo con los guionistas [Simó y Eligio R. Montero]". 

El historietista solo pidió que se mantuvieran dos momentos de su libro: el momento de Buñuel vestido de monja y la aparición de la Virgen con la cara de la madre del cineasta. 

Y el autor solo se arrepiente de un detalle: "Eliminé para quedarme con cuatro personajes a Sánchez Ventura. Si llego a saber lo lejos que ha llegado el cómic no me hubiera atrevido". Solís agradece que Buñuel dejara tan poco escrito en Mi último suspiro sobre una película tan importante: "No sé si no hay referencias al documental por las críticas posteriores tan negativas o porque lo asoció a momentos tristes de su vida. Yo usé descartes archivados en la Filmoteca, algún libro y mucha inventiva para comprimir el imaginario pasado y futuro de Buñuel en ese personaje". 

La película explora tres aspectos: la relación personal entre Acín y Buñuel; el choque cultural que se produce durante el rodaje; y los traumas de la vida del director, recreados a través de pesadillas y alucinaciones que se agudizan en su regreso a España.

Las Hurdes es una obra clave en la filmografía de Buñuel: el artista dejó atrás el surrealismo ortodoxo de sus anteriores obras para acercarse a propuestas más sociales, en este caso con el propósito de mejorar la situación de una región desamparada y atrasada por la dejadez institucional. Sin embargo, en su momento fue tildada de «ofensiva» y el gobierno de la Segunda República Española no accedió a su estreno hasta 1936, que como aparece al final de la película Acín además de ser fusilado poco ías después del golpe y su mujer emanas después, acabó siendo eliminando de los créditos a Acín por su filiación anarquista. 

Buñuel no pudo reparar la memoria de su amigo hasta el reestreno en 1960, cediéndole todos los derechos a sus dos hijas como se señala en los créditos finales. Simó ha explicado que «Buñuel pretendía cambiar Las Hurdes y fueron las Hurdes las que le cambiaron a él». 

El proceso implicó a un equipo de más de 200 profesionales, entre ellos el historietista José Luis Ágreda como director artístico.

En cuanto a la crítica fue casi unanimamente positiva. En Estados Unidos cuando se estrenó Peter Debruge en las páginas de Variety afirma que "Aunque es innegablemente encantadora, Buñuel puede ser un personaje desagradable aquí, aunque esa es la idea" 

Jonathan Holland en The Hollywood Reporter sostuvo que "Hace justicia a su sujeto (...) Es, sobre todo, una buena historia contada con elegancia (...) Las imágenes destacan por su atención a la luz" 

Glenn Kenny de The New York Times considera que "La animación es hermosa y los decorados son sutiles y están detallados con inteligencia. La meticulosidad se extiende al trabajo de voces" 

David Ehrlich de IndieWire entiende que "Destaca por cómo refleja que la animación no es una mera subcategoría del cine (...) Es más gratificante como drama humano ligero" 

Robert Abele de Los Angeles Times defiende que "Este retrato sensible de un genio con frecuencia insensible pertenece a esa categoría de biopics que prefieren centrarse en un suceso importante en concreto y no en toda la vida" 

En Bélgica Alfonso Rivera en Cineuropa considera que "Lo que el espectador verá en este film –de encantador espíritu cinéfilo– será no sólo el viaje físico de un cineasta irrepetible, sino también su transformación personal y artística." 

Ya en España Miguel Ángel Palomo de FilmAffinity “No solo es un retrato del trabajo del cineasta en su película, sino también una inmersión en la personalidad de un creador acosado por sus propios fantasmas (…) muestra, al tiempo, la filmación de una película y el efecto que ello provoca en sus hacedores (…) un intento de retratar la pulsión creativa, ese quid que llevaba a un artista a la búsqueda de “la obra” (…) " 

Luis Martínez en El Mundo sostiene que es un "Magistral relato de la madurez trágica del genio de Calanda (...) [Simó] lo hace de manera tan emocionante, cabal y certera (...) el resultado se antoja tan revelador y lúcido como inspirado en su vocación de ruptura." 

Oti Rodríguez Marchante del ABC consideró que "Es tanto un complejo boceto de la personalidad de Buñuel como un hermoso homenaje a la figura de Ramón Acín." 

El catalán Quim Casas en las páginas de El Periódico de Barcelona señaló que "Lo más interesante, además de su sencilla técnica de animación, reside en la visión nada complaciente que da de Buñuel (...) y de algunos de los métodos que utilizó para reconstruir una realidad atávica. (…) " 

Andrea G. Bermejo en Cinemanía destacó que "Su mayor mérito consiste en rescatar y poner en valor nuestro patrimonio, cada vez más abandonado. Hermosa recreación del rodaje de 'Tierra sin pan', a la altura de aquella. (…) " 

Y M. Torreiro de Fotogramas escribió sobre ella que  "Con una animación hecha de colores nítidos (...) muestra una cara poco amable del mito Buñuel (...) Y obtiene un esclarecedor retrato de un momento capital en la historia cultural española del siglo XX. (…) " 

En Argentina Diego Lerer en MicropsiaCine.com consideró que la película era "Accesible y entretenida, con apuntes inteligentes para generar curiosidad (...) funciona por sí misma y también como puerta de entrada al fascinante mundo del creador de 'Viridinana' y 'Los olvidados'." 

En México, el otro país de Buñuel,   Jesús Chavarría reflejó en La Razón de México que "Se trata de un ejercicio de cine dentro del cine, que aprovecha las posibilidades de la animación como una herramienta para humanizar el mito." 

Para  Ana Laura Pérez Flores de Cine Premiere "La cinta empalma animaciones de los sueños del cineasta y el proceso de rodaje de uno de sus filmes para construir un retrato tan cariñoso como crítico del autor. (...) " 

Carlos Bonfil de La Jornada escribió sobre ella que "La cinta de Simó alude a esas complejidades artísticas y morales, y lo hace con gala de inventiva y también con un toque de ironía crítica. Eso es más de lo que suele esperarse de las hagiografías de grandes artistas." 

Para Fernanda Solórzano de Letras Libres "Simó (...) hace en el camino preguntas importantes sobre el sentido de la labor de un artista como justificación de sus transgresiones y libertades." 

Lo cierto es que Buñuel en el laberinto de las tortugas fue estrenada oficialmente el 20 de octubre de 2018 en la Segunda Edición del Festival de Cine de Animación de Los Ángeles. Lo cierto es que la cinta levantó gran expectación con la proyección de un anticipo en el Festival de Cannes de 2017, en el marco del Animation Day. Y no llegó a las salas españolas hasta el 26 de abril de 2019 cuando la distribuidora Wanda Films la estrenó. 

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España la incluyó en su terna de películas candidatas a los Premios Óscar, pero la candidatura recayó finalmente en Dolor y gloria de Pedro Almodóvar 

En cuanto a los Premios lo cierto es que fue galardonada con el Premio Goya en la categoría de mejor película de animación además de tener otras tres animaciones.En el Festival de Málaga fue el Premio a la Mejor banda sonora y en los Premios Feroz estuvo nominada a la mejor música.

Se llevó el Premios del Cine Europeo al Mejor film de animación y en los Premios Annie fue nominada a mejor película independient aunque cayó derrotada frente a la francesa J'ai perdu mon corps.

En el Festival de Annecy obtuvo una Mención del Jurado y el premio a la mejor banda sonora . En los Satellite Awards fue nominada a mejor película de animación 

En los Premios Platino fue la Mejor película de animación. Además consiguió algunas Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos o al menos fue nominado a la Mejor música (Arturo Cardelús ), al Mejor guion adaptado para Eligio R. Montero y Salvador Simó que lo ganó , al igual que al mejor Director revelación en la persona de Salvador Simó.  

