La Viuda negra

Aposté por ver esta película , en su 90 aniversario, por ser una de las primeras que hizo la actriz Betty Gable, todo un icono sexual sobre todo, el sueño de los chicos norteamericanos que participaron en la Segunda Guerra Mundial, y que en esta película únicamente contaba con diecinueve años. 

El director de la misma es George Stevens que en ese momento en que ya tenía una sólida reputación como director de actrices y de películas de comedia. 

Viendo la película es descubierto que también la película realmente era el vehículo de la pareja formada por Wheeler y Woolsey , un dúo de comediantes de vodevil estadounidenses que actuaron juntos en películas de comedia a finales de la década de 1920, y que aquí son los propietarios de un negocio, lo que le sirve a uno para conquistar a la chica y al otro para desarrollar sus absurdo inventos entre ellos una máquina de la verdad. 

Bert Wheeler (1895-1968) de Nueva Jersey y Robert Woolsey (1888-1938) de Illinois eran toda unas estrellas del mundo del espectáculo en los años veinte y treinta. Hoy viven en el pasado y gracias a películas como esta descubrimos a unos actores de teatro de Broadway que se unieron inicialmente como relevo cómico para el musical de Broadway de 1927 Río Rita , y llegaron a Hollywood para repetir estos papeles para la versión cinematográfica . 

El éxito de la película los convenció de convertirse en un equipo permanente, y continuaron haciendo largometrajes de comedia muy populares desde 1930 hasta 1937, todos para RKO Radio Pictures , excepto el estreno de Columbia Pictures de 1933 So This Is Africa (que se realizó durante una disputa contractual con RKO).

El más joven del dúo, Bert Wheeler, de pelo rizado, interpretaba a un inocente siempre sonriente, que se dejaba llevar fácilmente y no era muy brillante, pero que a veces también mostraba una vena obstinada de conciencia. Robert Woolsey, con gafas, interpretaba a un hombre de ideas de mirada lasciva, fumador de puros y de habla rápida que a menudo metía a la pareja en problemas. La vivaz Dorothy Lee solía interpretar el interés romántico de Wheeler .

Las películas de Wheeler y Woolsey están repletas de diálogos de chistes, canciones originales, juegos de palabras y, a veces, gags picantes de doble sentido :

Mujer (señalando tímidamente sus piernas): ¿Estabas mirando esto?

Woolsey: Señora, estoy por encima de eso.

Woolsey (preocupado por una mujer noble): Es probable que nos decapite.

Wheeler: ¡¿Decapitada?! ¿Puede hacer eso?

Woolsey: Claro, ella puede ser decapitada. (es decir, "ella puede ser poseída").

Vamp : ¡Cántame!

Wheeler: ¿Qué tal " Una hora contigo "?

Vamp: ¡Claro! ¡Pero primero, cántame!

Estos gags de doble sentido eran un sello distintivo de las primeras comedias de Wheeler y Woolsey, aunque fueron severamente restringidos después de la reconstitución del Código de Producción en 1934.

Vestirse de drag y otras formas de inversión de género también eran elementos básicos de sus películas. En esta que es del año 1935 no se ve, pero si juega con los elementos propios de la comedia loca y disparata, con puertas que se abren y cierran, por las que entran asesinos, criminales, la propia pareja, policías atontados y negros que parecen casi adictos al juego. En fin...

En 1931 Wheeler & Woolsey eran tan populares que la RKO intentó generar el doble de ingresos que Wheeler & Woolsey haciendo dos películas en solitario: una con Wheeler ( Too Many Cooks ) y otra con Woolsey ( Everything's Rosie ). Este experimento fracasó y volvieron a actuar como equipo. 

Entre las películas del equipo se encuentran The Cuckoos (basada en el espectáculo de Broadway de Clark y McCullough The Ramblers ), Caught Plastered , Peach O'Reno , Diplomaniacs y Hips Hips Hooray and Cockeyed Cavaliers (ambas de 1934, ambas coprotagonizadas por Thelma Todd y Dorothy Lee, y ambas dirigidas por Mark Sandrich justo antes de que fuera ascendido a los musicales de Fred Astaire y Ginger Rogers ). 

Sandrich fue reemplazado por George Stevens a partir de 1934 y ya en sus películas del año siguiente aparece como director titular. 