Para terminar destacar que la película presente desde mi punto de vista grandes aciertos. Entre ellos quiero destacar el de recrear la historia del rodaje en Las Hurdes por parte de Buñuel y su equipo, en hecho que ya muestra el contenido didáctico de la película, visible igualmente en el mensaje final, como la intolerancia de unos , los franquistas, acaban con la vida de Acín, y como la intolerancia de los otros, los republicanos, se niegan a exhibir el documental dado que podía suponer mala prensa para la República y , después, cuando lo hacen anulan al gran impuslor de la misma: Acín, por ser anarquista. Es lo que tiene el sectarismo en este país. 

Igualmente quiero destacar el acierto en presentar a los personajes e ir intercalando tras la llegada a la zona de los protagonistas de escenas animadas con otras procedentes del documental en una especie de Making-off, inteligente y demostrativo del cómo se desarrollaron algunas escenas que recrean la presencia de la muerte en la zona. De la misma manera me parece magnífico introducir el acento  y el dialecto extremeño para presentar a los hurdanos que aparecen en el documental. 

Por último, aparte de destacar la cuidada animación, la ambientación de espacios en los que se ve poco, pero trasmite mucho,  quiero reconocer el acierto a la hora de llenar de contenido y presentar a los personajes, y como en el caso de Buñuel sus miedos y sus pesadillas. Alabar el intento de mostrar la situación lamentable en la que se encontraba esta zona, la más pobre del país, de uno de los pàíses más pobres de Europa en esa década. Esta es la razón, que no otra, la que llevó a la emigración a miles de extremeños que no tuvieron más remedios que salir de su tierra, una "sangría" humana que generará una auténtica "diaspora" que fue la que vivió en esas décadas la tierra de mi abuelo, uno de ellos. 

Horizontes del Oeste

Un western clásico, bonito, desconocido para mi con marejada de fondo y con muestra de lo que bien que refleja el western la condición humana a través de sus historias. Así es Horizons West, o sea, Horizontes del Oeste. 

El director es uno de los grandes del western , aunque considerado menor, pero sin duda mayor como era Budd Boetticher (1916-2001), en uno de sus primeros trabajos tras haber hecho un par de westerns poco conocidos, como "Cimarron Kid" es uno de ellos, y que cuenta con el mismo guionista Louis Stevens aunque más tarde apostaría por su guionista de cabecera, Burt Kennedy, que junto con Randolph Scott acabarían siendo prácticamente uno de los mejores tríos del oeste y posiblemente el mejor director de los westerns de "Serie B". 

Como ya he señala el guion era de Louis Stevens aunque la pelíula fue producido por Albert J. Cohen para la Universal International Pictures y la Universal Studios. La película contó con la música de Joseph Gershenson, al fotografía muy colorista de Charles P. Boyle y el montaje de Ted J. Kent. 

Destaca sobre manera su reparto encabezado por Robert Ryan como Dan Hammond, Julie Adams como la Sra. Lorna Hardin , Rock Hudson como Neil Hammond, Judith Braun como Sally Eaton, John McIntire como Ira Hammond y Raymond Burr como Cord Hardin. Junto a ellos aparecen James Arness como Tiny McGilligan, Dennis Weaver como Dandy Taylor, Frances Bavier como Martha Hammond, Tom Powers como Frank Tarleton, John Hubbard como Sam Hunter, Rodolfo Acosta como el General José Escobar Lopez, Douglas Fowley como Ed Tompkins, Walter Reed como Layton, Raymond Greenleaf como Eli Dodson, Dan Poore como Cy, Frank Chase como Borden y Mae Clarke como la Sra. Jane Tarleton. 

La película comienza poco después de la Guerra Civil, con el retorno de los hermanos Hammond Dan (Robert Ryan ) y Neil (Rock Hudson ) a casa en Austin (Texas) al norte del estado y en concreto al rancho de sus padres Ira (John McIntire ) y Martha (Frances Bavier). No viajan solos sino que lo hacen con su amigo Tiny McGilligan (James Arness), el fiel y eficaz capataz del rancho de los Hammond, un rancho situado a las afueras de Austin y que compraron cuando llegaron de Kentucky como colonos. 

Desde la llegada la sensación es diferente entre los hermanos. Ambos han perdido la guerra, pero además Dan tiene la sensación de haber perdido el tiempo y las oportunidades que han tenido otros a lo largo de estos cuatro años de enriquecerse. Por contra Neil está feliz de simplemente ayudar en el rancho y hacer lo programado por su padre. 

Pero la ambición de Dan es desmesurada ya que construir un imperio, como lo ha hecho el despiadado magnate de los negocios Cord Hardin del que ha oído hablar pero que nada más llegar a Austin a conocido a su joven y bella esposa de Hardin, Lorna (Julie Adams). 

Lo cierto es que desde el primer momento ella se siente alagada por Dan , mientras que Neil se siente atraída por Sally Eaton ( Judith Braun) , una niña que se ha transformado en mujer , pero que se siente atraído por el hermano mayor. 

Dan quiere entrar en los negocios locales para ganar dinero así que al poco de llegar manifiesta su desconformidad con los proyectos de su padre. Para ello necesita que alguien le abra las puertas. Este será su viejo amigo ,mientras que a otro le pide prestados mil dólares para jugar a las cartas con el rico local Cord Hardin (Raymond Bur) que ve con recelo el interñes de Lorna por Dan. 

Sin embargo, Dan en la partida pierde cinco mil dólares y Hardin humilla a Dan y le exige la devolución inmediata del dinero que no tiene. 

Esa misma noche Dan va al campamento que han montado cerca del rancho de su padre un importante grupo de desertores de los dos bandos. Tras darse a conocer y ser reconocido por un antiguo compñaero de armas recluta a un importante número de los peligrosos desertores y forma una banda. Juntos roban el ganado de Cord Hardin así como de otros ganaderos amigos del padre, aunque nunca al de su padre. Dan con el ganado capturado lo lleva al área libre entre México y Texas y vende el ganado al General José Escobar López( Rodolfo Acosta), la persona ue controla ese espacio. 

Tras recaudar una gran cantidad regresa a Austin, contando que hizo una fortuna en Nueva Orleans asiste al cumpleaños de su padre yu luego va al bar junto a algunos de sus hombres y ante un comentario ofensivo de Cord le golpea y lo humilla. 

Surgen dudas sobre el tema , pero los robos prosiguen así que Cord Hardin para sacar información secuestra a Neil para interrogarlo sobre el negocio de su hermano, la esposa de Cord, Lorna (Julia Adams), va al hotel y se lo cuenta a Dan lo que está sucediendo en el rancho. Dan va al rancho de Cord y lo mata en defensa propia. 

Tras eso es juzgado como inocente pues lo consideran como defensa propia y poco después se casa con Lorna. Pero su ambición no se satisface y Dan usa la fuerza para aumentar su imperio comprando escrituras y extorsionando a aquellos que no se lo permiten. 

Dan ya es una figura poderosa que supervisa una vasta empresa ha comprado tierras aprovechando las lagunas en las leyes laxas o corrompiendo a muchos funcionarios. Sin embargo, su padre y Neil deciden llevar a Dan a la corte pues se ha creado dan muchos enemigos. 

Cuando el juez , un hombre justo que incluso lo había considerado inocente, es secuestrado por el ambicioso Dan muere tras un disparo de uno de los acompañantes de Dan se ve que ya no puede escapar de los negocios turbios. 

Además cuando se revela que el Marshall de Austin está asociado con Dan, Neil se convierte en el Marshall. Ese imperio cada vez es visto con peores ojos por sus conciudadanos y tras ser acusado finalmente del asesinato del juez, es rescatado de la turba que pretende lincharlo por su hermano Neil, que ahora es el sheriff del lugar y se ha casado con Sally. 

El enfrentamiento final entre ambos hermanos será inevitable y finalmente se produce aunque premiamente hiere de gravedad a Tiny. Antes de huir hay un tiroteo y finalmente Dan muere. Por último vemos como la vida sigue y los Hammond , ya sin Dan se sienten cómodo en estos horizontes del Oeste. 

La película se rodó en espectaculares parajes de California. En concreto en el Andy Jauregui Ranch sito en Placerita Canyon Road, en las cercanías de Newhall, y en los míticos Universal Studios que estaban en el número 100 Universal City Plaza de Universal City. 

La película contó con gran parte de los actores y actrices en nómina de la Universal, desde los más consolidados hasta los más jóvenes. Tuvo su estreno en octubre de 1952. 

En cuanto a las crítica quiero destacar la de gran Fausto Fernández que en diversos tweets ha ido creando su crítica a la película que podría ser ñla siguiente: "Previa a su época dorada de westerns abstractos, anterior a su etapa de depuración absoluta en el western, pero ya de una magnitud considerable del más clásico de los directores de western, Budd Boetticher, que ya era un nombre clave del género " El critico señala que es un "bonito y sobresaliente western entre hermanos enfrentados ... en el que Robert Ryan se pasa al lado oscuro de la fuerza y del capitalismo , obviamente influenciado por los coetáneos de Anthony Mann y el "el western Universal que más le gustaba a su director, Budd Boetticher" y en la que interviene "toda la plantilla de la Universal 50s (Rock Hudson, Julia Adams, John McIntare, Dennis Weaver...)". 

Por su parte, Miguel Ángel Palomo en las páginas de El País nos informa que es una "Buena" película. 

Alberto Abuín en Twitter dice de ella que "'Horizontes del oeste' ('Horizons West', Budd Boetticher, 1952), el primer western importante de BB. Robert Ryan es un frustrado sureño que tras la Guerra Civil intenta crear un imperio a costa de todos. A medio camino entre lo clásico y la subversión de las siguientes décadas". 

En Fotogramas se destaca que es "Un western menor, pero no despreciable, en el que Boetticher evidencia dotes pero aún está lejos de la maestría alcanzada con el ciclo que protagonizaría Randolph Scott. La convencional y previsible historia está servida con un estilo simple y eficaz, pero su principal virtud reside en la atmósfera creada. La misma es extraña y densa, confiriendo un especial atractivo al conjunto. ". 

En ABC Play comentan que es "Un western centrado en la rivalidad entre dos hermanos, interpretados por Robert Ryan (en uno de sus sempiternos papeles de villano) y Rock Hudson (dando vida a uno de sus habituales héroes). Completan el reparto la bella Julie Adams y los posteriormente televisivos Raymond Burr (Perry Mason) y James Arnes (un actor a quien el mismísimo John Wayne recomendó para protagonizar la mítica serie “La ley del revólver”). El conjunto lo dirigió Budd Boetticher, cineasta de agitada vida que se convirtió en uno de los grandes nombres del cine del oeste, aunque casi siempre en producciones de moderado presupuesto. "

Y yo destaco del mismo que "Horizons West" es un western colorista, rico en historia, y que irá marcando el estilo seguro de su director visible ya de form definitiva por ejemplo en una bala para el diable o  Estación Comanche. Un western que habla sobre la codicia y la familia. Un western que habla de las dificultades de asentamiento que tienen todos aquellos que han ido a la guerra y tienen sensación de haberla perdido, aunque hubiesen ganado. 

Es una historia del capitalismo, de la lentitud con la que llegan las leyes a los rincones más apartados de los territorios así como de una historia de la rupturas en las familias. Robert Ryan een su linea está excelente como hombre que pierde sus valores en la guerra y se vuelve cruel y ambicioso. Julia Adams hermosa y elegante, y Hudson está por hacerse como actor. La película tiene buenos diálogos y como gran parte de los western resulta entretenida.

Doble cuerpo

 

Decía Guillerma Cabrera Infante en un libro que me firmó, Cine o Sardina, que Brian De Palma, era uno de los cinco directores jóvenes - lo era cuando había escrito su artículo- más importantes de Hollywood, junto a George Lucas, Steven Spielberg, Martin Scorsese y Francis Ford Coppola.

Incluía a De Palma pues consideraba que había hecho " de la imaginación su terra firma" y que así se mantenía desde su primera películ importante, El fantasma en el Paraíso (1974). Destacaba del director su absoluta coherencia y la constancia de sus temas, además de ser descubridor de estrellas unas más permanentes ue otras como Robert de Niro, Jill Clayburgh - y yo añado Melanie Griffith que se dio a conocer en Doble Cuerpo, la película que me trajo aquí.

Comentaba el cubano que a Palma le gustaba le podía gustar lo grotesco, pero ante todo el valoraba que era un auténtico admirador del maestro del suspense, Alfred Hitchcock, al que homenajeó tanto en Obsesión como en Doble Cuerpo una película que se mueve entre La ventana indiscreta (1954 )   y Vértigo (1958 ) e, incluso, Crimen Perfecto (1954 ) de la que tomas tanto lineas argumentales como temas conceptuales como el voyerismo y la obsesión. Lógico, pues Brian de Palma fue considerado un alumno aventajado. 

Fue precisamente Cine o Sardina y por Gillermo Cabrera Infante por lo que me enteré de la existencia de Body Double, una película que combina el suspense, lo erótico y el thriller, en tono neonoir,  en la que la estrella era la hija de Tippi Hedren, una musa de las musas de Hitchcock. 

Para Cabrera Infante Body Double es la claustrofobia la que ayuda al crimen y al asesinato mismo.  "Como picante erótico- decía el cubano- De Palma añadía a su versión de La ventana indiscreta: el mirón neutro que se hace culpable por mirar a la carne y al crimen a través no de un espejo oscuro sino de un muy claro, casi clarividente anteojo que muestra lo que queda ante los ojos". Y lo que ve el voyeur no es otra cosa que "Una fantasma, un objeto de carne culpable de una danza lenta, fraudulenta ante sus ojos en apariencia pero muy lejos de la realidad, esetenue velo de la vida. lo que ve el voyeur (lo que vemos a través de la doble lente del telescopio y de la cámara) es una de las versiones posibles de Melanie Griffith, de nuevo de negro, que se convierte en esta película en el remoto objeto de deseo- y de la último proyección erótica que es la violencia. Es decir, la violación, que los surrealistas llamaron el amor por la velocidad. El héroe, como el espectador, no ha cometido un solo crimen, pero los ha presenciado todos: eso es el cine. La cámara ( y la pantalla de televisión tambien) es una rape machine: la máquina de violar imágenes". 

Aquí Brian de Palma actua como guionista- junto a Robert J. Avrech-, director y productor, aquí junto a Howard Gottfried. Un buen thriller impregnado del tono voyeurista y ese erotismo de la época. Rodada en Metrocolor por el fotógrafo Stephen H. Burum para la Columbia Pictures con el apoyo de la Delphi II Productions y que tuvo por lo que parece un complejo montaje en el que participan Gerald B. Greenberg - montador habitual del director- y Bill Pankow . Todo un ejercicio de estilo de estética ochentera desde los peinados y el vestuario pasando por la música , una partitura musical original compuesta por Pino Donaggio .