En 1935 el trío formado por el dúo Wheeler & Woolsey y la sensual Betty Cable rodó The Nitwits, que en España se llamó La Viuda negra y en la que también están Fred Keating , Betty Grable , Evelyn Brent y Erik Rhodes . Wheeler aparece como Johnny , mientras que Robert Woolsey lo hace como Newton y Fred Keating como William Darrell. Junto a ellos están Betty Grable como Mary Roberts , Evelyn Brent como Alice Lake , Erik Rhodes como George Clark, Hale Hamilton como Winfield Lake y  Charles C. Wilson como el capitán de policía Jennings. Junto a ellos están acreditados Arthur Aylesworth como Lurch , Willie Best como Sleepy  y Lew Kelly como J. Gabriel Hazel 

The Nitwits es una película de comedia dirigida por George Stevens a partir de un guion escrito por Fred Guiol y Al Boasberg , basado en una historia de Stuart Palmer . 

La película fue producida por Lee Marcus para la RKO Radio Pictures y contó con la fotografía de Edward Cronjager, el montaje de John  Lockert y , especialmente, la música de Roy Webb 

Los dependientes y propietarios de un puesto de cigarros, Johnny y Newton, trabajan en la planta baja de una estación de radio que es lo primero que vemos en la película. Allí se canta en directo y se graban múltiples discos a un ritmo frenético. 

Se tratan de Johnny (Bert Wheeler), que quiere ser compositor de canciones, y Newt (Robert Woolsey), inventor, viven en el edificio donde está ubicada la discorgráfica Lake, propiedad de Winfield Lake. El edificio es el Lake Building, un edificio donde el editor musical Wingfield Lake (Hale Hamilton) tiene su despacho. 

La secretaria de Lake es Mary (Betty Grable), el amor entre platónico y real de Johnny. Johnny , a su vez intenta conquistar a Mary Roberts ( Betty Gable), la secretaria de Lake, que además tiene que soportar para su desgracia las embestidas y aproximaciones de Wingfields, su jefe. 

Mientras Newton se dedica a desarrollar extraños inventos entre ellos una máquina que funciona como una máquina de la verdad. 

El empresario Lake se ha creado en numerosos enemigos entre ellos su ayudante Lurch (Arthur Aykrswirth) ya un disgustado compositor llamado George Clark (Erik Rhodes) , al que no le paga sus derechos de autor.  También la esposa de Lake, Alice (Evelyn Brent) , tiene motivos para el enfado, pues sorprendió a su marido en una actitud sospechosa con Mary. 

Cuando Lake es asesinado, nadie duda de la Viuda negra como responsable del crimen, la sospechas recaen sobre Mary, la última persona que vio a Lake, con vida. 

Por su parte, el detective Fred Kestong ( William Darrell) investiga el caso. Sin embargo Johnny cree en la inocencia de su chica que ha sido encarcelada como responsable del asesinato e intentará descubrir la verdad. 

Por otro lado el último invento de Newt es una silla eléctrica que obliga a quien la use a decir la verdad. Entre tanto, un misterioso hombre con fama de asesino y chantajista se está convirtiendo en un peligro para mucha gente... y podría ser cualquier persona.  

Ambos se entretienen jugando a descubrir la verdadera identidad de un chantajista conocido como La Viuda Negra, que ha estado presionando a Lake. 

Dirigido por George Stevens la película contó con el guión de Fred Guiol y Al Boasberg partiendo de una historia de Stuart Palmer.

La película se estrenó en junio de 1935 El título original de la película era Mellodicks, lo que Lee Marcus, el productor, encontró inapropiado. Ofreció 50 dólares a cualquier empleado de RKO que pudiera pensar en un título mejor. Si bien recibió numerosas sugerencias, finalmente se decidió por el título final de la película, que había sido un título genérico en el lote de RKO durante años. The Nitwits que significa Los tontos.  

Después de que Stevens abandonara la serie, el equipo empezó a tambalearse. En algunas de estas películas posteriores, Bert y Bob ni siquiera aparecen como equipo, sino como desconocidos que se encuentran por casualidad. 

La salud de Woolsey se deterioró en 1936 y, tras luchar por terminar High Flyers en 1937, ya no pudo trabajar; murió de una enfermedad renal el 31 de octubre de 1938, lo que puso fin a la asociación. 

A principios de la década de 1940, después de la muerte de Woolsey, Wheeler luchó por reiniciar su carrera y le pidió a Dorothy Lee que lo acompañara en una gira de vodevil . Ella aceptó ayudar a su viejo amigo.  

En 1945, Wheeler actuó brevemente junto a Jackie Gleason en Slapsy Maxie's, y más tarde aparecería en el programa de televisión Cavalcade of Stars de Gleason. En 1955, Wheeler coprotagonizó con Keith Larsen la serie de vaqueros de CBS Brave Eagle . 

Wheeler continuó trabajando de forma intermitente durante la década de 1960.Sus últimas apariciones fueron principalmente en televisión ; sus últimas películas para cine fueron dos cortos de comedia física para Columbia Pictures, filmados en 1950 y producidos por Jules White . 

Wheeler también protagonizó junto a John Raitt y Anne Jeffreys el musical de Broadway Three Wishes for Jamie en 1952, y continuó actuando en teatros de verano y en clubes nocturnos, ya sea solo o con un compañero (primero el escritor y comediante Hank Ladd, más tarde el comediante y cantante Tom Dillon). El dúo, aunque hoy en gran medida olvidado, estuvo en la cima de su carrera en la década de 1930.

Sueños de juventud

"Un dólar por tu pensamiento". Esta es una de las frases míticas que el cine repetirá en más de una y dos ocasiones. Esta frase -lo desconocía- procede de la conversación entre Alice Adams y Arthur que son los dos grandes protagonistas de esta historia interpretada por Katherine Hepburn y Fred MacMurray, en uno de sus primeros papeles, en los que iba - como anillo al dedo- de galán. Más tarde, se recicló en actor para el cine negro, para comedias, incluso de Disney, o western en los que la justicia estaba en cuestión.

Esto lo he visto en la película Alice Adams, también conocida como Sueños de juventud, un filme más  romántico que dramático del año 1935 hecha por RKO y protagonizada por la gloria del venemo para las taquillas, Katharine Hepburn. Fue dirigida por George Stevens y producida por Pandro S. Berman. El guion fue escrito por Dorothy Yost, Mortimer Offner y Jane Murfin que adaptaron la novela Alice Adams de Booth Tarkington. La banda sonora corrió a cargo de Max Steiner y Roy Webb, y la fotografía de Robert De Grasse. El montaje fue labor de Jane Loring yel vestuario de Walter Plunkett.   

La historia se inicia conociendo a una chica que quiere ir a un baile y que rápidamente descubrimos carece de posibles, pues no es capaz de comprar ni un ramo de flores en una floristería y acaba robando violetas de un parque público. Se trata de una chica de una familia de clase humilde, cuyo padre e hijo están satisfechos con su "modus vivendi" y se conforman con trabajar en una tienda; en cambio, la madre y la hija no dejan de urdir toda clase de estratagemas para intentar subir socialmente. 

Lo cierto es que el señor Adam ( Fred Stone) es un modesto empleado del pueblo de South Renford, que vive por y para su encantadora hija Alice, una chica de belleza delicada, que llena de ambición tiene el temor de que la reconozcan en sociedad, pero es simplemente tolerada por sus amigos más ricos. 

Cuando la hija conoce en el baile de la alta sociedad celebrado en la mansión de la millonaria familia Palmer, en la que Mildred Palmer invita a todo quien tiene protagonismo en la ciudad, al hombre de sus sueños, Arthur Russell ( Fred Mac Murray) , un chico joven y atractivo, un galán,  al que se disputan todas las mujeres de la localidad. Ante él, Alice se pone nerviosa, sobreactúa y juega a ser otra persona.  

Entre los dos jóvenes nace una corriente de simpatía y atracción, pero Alice siente ante él un gran complejo de inferioridad. Su única salida es introducirse de igual a igual la alta burguesía de la pequeña ciudad que cumple su setenta aniversario, cosa que espera conseguir gracias a la explotación de una nueva fórmula de pegamento descubierta por su padre y un amigo suyo. 

Es por esa razón por la que la madre  de la chica ( Ann Shoemaker) arrastra al padre hacia un peligroso negocio, y planea impresionar al chico con una cena. Además, la madre deseosa de que su hija haga una buena boda convence a su marido de que deje su trabajo en la fábrica de pegamento y monte su propio negocio. 

La noche de Alice - su gran noche- llega cuando Arthur viene a cenar pero todo es un desastre. Alex se ha convertido su vida en una ficción y el resto de su familia sigue la comedia. 

La cena servida por Malena, la chica que hace esa noche de criada, ( la enorme Hattie Mac Daniel) - es un auténtico desastre. La noche es calurosa, la comida inapropiada, y la actuación de los Adams en su conjunto un despropopósito. 

Pero lo peor está por llegar , puesto que , al final de la cena, surgen nuevas complicaciones cuando su hermano Walter ( Frank Albert son) llega a la casa, pide hablar con su padre, y admite haber robado al señor Lamb  (Charley Grapewin), su jefe y le pide a su padre que lo encubra. 