La película contó con un elenco no especialmente conocido integrado por Craig Wasson como Jake Scully, Gregg Henry como Sam Bouchard, Melanie Griffith como Holly Body, Deborah Shelton como Gloria Revelle, Guy Boyd como el detective Jim McLean, Dennis Franz como Rubin, David Haskell como Will, Al Israel como Corso, Douglas Warhit como vendedor de videos, BJ Jones como Douglas, Russ Marin como Frank, Lane Davies como Billy, Barbara Crampton como Carol, Larry "Flash" Jenkins como asistente de dirección, Monte Landis como Sid Goldberg, Slavitza Jovan como vendedora y Rob Paulsen como camarógrafo. 

La historia comienza con un rodaje de una película de terror en la que el protagonista es Jake Scully (Craig Wasson), un actor en apuros pues tiene una claustrofobia insalvable. Tras parar el rodaje regresa a casa y descubre que su novia (Barbara Crampton) lo engaña. 

Una vez sale de casa, Scully va a un bar y esa noche duerme en casa de un amigo. Tras esto se separa y se queda sin un lugar donde quedarse pues la residencia le pertenecía a su novia. 

Poco despues es informado por su agente de que ha perdido su papel de vampiro en la película de terror de bajo presupuesto después de que su  frustrara el rodaje por sus miedos insalvables. 

Tras varios casting frutrantes, donde contacta con otros actores en paro, en una clase de actuación de método , conoce a Sam Bouchard (Gregg Herny), quien presta mucha atención a la revelación de Scully de sus miedos y la causa infantil de su claustrofobia y de su relación con sus hermanos. 

Tras eso van a un bar donde a Scully le ofrece un lugar para quedarse ya que un amigo rico de Sam se ha ido de viaje a Europa y necesita que alguien atienda las plantas y le ciude su casa, una  ultramoderna vivienda en las colinas de Hollywood, pues Sam tiene que atender durante cinco semanas un espectáculo en Seattle. 

Durante el recorrido por la casa con Scully, Sam le muestra especialmente entusiasmado un detalle: un telescopio,  a través del cual puede ver a una vecina, Gloria Revelle (Deborah Shelton), que baila casi desnuda eróticamente a una hora específica cada noche. 

Desde que se instala Scully por la noche mira voyeurísticamente a Gloria hasta que una noche ve que en la casa hay un hombre que tras sacar el dinero de la caja fuerte después le golpea con fiereza. 

Al día siguiente, ve como un soldador que hace una soldadura en un depósito o una gran cartel observa desde la distancia a la chica. 

Al día siguiente decide seguir a la chica que sale de su casa. Ve que él no es el único que está detrás , ya que otro coche la sigue hasta un centro comercial. Allí entran los tres coches. Ella deja el coche y se  va de compras entrando en una lencería. En la lencería ella se cambia de ropa íntima y la usada la deposita en una bolsa que luego irá a la basura.

En el miestras tanto Scully ve que el tipo que la miraba con el soldador la está siguiendo por todo el centro e incluso la espera en el exterior. Sin embargo, nunca entran en contacto los tres, aunque Scully y Gloria comparten el ascensor.  

Luego ella sale, deja su bolsa con las bragas usadas y marcha en dirección a la playa. Gloria entra en unos apartamentos de la playa mientras Scully le sigue y, finalmente, la chica llama a una persona desconocida y le promete verla. Tras un tiempo descurbimos que aparentemente la persona que estaba esperándola allí la ha dejado plantado. 

Scully también nota un desfigurado " indio", un hombre que había notado observando a Gloria unos días antes. 

Cuando Gloria sale del motel  y se dispone a dar un paseo por la playa , Scully corre tras ella, la alcanza y le avisa que alguien la sigue. En ese momento, el indio de repente le arrebata el bolso. Scully la persigue.

El ladrón entra en un túnel cercano, pero Scully cae preso de su claustrofobia. Gloria lo saca de allí, y tras eso se besan impulsiva y apasionadamente antes de retirarse. 

Esa noche, Scully está mirando de nuevo a través del telescopio cuando el indio regresa e irrumpe en la casa de Gloria. 

Scully corre hacia la casa por la colina para salvar a Gloria, pero es atacada por su feroz perro blanco que está en la planta baja. Mientras que en la planta alta está el "indio" robando . Poco después sube Gloria y tras una fuerte resistencia de ella es asesinada por el indio con un enorme taladro de mano. 

Scully, junto a dos corredores a los que pidió ayuda,  alerta a la policía, que determina que fue un robo fallido . Sin embargo, el detective Jim McLean (Guy Boyd  ) sospecha de él después de encontrar las bragas de Gloria en el bolsillo de Scully. 

Aunque McLean no lo arresta, le dice a Scully que su comportamiento voyeurista y no alertar a la policía antes han ayudado a causar el asesinato de Gloria. 

Más tarde esa noche, sin poder dormir, Scully opta por poner un canal de televisión pornográfico cuando se da cuenta de que la actriz Holly Body (Melanie Griffith)  baila exactamente de la misma manera sensual que lo hacía Gloria. Tras eso piensa en un plan para conocer a Holly. Finge ser un productor de pornografía que quiere contratarla  para una nueva película. 

Scully, que inicialmente se hace pasar por el productor, le cuenta la verdad a Holly cuando la lleva a casa. En la cama se entera por  Holly que un hombre al que no conocía de nada , le contrató por hacer el baile erótico. Todo esto coincide con una llamada de Sam, que informa de que pronto volverá. Pero Sam es reconocido por Holly como el hombre que la contrató para hacerse pasar por Gloria todas las noches, bailando en la ventana, sabiendo que Scully estaría mirando y que luego sería testigo del asesinato de Gloria real. 

Ofendida por la sugerencia de que estaba involucrada en un asesinato, Holly sale corriendo de la casa y se mueve por las colinas. Mientras intenta hacer autostop para ir a su casa es recogida por el indio que la agrede y la deja inconsciente en su coche. Luego la lleva a una zona cercana al Canal de Los Ángeles creado por el ingeniero Mullholand. 

Scully los sigue hasta un viaducto donde el indio está cavando una tumba. Durante su pelea, Scully descubre que el indio es Sam con una mascara y mucho maquillaje. Scully es consciente que es un chivo expiatorio que le proporcionó a Sam, que era el marido abusivo de Gloria, una coartada durante el asesinato. 

Scully ve como Holly yace en el suelo y es dominado y arrojado por Sam a la tumba donde nuevamente queda incapacitado por su claustrofobia. Sin embargo, supera su miedo y sale golpeando a  Sam que cae por el canal  y se ahoga. 

Durante los créditos finales, vemos como Scully ha sido llamado para volver a interpretar su papel de vampiro en la película anterior está asaltando a una chica mientras se ducha, pero en un momento dado, otra chica, una doble que va a mostrar de manera más evidente su cuerpo la sustituye. Mientras Holly observa la escena junto al equipo de rodaje acabando así la película. 

Tras el éxito de Scarface, Columbia le ofreció a De Palma un contrato de tres películas. Body Double o Doble cuerpo sería la primera. El director lo hizo inmediatamente después de Scarface alegando que  "Me gusta trabajar". 

La película se basó en una idea de Brian de Palma surgió cuando entrevistó a los dobles del cuerpo de Angie Dickinson para Dressed to Kill .  "Empecé a pensar en toda la idea del cuerpo doble", dijo. "Me preguntaba qué haría si quisiera asegurarme de llamar la atención de alguien, hacer que miran un lugar determinado en un momento determinado".  