Más tarde tras una encendida a discusión el señor Lamb acepta formar una sociedad con los Addams para fabricar el nuevo pegamento. 

La intervención de Alice es providencial para salvar la situación, y muy a su pesar la conversación es escuchada por Arthur que no tiene ninguna duda de que Alice es la mujer de su vida. 

Con esta película Katherine Hepburn es presentada como una heroína femenina conmovedora, agradable, reflexiva y perfectamente verosímil,  que le valió una segunda nominación al Óscar - era su octava edición- en esta película que tiene mucho más carga de drama que de comedia. 

La actriz capta toda la soledad y aflicción del personaje. La RKO dio esta película un tratamiento de producción de tipo A. Además del reconocimiento que tuvo el trabajo de la actriz el filme también fue alto al ser nominado al Oscar como la mejor película de aquel año 1935, pero también a la mejor actriz. Pero aquel Oscar a la mejor actriz no se lo llevó Katherine sino Bette Davis, que siempre reconocerá que aquel año el Óscar era de la Hepburn.  Bette Davis  ganó por Dangerous. 

El Círculo de Críticos de Nueva York la nominó a la Hepburn como mejor actriz (Katherine Hepburn) y la National Board of Review (NBR) la incluyó como los  10 mejores films de aquel año de 1935.

George Stevens logra con la película una satisfactoria comedia en la que abunda la ternura, los buenos propósitos, el entendimiento humano como se refleja en el discurso de Virgil, el padre, cuando casi al final le dice a su hija ”Es muy curioso que pasen estas cosas (...): resulta que en un momento todo el universo se te viene encima. No hay salida alguna. No tienes esperanzas. Y luego, de repente aparece algo con lo que nunca habías contado. Y todo se resuelve al fin, felizmente.”Así es el cine.

El diablo es una mujer

Que la Segunda República Española era un poco picajosa en temas de cine, no lo puede discutir nadie. Esta actitud nacionalista y nada liberal lo sufrieron tanto a Buñuel con su Tierra sin pan, su mítico documental sobre Las Hurdes, como la mítica Paramount, que por una película estuvo a punto de ver sus producciones vetada en el mercado nacional. La razón no era otra que la de presentar lo que eramos, un país atrasado, cañí, con exiliados, con gitanas que baílan en los trenes a las primeras de cambio, con folkloricas que cantan en tabernas llenas de hombres ardiantes, con un carnaval que aterrorizaba a las autoridades por los crímenes y tropelías que se podías cometer, por toreros, por celestinas amantes de la codicia, con manolos que te matan con la mirada, pero sobre todo con fuerzas de orden público y militares a veces sin cabeza, a veces sin escrúpulos. Esa visión que podía tener su fundamento o no llevó a las autoridades republicanas a vetar algunas películas e incluso a pedir su destrucción. 

Y eso fue lo que le paso a The devil is a woman una película, la última, surgida de la colaboración entre dos genios, uno de la dirección, Josef von Sternberg, y otra de la interpretación, Marlene Dietrich, a la que descubrió en una de las primeras películas habladas del cine sonoro europeo, El ángel azul.

De esa relación entre ambos, posiblemente interesada, pero sobre interesante surgieron, cuando ambos acabaron en Hollywood, cinco grandes títulos siendo el último El diablo es una mujer , historia que se desarrolla en la España de inicios de siglo, y que fue adaptada al cine por John Doss Passos. 

*EC: En construcción

La tragedia del Bounty

Historia de aventuras llevada al cine en múltiples ocasiones. Un hecho real, mitificado, ocurrido en la primavera de 1789, cuando la Revolución Francesa, calentaba motores, en el Pacífico se vivía otra revuelta contar la autoridad. Una historia que llega hasta hoy, pues los descendientes de los amotinados con sus consortes tahitianas viven hoy en las Pitcairn.  

Una historia real con dos grandes protagonistas. Por un lado, Fletcher Christian el ayudante de maestre , y, por otro, el capitán del Bounty, el teniente William Bligh. El primero y sus partidarios tras amotinarse dejaron a la deriva a bordo de un bote con pocas provisiones junto con otros dieciocho marineros leales. Los amotinados se establecieron en Tahití o en las islas Pitcairn, mientras que Bligh conseguía realizar un viaje de más de 6500 km hasta encontrar tierra, comenzando entonces un proceso para que los amotinados comparecieran ante la justicia. La historia de esta desavenencia comienza cuando el Teniente del navío HMS Bounty de la Marina Real británica con el fin de recoger y transportar árboles del pan desde Tahití hasta las Indias Occidentales impone disciplina con mano dura. 