De Palma había admirado un guión escrito por Robert Avrech y contrató a Avrech para que lo escribiera. Avrech dijo más tarde: "Tanto Brian como yo éramos, y somos, grandes admiradores de las películas de Alfred Hitchcock. Juntos proyectamos La ventana indiscreta y Vértigo, y discutimos las estrategias narrativas que Hitch utilizó en ambas películas. Así que, en cierto sentido, estaba trabajando con las ideas de Palma sobre las ideas de Hitchcock ". 

El director dijo que iba  a ser " una película al estilo y la tradición de De Palma. Un thriller erótico. Tiene un tema voyeurista, sobre personas que son absorbidas por las cosas que están viendo. Una montaña rusa salvaje y erótica, tantos giros y vueltas. He visto al público saltar antes, o los he visto sentarse se enderezan en sus asientos. Pero no puedo esperar a ver a la audiencia cuando vean esta película. Nunca antes habían visto algo así ". 

De Palma sabía que el proyecto podía tener complicaciones con la junta de censura como ya ocurriese con Scarface a lo calificaron con X y por la que tuvo que luchar para  que la calificaran R. Es más el director declaró que "Les mostraré la película y voy a darles todo lo que odian y más de lo que nunca han visto. ¿Creen que Scarface fue violento? ¿Piensan que mis otras películas fueron eróticas? Esperen hasta que vean Body Double". 

El director dijo que decidió usar un taladro como instrumento de asesinato porque "yo hago muchos misterios de asesinatos, y después de un tiempo te cansas de los instrumentos habituales. Puedes usar un cuchillo, una cuerda, pero ahora tenemos instrumentos eléctricos que son realmente aterradores ". Añadió que un taladro era lo suficientemente grande como para ser visto por el personaje al otro lado de un cañón. "No era mi intención crear una imagen sexual con el taladro, aunque podría interpretarse de esa manera".

En cuanto al casting Brian De Palma originalmente consideró a Annette Haven para interpretar el papel principal femenino. Antes de filmar, comentó: "Ya estoy pensando en hacer un casting. No sé si hay buenas estrellas porno jóvenes aquí, pero las mayores, como Annette Haven, Seka , algunas de ellas realmente pueden actuar. Y Annette Haven tiene un cuerpo estupendo ".  Sin embargo, cambió de opinión y eligió a Melanie Griffith. "Descubrí que usar a una persona real para interpretar a una contraparte ficticia no necesariamente hace que el personaje sea más real". De cualquier manera en la película aparecen las actrices adultas Cara Lott y Annette Haven   

Más tarde, De Palma dijo que Haven "fue una gran ayuda" para él en su comprensión de la industria del cine para adultos y de los antecedentes de Holly ". Pero al final miré su prueba de pantalla y la de Melanie y realmente no había comparación "como Griffith aportó" un toque cómico que quería que fuera una parte importante del tono de la segunda mitad de la película ".  

La misma actriz señaló que "Creo que le di una gran cantidad de inteligencia". "Solía ​​pensar que no quería más papeles de ninfa, pero ahora creo que puedo darle mucha vida a ese tipo de personaje". 

También aparece la actriz y ex modelo yugoslava de lo que hoy es Serbia Slavitza Jovan , quien apareció como diosa en Gozer the Gozerian en Ghostbusters ese mismo año, 1984  y que aparece brevemente como vendedora. 

En cuanto a los actores contó con dos que tendrían una carrera poco vistosa como es el caso de Craig Wasson y el actor , pero también cantante, Gregg Henry , un hombre que ha aparecido en películas de serie  B y en series, principalmente. 

El prolífico actor de doblaje Rob Paulsen aparece en la película como fotógrafo de una película pornográfica en la que dice "¿Dónde está la corrida?". 

Body Double contiene una película dentro de una secuencia cuyo protagonismo asume la banda de pop Frankie Goes to Hollywood que interpreta su canción " Relax " en el set de una película porno ,   y también aparece la actriz especializada en películas de terror Brinke Stevens. 

El rodaje comenzó el 30 de enero de 1984 y se rodó en el área de Los Ángeles e incluye lugares como Tail o 'the Pup , Beverly Center , Barney's Beanery , LA Farmer's Market , el centro comercial Rodeo Collection en Rodeo Drive , la cúpula de Spruce Goose en Long Beach, Hollywood Tower y Hollywood Freeway adyacente , Tower Records y la casa futurista Chemosphere . 

De Palma señaló que los ejecutivos de Columbia Pictures al principio estaban entusiasmados con la película hasta que fue vista previa en Van Nuys "y el estudio comenzó a preocuparse mucho", dijo. "Las únicas personas más locas que las personas que me critican por la violencia son las personas de los estudios. No puedo soportar ese tipo de cobardía". 

La respuesta de la audiencia no fue fuerte  y no llegó a recuperar lo invertido entre los $ 10 millones ylos $ 6 millones, según algunas fuentes, quedándose en $ 8.8 millones en taquilla. Un fracaso , sin duda. Lo cierto es que la tibia recepción de la película sería la que llevó a la Columbia a tomar la decisión de no hacer las dos siguientes películas programadas.

Por su parte, Griffith llamó a la película "una parodia de Hollywood más que nada, y solo tiene un asesinato ... No hay forma de que pueda obtener una X". 

Lo cierto es que la película recibió una X por parte de la Motion Picture Association of America Rating Board. Dado que muchos cines se negaron a mostrar películas con clasificación X, De Palma tuvo que volver a editar la película como lo hizo en Dressed to Kill y Scarface . 

De Palma cortó lo que llamó "algunas cosas menores de la escena de las películas pornográficas" y consiguió que una R.

Tras el tibio estreno llegaron los reconocimientos y la crítica. La película consiguió la nominación al Premio Globo de Oro a la Mejor Actriz de Reparto para Melanie Griffith y el Premio de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine Mejor actriz de soporte  y casi lo consiguió en el Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York . Pero para escarnio del director fue nominada al Premio Golden Raspberry al peor director por este filme. 

En cuanto a la crítica, Roger Ebert columnista del Chicago Sun Times elogió la película, y la calificó como "un ejercicio estimulante de cine puro, un thriller en la tradición de Hitchcock en el que no hay ningún punto en particular excepto que el héroe es defectuoso, débil y en terrible peligro, y nos identificamos con él por completo ".  Ytambién señala en rogerebert.com que "No es tan sólo un ejercicio de estilo. También es un thriller genuinamente aterrador (...) "

En otro diario de Illinois, Gene Siskel del Chicago Tribune escribió: "Cuando el ejercicio apareció en la pantalla, De Palma me perdió y me perdió el control de su película. En ese momento 'Body Double' dejó de ser un homenaje a Hitchcock y en cambio se convirtió en una película de salpicaduras barata, y no muy buena en eso ". 

Vincent Canby de The New York Times escribió que De Palma "nuevamente va demasiado lejos, que es la razón para verlo. Es sexy y explícitamente crudo, entretenido y a veces muy divertido. Es su variación más descarada hasta la fecha de un Hitchcock película ('Vértigo'), pero también es un original de De Palma, una película que podría haber ofendido a la personalidad pública irónicamente paternal de Hitchcock, al tiempo que apelaba a sus fantasías más oscuras y privadas ". 

Todd McCarthy de Variety declaró que "Para su crédito, DePalma mueve su cámara tan bien como cualquier director en el negocio hoy y en un nivel puramente físico 'Body Double' a menudo resulta bastante seductor cuando la cámara sigue, gira, gira y hace zoom hacia y alrededor de los objetos de la normalmente siniestra contemplación de DePalma. Desafortunadamente, la mayor parte de la película consiste en riffs visuales de Alfred Hitchcock, particularmente 'Vértigo' y 'Ventana indiscreta' ". 

Para Pauline Kael, como recoge Guillermo Cabrera en su libro Cine o sardina en su columna del The New York Times " La película no tiene centro y es tibi (...) hastaque aparece Holly Body cerca de la medianoche. Esperábamos algo , y ese algo es ella... Es como una quinceañera seductora y lo que dice tiene un elemento de sorpresa aún para ella misma" Y concluye " Su conversación es tan sexy que las ideas que le da ideas que le levantan las cejas".

Paul Attanasio de The Washington Postescribió: "Un misterio de asesinato lascivo, sangriento y retorcido que gira en torno a la industria del porno de Hollywood, 'Body Double' encuentra a Brian De Palma en el cenit de su virtuosismo cinematográfico. La película ha sido cuidadosamente calculada para ofender a casi todo el mundo, y probablemente lo hará. Pero, como Hitchcock, De Palma hace que la reacción del público sea el tema real; 'Body Double' trata sobre los oscuros anhelos que tenemos en nuestro interior ".  

Para Eric Henderson de Slant la película "Aunque no es la más lograda de sus películas, es la mejor candidata a ser la película más distintiva de De Palma" " 

Al otro lado del país Sheila Benson de Los Angeles Times criticó la película como "elaboradamente vacía, tonta y desesperadamente derivada", y sugirió que De Palma "finalmente puede haber agotado la paciencia incluso de sus admiradores más tenaces". 

Ya en España Luis Martínez en  El País sostuvo que "Brian De Palma vuelve a jugar a Hitchcock y se queda a mitad de camino. A pesar de todo, este plagio encubierto de 'La ventana indiscreta', pasado por la batidora del erotismo, entretiene"  

En este mismo diario Antonio Albert comentó que ka película contiene "Voyeurismo, erotismo, crimen y castigo. De Palma manipula al espectador a sabiendas, concediéndole pistas falsas o sesgadas, siempre con una realización brillante y efectista" 

Lo cierto es que Body Double fue vilipendiada cuando  se estrenó como señaló De Palma. "Vilipendiado. Realmente me dolió. La prensa me masacró justo en el apogeo del movimiento de liberación de la mujer ... Pensé que era completamente injustificado. Era un thriller de suspenso, y siempre me interesó encontrar nuevas formas de matar gente . " De hecho , el Observatorio de Londres para Mujeres Maltratadas pidió a Columbia Pictures un porcentaje de las ganancias de la película alegando que era "dinero de sangre" por utilizar "la victimización de las mujeres como una fuente de ganancias masivas". 

Para el director por contra era su película "más erótica, sorprendente y emocionante que sé hacer" . Desde luego fue el trampolín de la carrera posterior de Melanie Griffith. Como señalaba al inicio Guillermo Cabrera Infante destaca su transformación "propia de Hitchcock" que "reaparece como una heroína, droga dura, de películas porno y a la vez como una de las comediantes naturales del (...)  cine americano. Ella es la Venus rubia de los años ochenta, que surge impoluta de la espuma del ma. (...) Ella es un pubis público pero a la vez su monte de venus es una zona erógen privada.(...) En su lugar hay "una personalidad nada inhibida, exhibida, protagonista del duro porno: una profesional de su arte y oficio, Salomé sin velos" Y acaba diciendo que " es una rubia natural con un tatuaje en la nalga, indecente, inocente, docente".   

El tiempo pasó y , como ocurre muchas veces, la película se transformó en un objeto de culto,  lanzó a una actriz al estrellato, puso de relieve las intenciones del director , su homenaje al gran maestro y por la estética de un momento irrepetible, por su banda sonora  tan de los ochenta o por mostrar ubicaciones icónicas de Los Ángeles. Había que verla. Y la he visto. 

El delator

 

Era verano. Estaba en Flagstatt (Arizona) la mayor ciudad que hay en el condado de Coconino en una gasolinera de la ruta 66 con la rueda reventada por haber dado en golpe a un bordillo. La gasolinera la atendía una nativa americana, supongo que navajo. Esperábamos a una grua. En la espera , yo estaba fuera, a la espera me ocurrió una cosa curiosa. En un momento dado me abordó una chica y me preguntó con mucho interés si era irlandés. Le dije que no, que era español. Vi como quedaba decepcionada. Lo cierto que un detalle la llevó al error, llevaba yo una camiseta de color gris con letras en gaélico escrito en color verde. Sospecho que la chica era de origen irlandés y le hacía ilusión hablar con uno en aquel espacio urbano en las afueras de la ciudad de Arizona. 

Eso confirmaba mi teoría. No hay irlandés o descendiente de irlandeses que no se sienta orgulloso de su tierra, que se vincule a ella en tierra y alma. John Feeney, un ciudadano estadounidense nacido en Cape Elizabeth en el estado de Maine, hijo de John Augustine Feeney y Barbara "Abbey" Curran, que habían nacido respectivamente a mediados del siglo XIX en Spiddal , un ciudad de Condado de Galway y en la ciudad de Kilronan en la isla de Inishmore (Inis Mór), la mayor de las Islas Aran, en la desembocadura de en la Bahía de Galway. Irlanda era  una tierra que imprime carácter e identidad. 

Uno y otra emigraron desde el oeste de la isla y llegaron a Boston y la Portland de Maine. Ya como pareja la familia de John Augustine Feeney se instaló en Sheridan Street, en el vecindario irlandés de Munjoy Hill en Portland, Maine, junto a muchos paisanos. 

Como ellos se buscaron la vida en múltiples trabajos ocasionales para mantener a su extensa familia formada por 11 hijos. El cuarto de ellos fue llamado Francis Ford, aunque para algunos será Martin "Jack" Feeney - pero también podía responder al nombre de Sean Aloysius o por el apellido O'Feeny u O'Fearna. 

Este hombre inteligente, erudito, sensible y sentimental, que había crecido con sus 11 hermanos a los que idolatraba, en un mundo agitado en el que había boxeadores, bebedores y peones , optó para protegerse de la atmósfera de Hollywood por cultivar la imagen de un "hijo de puta irlandés duro, tacaño y bebedor". Ese señor fue el mismo que dijo “Me llamo John Ford y hago westerns” . No sólo hará western pues sabemos que a lo largo su muy dilatada trayectoria hizo filmes sobre perdedores, sobre la pobreza y por supuesto de Irlanda y los irlandeses. Una de estas películas fue El delator o The Informer fue el primer gran clásico de John Ford .

La película partía de un guion escrito por Dudley Nichols en 6 días, pero está basado en la novela homónima de su primo irlandés Liam O'Flaherty, quien participó activamente en la lucha por la independencia de Irlanda y en la revuelta de 1922. 

La película es una producción en la que están implicados John Ford y Cliff Reid por medio de la productora RKO Pictures  y contó con un presupuesto de $ 243,000.

En cuanto a los técnicos en la música estará Max Steiner, mientras que en la fotografía en un magnífico blanco y negro será responsabilidad de Joseph H. August. Responsable del sonido fue Hugh McDowell Jr. . El montaje recayó en George Hively  y el vestuario de Walter Plunkett.