Tras cinco meses de actividad cumpliendo con las órdenes y combinando la actividad con el descanso en las paradisiacas islas de Tahití, la relación de Bligh con su tripulación fue empeorando a medida que este imponía castigos cada vez más severos y aumentaba sus críticas y abusos. Esto llevó a Christian a organizar con éxito un motín contra el capitán unas tres semanas después de que el navío dejase Tahití. Bligh logró regresar a Gran Bretaña en abril de 1790, y el Almirantazgo británico envió al HMS Pandora para prender a los amotinados. 

Catorce fueron capturados en Tahití y aprisionados en el navío, que entonces procedió a buscar (sin éxito) a Christian y al resto de los hombres que se habían escondido en las Pitcairn. El Pandora encalló en la Gran Barrera de Coral en el camino de vuelta, perdiendo a 31 tripulantes y cuatro prisioneros del Bounty. Los diez restantes llegaron a Gran Bretaña en junio de 1792 y fueron juzgados en un consejo de guerra; cuatro fueron absueltos, tres indultados y tres ahorcados. 

El grupo de Christian permaneció sin ser descubierto hasta 1808, fecha en que solo uno de los amotinados, John Adams, seguía vivo. Casi todos los demás hombres, incluido Christian, se habían matado entre ellos o habían muerto a manos de los rehenes polinesios. No se tomó ninguna acción contra Adams. 

Esta historia, como ya he dicho, fue llevada al cine en varias ocasiones. Yo he visto en sus tres últimas versiones de las cinco realizadas.

La primera, de 1916, titulada The Mutiny of the Bounty, fue una película muda australiana, posteriormente desaparecida. 

La segunda, de 1933, también de producción australiana, se tituló In the Wake of the Bounty y vio el debut en pantalla de Errol Flynn en el papel de Christian. 

Tras esta llegó la versión que he visto en el día de hoy, la de 1935, de la Metro-Goldwyn-Mayer titulada Mutiny on the Bounty, basada en la novela homónima de Charles Nordhoff y James Norman Hall, con Charles Laughton y Clark Gable como Bligh y Christian. La historia del film se presentó, según Dening, como «el clásico conflicto entre la tiranía y una causa justa»; De hecho el retrato del Capitán Bligh protagonizado por Laughton quedó en la retina colectiva, «un sinónimo de tiranía sádica». 

Las dos películas siguientes fueron Mutiny on the Bounty (1962) con Trevor Howard y Marlon Brando, vista no hace tanto, y The Bounty (1984) con Anthony Hopkins y Mel Gibson, que perpetuó la imagen de Bligh y la de Christian como un héroe trágico.

*EC: En construcción

Una noche en la ópera

Mientras el mundo se encaminaba hacia una guerra, los norteamericanos que habían salido de una crisis, se partían de risa con el humor absurdo de sus más inteligentes representantes, los Hermanos Marx. Genial historia las que nos presentan envuelta en un espectáculo operístico.

*EC: En construcción

El delator

 

Era verano. Estaba en Flagstatt (Arizona) la mayor ciudad que hay en el condado de Coconino en una gasolinera de la ruta 66 con la rueda reventada por haber dado en golpe a un bordillo. La gasolinera la atendía una nativa americana, supongo que navajo. Esperábamos a una grua. En la espera , yo estaba fuera, a la espera me ocurrió una cosa curiosa. En un momento dado me abordó una chica y me preguntó con mucho interés si era irlandés. Le dije que no, que era español. Vi como quedaba decepcionada. Lo cierto que un detalle la llevó al error, llevaba yo una camiseta de color gris con letras en gaélico escrito en color verde. Sospecho que la chica era de origen irlandés y le hacía ilusión hablar con uno en aquel espacio urbano en las afueras de la ciudad de Arizona. 

Eso confirmaba mi teoría. No hay irlandés o descendiente de irlandeses que no se sienta orgulloso de su tierra, que se vincule a ella en tierra y alma. John Feeney, un ciudadano estadounidense nacido en Cape Elizabeth en el estado de Maine, hijo de John Augustine Feeney y Barbara "Abbey" Curran, que habían nacido respectivamente a mediados del siglo XIX en Spiddal , un ciudad de Condado de Galway y en la ciudad de Kilronan en la isla de Inishmore (Inis Mór), la mayor de las Islas Aran, en la desembocadura de en la Bahía de Galway. Irlanda era  una tierra que imprime carácter e identidad. 

Uno y otra emigraron desde el oeste de la isla y llegaron a Boston y la Portland de Maine. Ya como pareja la familia de John Augustine Feeney se instaló en Sheridan Street, en el vecindario irlandés de Munjoy Hill en Portland, Maine, junto a muchos paisanos. 

Como ellos se buscaron la vida en múltiples trabajos ocasionales para mantener a su extensa familia formada por 11 hijos. El cuarto de ellos fue llamado Francis Ford, aunque para algunos será Martin "Jack" Feeney - pero también podía responder al nombre de Sean Aloysius o por el apellido O'Feeny u O'Fearna. 

Este hombre inteligente, erudito, sensible y sentimental, que había crecido con sus 11 hermanos a los que idolatraba, en un mundo agitado en el que había boxeadores, bebedores y peones , optó para protegerse de la atmósfera de Hollywood por cultivar la imagen de un "hijo de puta irlandés duro, tacaño y bebedor". Ese señor fue el mismo que dijo “Me llamo John Ford y hago westerns” . No sólo hará western pues sabemos que a lo largo su muy dilatada trayectoria hizo filmes sobre perdedores, sobre la pobreza y por supuesto de Irlanda y los irlandeses. Una de estas películas fue El delator o The Informer fue el primer gran clásico de John Ford .

La película partía de un guion escrito por Dudley Nichols en 6 días, pero está basado en la novela homónima de su primo irlandés Liam O'Flaherty, quien participó activamente en la lucha por la independencia de Irlanda y en la revuelta de 1922. 

La película es una producción en la que están implicados John Ford y Cliff Reid por medio de la productora RKO Pictures  y contó con un presupuesto de $ 243,000.

En cuanto a los técnicos en la música estará Max Steiner, mientras que en la fotografía en un magnífico blanco y negro será responsabilidad de Joseph H. August. Responsable del sonido fue Hugh McDowell Jr. . El montaje recayó en George Hively  y el vestuario de Walter Plunkett.

El reparto lo encabeza Victor McLaglen como "Gypo" Nolan , Heather Angel como Mary McPhillip , Preston Foster como Dan Gallagher , Margot Grahame como Katie Madden,  Wallace Ford como Frankie McPhillip, Una O'Connor como Mrs McPhillip,  JM Kerrigan como Terry , Joe Sawyer como Bartly Mulholland , Neil Fitzgerald como Tommy Connor , Donald Meek como Peter Mulligan , D'Arcy Corrigan como El ciego , Leo McCabe como Donahue , Steve Pendleton como Dennis Daly , Francis Ford como "juez" Flynn , May Boley como Madame Betty .

La película comienza mostrándonos el contexto de la revuelta dublinesa de 1922 y con la descripción de las 30 monedas que finalmente tiró Judas tras vender a Jesús.  Estamos en un agitado Dublín  y por sus calles vagabundea Gypo Nolan (Victor McLaglen ), un hombre fuerte, pero en paro, sin oficio definida ni beneficio, expulsado del Ejército de Liberación Irlandés por uno de los jefes locales Dan Gallagher (Preston Foster) al no haber cumplido la orden de ejecutar a un coloborador de los ingleses (Black and Tan) que mató a un hombre del IRA y que había sido condenado por la organización. A eso se suma que lleva tiempo separado hace tiempo de su mejor amigo Frankie McPhillip (Wallace Ford) que lleva tiempo en busca y captura por el que dan una recompensa de 20 libras esterlinas si alguién delata su paradero o lo entrega vivo o muerte, como vemos en un cartel.

La idea le ronda la cabeza , pero más aún cuando se encuentra con su novia Katie que al igual que él está en la indigencia más absoluta, tanto es así que se ha lanzado a la calle para intentar vender su cuerpo a los pocos clientes que se lo pueden permitir.

Tras discutir con ella y agreder a un tipo que se le ha acercado se fija que el pasaje para ir a Estados Unidos y tener un mejor futuro cuesta 10 libras , 20 pues su intención es  es viajar en compañía de su novia, Katie Madden ( Margot Grahame ). 

Katie se lamenta de que no tiene £ 10 para el pasaje a Estados Unidos para comenzar de nuevo. Gypo, tras esto, decide convertirse en informante por la recompensa de £ 20, suficiente para el pasaje a América para ambos. 

Tras ir a un comedor social se encuentra con Frankie que le pregunta si sabe si la casa de su madre está libre de vigilancia y Gypo le comenta que hace tiempo que la vigilancia ha desaparecido. Frankie le dice que quiere ir a su casa, pues la echa en falta tanto a ella como a su hermana y está cansado de esconderse durante seis meses.