El reparto lo encabeza Victor McLaglen como "Gypo" Nolan , Heather Angel como Mary McPhillip , Preston Foster como Dan Gallagher , Margot Grahame como Katie Madden,  Wallace Ford como Frankie McPhillip, Una O'Connor como Mrs McPhillip,  JM Kerrigan como Terry , Joe Sawyer como Bartly Mulholland , Neil Fitzgerald como Tommy Connor , Donald Meek como Peter Mulligan , D'Arcy Corrigan como El ciego , Leo McCabe como Donahue , Steve Pendleton como Dennis Daly , Francis Ford como "juez" Flynn , May Boley como Madame Betty .

La película comienza mostrándonos el contexto de la revuelta dublinesa de 1922 y con la descripción de las 30 monedas que finalmente tiró Judas tras vender a Jesús.  Estamos en un agitado Dublín  y por sus calles vagabundea Gypo Nolan (Victor McLaglen ), un hombre fuerte, pero en paro, sin oficio definida ni beneficio, expulsado del Ejército de Liberación Irlandés por uno de los jefes locales Dan Gallagher (Preston Foster) al no haber cumplido la orden de ejecutar a un coloborador de los ingleses (Black and Tan) que mató a un hombre del IRA y que había sido condenado por la organización. A eso se suma que lleva tiempo separado hace tiempo de su mejor amigo Frankie McPhillip (Wallace Ford) que lleva tiempo en busca y captura por el que dan una recompensa de 20 libras esterlinas si alguién delata su paradero o lo entrega vivo o muerte, como vemos en un cartel.

La idea le ronda la cabeza , pero más aún cuando se encuentra con su novia Katie que al igual que él está en la indigencia más absoluta, tanto es así que se ha lanzado a la calle para intentar vender su cuerpo a los pocos clientes que se lo pueden permitir.

Tras discutir con ella y agreder a un tipo que se le ha acercado se fija que el pasaje para ir a Estados Unidos y tener un mejor futuro cuesta 10 libras , 20 pues su intención es  es viajar en compañía de su novia, Katie Madden ( Margot Grahame ). 

Katie se lamenta de que no tiene £ 10 para el pasaje a Estados Unidos para comenzar de nuevo. Gypo, tras esto, decide convertirse en informante por la recompensa de £ 20, suficiente para el pasaje a América para ambos. 

Tras ir a un comedor social se encuentra con Frankie que le pregunta si sabe si la casa de su madre está libre de vigilancia y Gypo le comenta que hace tiempo que la vigilancia ha desaparecido. Frankie le dice que quiere ir a su casa, pues la echa en falta tanto a ella como a su hermana y está cansado de esconderse durante seis meses.

Se dirige a casa para visitar a su madre ( Una O'Connor ) y a su hermana Mary ( Heather Angel ) al amparo de la noche brumosa. 

Animado por la recompensa que ofrecen las autoridades, Gypo delata el paradero del activista Frankie McPhillip, su viejo amigo y compañero y recibe una recompensa de £ 20 por su cabeza. 

Las fuerzas lealistas que están con los británios, los Black and Tans, encuentran a Frankie en su casa, y Frankie muere en el tiroteo que siguió. 

Los británicos le dan a Gypo su dinero de sangre con desprecio y lo dejan ir. Nada más salir Gypo se encuentra con un ciego (D'Arcy Corrigan ) al que entrega una libra.

Gypo posteriormente compra una botella de whisky y le dice a Katie que obtuvo dinero golpeando a un marinero estadounidense en un callejos aprovechando que es una noche de niebla. Cuando se va a subir a un carro para ir a casa, junto a Katie, descubre que es evidente que tiene que ir al velatorio de su amigo Frankie, ya que si no va pensarían que el tienen algo que ver con su muerte.

Nada más llegar ve que la casa está llena de vecinos, amigos e integrantes del IRA. Cuando ve a la madre y hermana de Frankie se pone a llorar y a lamentar en alto su muerte. Mientras actúa de forma llamativa se le cean algunas monedas del bolsillo. Casi de inmediato Gypo habla de la existencia de un delator, pero los hombres allí presentes no sospechan que Gypo sea el informante.

Pero tras salir es invitado a encontrarse con Dan Gallagher por varios de sus antiguos compañeros del IRA como Terry ( JM Kerrigan ) y Tommy Connor  ( Neil Fitzgerald). En una entrevista entre ellos le preguntan, siendo amigo de Frankie, de  quién sospecha sobre el que informó sobre Frankie. Gypo afirma que era un hombre insignificante simpatizante con la causa y que trabaja como sastre llamado Mulligan ( Donald Meek ) ha sido el delator. Aunque Gypo ya está borracho ya que no ha parado de beber desde que llegó a la reunión y no para de decir tonterías, los demás comienzan a sospechar de él, pero todavía no tienen pruebas suficientes. 

Gypo se va y se dirige a un bar de fish & chips e invita a todos los clientes del bar con un par de libras, pero la gente del IRA que lo sigue se pregunta cómo es posible que ahora un muerto de hambre como Gypo tenga tanto efectivo e invite a tanta gente.

Mientras tanto, Mary la hermana de Frankie le dice a su novio, Dan Gallagher, dirigente del IRA que la única persona con la que Frankie habló ese día fue Gypo. En ese momento los hombres del IRA deciden llevar a cabo una investigación sobre la muerte. 

Mientras tanto Gypo sigue de farras con un conocido tan borracho como él Bartly Mulholland (Joe Sawyer) que lo lleva a una fiesta en la que le dice que está Katie. No es cierto. Se trata de una fiesta de personas algo más pudientes que ellos, pero igual de miserables. Allí cree ver a Katie, pero no lo es. Se emborracha y paga distintas rondas de bebidas, incluso le paga el pasaje y la deuda que tiene la chica que se parece a Katie con su miserable casera.

La fiesta acaba cuando Gypo es llamado por sus antiguos camaradas del IRA pues habían acordado realizar un juicio para dilucidar quién había delatado a Frankie. Cuando llega ve que hay un tribunal en el que están el ciego, Dan y el "juez" Flynn (Francis Ford). Igualmente está Mary, la hermana de Frankie así como gran parte de los integrantes del IRA. En un taburete para ser interrogado está Mulligan .

El juicio comienza y se ve que Mulligan es inocente siendo Gypo el principal encausado. donde interrogan a Mulligan y Gypo que lo acusa torpemente una vez más. Sin embargo, los camaradas no le creen a Gypo y dan una explicación detallada de dónde gastó toda su recompensa de £ 20. 

Gypo luego confiesa ante Mary que está presente haber delatado a Frankie. . Lo llevan a una sala del "tribunal" . Gypo está encerrado, pero antes de que lo ejecuten , tras sortear a quién le toca, escapa por un agujero en el techo. Corre al apartamento de Katie, donde le dice que informó sobre Frankie. 

Katie va a ver al comisionado que presidió el juicio, que no es otro que su antiguo jefe Dan Gallagher ( Preston Foster), para rogarle que dejara a Gypo en paz ya que ella, su hambre, el deseo de buscar una nueva vida en Estados Unidos es la responsable de todo. El rígido Gallagher dice que no puede hacer nada, y que Gypo podría entregar toda la organización a la policía si se le permite vivir. 

Mientras otros miembros del IRA, habiendo escuchado a Katie, van a su apartamento y disparan a Gypo, para horror de Katie al escuchar los disparos. 

Gypo, aunque acaba con un par de ellos, es finalmente alcanzado cuando ya está en la calle. Herido de muerte entra en una iglesia donde se encuentra la madre de Frankie rezando y le pide perdón mientras se confiesa. Ella lo perdona, diciéndole que no sabía lo que estaba haciendo, y una vez absuelto Gypo muere contento cayendo al suelo de la iglesia después de llamar a Frankie con alegría diciendo "Frankie, Frankie, tu madre me ha perdonado", acabando así la película. 