Se dirige a casa para visitar a su madre ( Una O'Connor ) y a su hermana Mary ( Heather Angel ) al amparo de la noche brumosa. 

Animado por la recompensa que ofrecen las autoridades, Gypo delata el paradero del activista Frankie McPhillip, su viejo amigo y compañero y recibe una recompensa de £ 20 por su cabeza. 

Las fuerzas lealistas que están con los británios, los Black and Tans, encuentran a Frankie en su casa, y Frankie muere en el tiroteo que siguió. 

Los británicos le dan a Gypo su dinero de sangre con desprecio y lo dejan ir. Nada más salir Gypo se encuentra con un ciego (D'Arcy Corrigan ) al que entrega una libra.

Gypo posteriormente compra una botella de whisky y le dice a Katie que obtuvo dinero golpeando a un marinero estadounidense en un callejos aprovechando que es una noche de niebla. Cuando se va a subir a un carro para ir a casa, junto a Katie, descubre que es evidente que tiene que ir al velatorio de su amigo Frankie, ya que si no va pensarían que el tienen algo que ver con su muerte.

Nada más llegar ve que la casa está llena de vecinos, amigos e integrantes del IRA. Cuando ve a la madre y hermana de Frankie se pone a llorar y a lamentar en alto su muerte. Mientras actúa de forma llamativa se le cean algunas monedas del bolsillo. Casi de inmediato Gypo habla de la existencia de un delator, pero los hombres allí presentes no sospechan que Gypo sea el informante.

Pero tras salir es invitado a encontrarse con Dan Gallagher por varios de sus antiguos compañeros del IRA como Terry ( JM Kerrigan ) y Tommy Connor  ( Neil Fitzgerald). En una entrevista entre ellos le preguntan, siendo amigo de Frankie, de  quién sospecha sobre el que informó sobre Frankie. Gypo afirma que era un hombre insignificante simpatizante con la causa y que trabaja como sastre llamado Mulligan ( Donald Meek ) ha sido el delator. Aunque Gypo ya está borracho ya que no ha parado de beber desde que llegó a la reunión y no para de decir tonterías, los demás comienzan a sospechar de él, pero todavía no tienen pruebas suficientes. 

Gypo se va y se dirige a un bar de fish & chips e invita a todos los clientes del bar con un par de libras, pero la gente del IRA que lo sigue se pregunta cómo es posible que ahora un muerto de hambre como Gypo tenga tanto efectivo e invite a tanta gente.

Mientras tanto, Mary la hermana de Frankie le dice a su novio, Dan Gallagher, dirigente del IRA que la única persona con la que Frankie habló ese día fue Gypo. En ese momento los hombres del IRA deciden llevar a cabo una investigación sobre la muerte. 

Mientras tanto Gypo sigue de farras con un conocido tan borracho como él Bartly Mulholland (Joe Sawyer) que lo lleva a una fiesta en la que le dice que está Katie. No es cierto. Se trata de una fiesta de personas algo más pudientes que ellos, pero igual de miserables. Allí cree ver a Katie, pero no lo es. Se emborracha y paga distintas rondas de bebidas, incluso le paga el pasaje y la deuda que tiene la chica que se parece a Katie con su miserable casera.

La fiesta acaba cuando Gypo es llamado por sus antiguos camaradas del IRA pues habían acordado realizar un juicio para dilucidar quién había delatado a Frankie. Cuando llega ve que hay un tribunal en el que están el ciego, Dan y el "juez" Flynn (Francis Ford). Igualmente está Mary, la hermana de Frankie así como gran parte de los integrantes del IRA. En un taburete para ser interrogado está Mulligan .

El juicio comienza y se ve que Mulligan es inocente siendo Gypo el principal encausado. donde interrogan a Mulligan y Gypo que lo acusa torpemente una vez más. Sin embargo, los camaradas no le creen a Gypo y dan una explicación detallada de dónde gastó toda su recompensa de £ 20. 

Gypo luego confiesa ante Mary que está presente haber delatado a Frankie. . Lo llevan a una sala del "tribunal" . Gypo está encerrado, pero antes de que lo ejecuten , tras sortear a quién le toca, escapa por un agujero en el techo. Corre al apartamento de Katie, donde le dice que informó sobre Frankie. 

Katie va a ver al comisionado que presidió el juicio, que no es otro que su antiguo jefe Dan Gallagher ( Preston Foster), para rogarle que dejara a Gypo en paz ya que ella, su hambre, el deseo de buscar una nueva vida en Estados Unidos es la responsable de todo. El rígido Gallagher dice que no puede hacer nada, y que Gypo podría entregar toda la organización a la policía si se le permite vivir. 