La película fue rodada en apenas 3 semanas, en 17 días. El rodaje estuvo marcado por la relación entre John Ford y Victor McLaglen. El director mantuvo siempre al actor fuera del set , emborrachándolo, cambiando sus horarios, abusando verbalmente de él dentro y fuera del set y filmando escenas cuando le había dicho a McLaglen que solo estaban ensayando. Para la escena crucial de la corte rebelde. La historia cuenta que a Ford que el actor estuviese tembloroso y que se presentara como un giñapo desastroso. Así que le prometió de antes de rodar esa escena como un día libre. esa noche salieron para beber divertirse y le dijo que no se preocupase por sus líneas. 

A la mañana siguiente lo llevó al estudio temprano y con mucha resaca, insistiendo en que escupiera sus líneas. McLaglen estaba tan furioso con Ford por esto que amenazó con dejar de actuar y matar al director. A John Ford le preocupaba que la escena en la que el "rey" borracho Gypo entrara en el burdel para buscar a Katie no pasara la censura. Al estudio se le ocurrió la idea de "ponerles sombreros a los gatos", es decir, hacer que todas las prostitutas usen sombreros dentro, disuadiendo así a la junta de censura de pensar que eran prostitutas. 

El delator es una historia circular, un relato oscuro que se desarrolla entre la niebla y el hambre que vive en el Dublín de 1922. Su protagonista, Gypo Nolan, definido por su novia Katie como un "pobre hombre ciego", acabará viendo destapada su mentira por otro ciego. 

RKO tenía serias dudas sobre el proyecto, dado el tema deprimente y el patético personaje principal. Sin embargo, tras el éxito de La patrulla perdida (1934) de John Ford, el estudio acordó aumentar el presupuesto, siempre que no costara más de 250.000 dólares. Ford tuvo que renunciar a su propio salario para asegurarse de que la película cumpliera con esa restricción presupuestaria. Llegó a 243.000 dólares.

Ford apuesta por tomar partido por el IRA ante la realidad política en la isla ("un traidor puede destruir un ejército") y el catolicismo ("para un delator es fácil jurar en nombre de Dios", "te digo que es el diablo"), realizando una metáfora por la cual un rebelde irlandés es el Mesías de la nación oprimida, y su amigo Gypo es el reflejo del famoso traidor bíblico algo que sabemos que a Ford le tocaba el corazón. 

El director recurre a objetos comunes para convertirlos en símbolos que marcan el curso de la película como veremos años después en El fugitivo al igual que música y canciones populares irlandesas tan del gusto del director . Igualmente, junto a ese discurso ideológico, proirlandes del director, hay un escenario bien conseguido, el de una noche oscura y nebulosa, que intenta ocultar la miseria y la situación. 

La película todavía tiene elementos propios del cine silente en el que tanto trabajó el director como las sobreimpresiones del  cartel de la recompensa, las sobreactuaciones en algunas reacciones del propio Victor McLaglen y de otros compañeros de reparto. 

De cualquier manera su descenso a los infiernos es memorable y su conversión en un alcoholizado Judas desoreintado y casi sin cabeza que busca el perdón a gritos, muy meritoria. La banda sonora de Max Steiner, grandiosa. 

De cualquier manera en ella Ford consigue mostrar el drama de una población hambrienta, en lucha, y logra crear una gran ambientación de espacios oscuras apenas iluminados casi expresionistas en su concepción - Ford era un gran admirador de Amanecer (1927 ) de Murnau- o esa escaleras que llevan al protagonista literalmente a su juicio y a una mazmorra  que no dejan de ser claustrobóficos

La película obtuvo éxito de público y de taquilla con $ 950,000 y recompensa en los premios Oscars de 1936. Mientras que en año anterior  la triunfadora fue un musical Una noche de amor de la Columbia Pictures con dirección de Victor Schertzinger y que contaba con el guion de S.K. Lauren y James Gow, basado en una historia titulada "Don't Fall In Love", de Dorothy Speare y Charles Beahan, en 1935 la triunfadora fue la película de Ford al ganar 4 premios Óscar en 1936 como el Mejor actor (Victor McLaglen), mejor dirección (John Ford), al mejor guion (Dudley Nichols) - pero lo rechazó debido a desacuerdos sindicales siendo la primera vez que se rechazó un Oscar, aunque lo reclamó tres años después- y a la mejor música para Max Steiner. 

La película fue nominada a Producción sobresaliente siendo George Hively nominado a la Mejor Edición de Película aunque el ganador fue Ralph Dawson por El sueño de una noche de verano. 

National Board of Review la premiço como la Mejor película 1935 al igual que el Círculo de críticos de Nueva York que aparte del premio a la Mejor película, consideró el premio al mejor director. Inicialmente un fracaso de taquilla, la película ganó millones cuando fue relanzada después de sus múltiples victorias en los Premios de la Academia.  

En cuanto a la crítica Graham Greene que publicaba entonces en The Spectator la elogió la película como "una película memorable" cuya sustancia constituía "un material excelente para la pantalla". Greene destacó la actuación de Victor McLaglen, un actor que fue militar británico durante la I Guerra Mundial en la Campaña de Mesopotamia y boxeador profesional que aspiró al título mundial contra Jack Johnson por el campeonato mundial de pesos pesados, y señaló que "nunca había hecho una actuación más capaz". 

Otro escritor, Jorge Luis Borges dijo de ella que "Entiendo que el objeto perseguido es la verosimilitud, pero los directores suelen olvidar que las muchas justificaciones son contraproducentes. La realidad no es vaga, pero sí nuestra percepción general de realidad". 

Era de las películas favoritas del actor Walter Matthau y de los directores Samuel Fuller y Sam Peckinpah. Para este último, es la que más le interesaba de entre todas las que había rodado John Ford, siendo su primer gran clásico, aunque aquel consideraba que el mejor Ford fue el de sus inicios.

En el blog de Cinepatico se señala como Ford en esta película no incluye "un atisbo de su habitual y socarrón humor, para contarnos de una forma sombría y amarga, rozando estilisticamente el expresionismo alemán, una historia sobre la debilidad de humana. Victor McLaglen compone un personaje memorable". 

Fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine en 2018, por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".

Se trata de un buen título para conocer las primeras obras sonoras, su pasión irlandesa ya especialmente conocida en El hombre tranquilo, precisamente de un hombre que decía llamarse John Ford y que hacía western , pero que también afirmaba que "No hago películas para hacer obras de arte. Ruedo películas para poder pagar las facturas".

Revisión de los seis relatos salvajes

 

He vuelto a ver esta genialidad de Damián Szifron integrada por seis relatos independientes con el común denominador de ser una historias sorprendentes y brutales. Salvajes, en definitiva. Lo son tanto que la película la tengo que ver en clave de comedia genial. 

Cuenta con unos brillantes diálogos, asombrosos por momentos y por las actuaciones impresionantes gran parte de lo más granado de actores y actrices argentinas, aunque en la producción está la almodovariana El Deseo, entre los que están Ricardo Darín, Darío Grandinetti, Oscar Martínez, Érica Rivas, Julieta Zylberberg y Rita Cortese junto a Leonardo Sbaraglia que asumen el papel de personajes que pierden el control y que acaban en el abismo personal, social, en la venganza justiciaera, en el soborno,... pero nosotros en la gloria. Una obra grande, negra, impecable, magistral que roza la perfección, de necesaria visión. Pero ¡¡¡ qué grandes son los Relatos Salvajes !!!