Mientras otros miembros del IRA, habiendo escuchado a Katie, van a su apartamento y disparan a Gypo, para horror de Katie al escuchar los disparos. 

Gypo, aunque acaba con un par de ellos, es finalmente alcanzado cuando ya está en la calle. Herido de muerte entra en una iglesia donde se encuentra la madre de Frankie rezando y le pide perdón mientras se confiesa. Ella lo perdona, diciéndole que no sabía lo que estaba haciendo, y una vez absuelto Gypo muere contento cayendo al suelo de la iglesia después de llamar a Frankie con alegría diciendo "Frankie, Frankie, tu madre me ha perdonado", acabando así la película. 

La película fue rodada en apenas 3 semanas, en 17 días. El rodaje estuvo marcado por la relación entre John Ford y Victor McLaglen. El director mantuvo siempre al actor fuera del set , emborrachándolo, cambiando sus horarios, abusando verbalmente de él dentro y fuera del set y filmando escenas cuando le había dicho a McLaglen que solo estaban ensayando. Para la escena crucial de la corte rebelde. La historia cuenta que a Ford que el actor estuviese tembloroso y que se presentara como un giñapo desastroso. Así que le prometió de antes de rodar esa escena como un día libre. esa noche salieron para beber divertirse y le dijo que no se preocupase por sus líneas. 

A la mañana siguiente lo llevó al estudio temprano y con mucha resaca, insistiendo en que escupiera sus líneas. McLaglen estaba tan furioso con Ford por esto que amenazó con dejar de actuar y matar al director. A John Ford le preocupaba que la escena en la que el "rey" borracho Gypo entrara en el burdel para buscar a Katie no pasara la censura. Al estudio se le ocurrió la idea de "ponerles sombreros a los gatos", es decir, hacer que todas las prostitutas usen sombreros dentro, disuadiendo así a la junta de censura de pensar que eran prostitutas. 

El delator es una historia circular, un relato oscuro que se desarrolla entre la niebla y el hambre que vive en el Dublín de 1922. Su protagonista, Gypo Nolan, definido por su novia Katie como un "pobre hombre ciego", acabará viendo destapada su mentira por otro ciego. 

RKO tenía serias dudas sobre el proyecto, dado el tema deprimente y el patético personaje principal. Sin embargo, tras el éxito de La patrulla perdida (1934) de John Ford, el estudio acordó aumentar el presupuesto, siempre que no costara más de 250.000 dólares. Ford tuvo que renunciar a su propio salario para asegurarse de que la película cumpliera con esa restricción presupuestaria. Llegó a 243.000 dólares.

Ford apuesta por tomar partido por el IRA ante la realidad política en la isla ("un traidor puede destruir un ejército") y el catolicismo ("para un delator es fácil jurar en nombre de Dios", "te digo que es el diablo"), realizando una metáfora por la cual un rebelde irlandés es el Mesías de la nación oprimida, y su amigo Gypo es el reflejo del famoso traidor bíblico algo que sabemos que a Ford le tocaba el corazón. 

El director recurre a objetos comunes para convertirlos en símbolos que marcan el curso de la película como veremos años después en El fugitivo al igual que música y canciones populares irlandesas tan del gusto del director . Igualmente, junto a ese discurso ideológico, proirlandes del director, hay un escenario bien conseguido, el de una noche oscura y nebulosa, que intenta ocultar la miseria y la situación. 

La película todavía tiene elementos propios del cine silente en el que tanto trabajó el director como las sobreimpresiones del  cartel de la recompensa, las sobreactuaciones en algunas reacciones del propio Victor McLaglen y de otros compañeros de reparto. 

De cualquier manera su descenso a los infiernos es memorable y su conversión en un alcoholizado Judas desoreintado y casi sin cabeza que busca el perdón a gritos, muy meritoria. La banda sonora de Max Steiner, grandiosa. 

De cualquier manera en ella Ford consigue mostrar el drama de una población hambrienta, en lucha, y logra crear una gran ambientación de espacios oscuras apenas iluminados casi expresionistas en su concepción - Ford era un gran admirador de Amanecer (1927 ) de Murnau- o esa escaleras que llevan al protagonista literalmente a su juicio y a una mazmorra  que no dejan de ser claustrobóficos

La película obtuvo éxito de público y de taquilla con $ 950,000 y recompensa en los premios Oscars de 1936. Mientras que en año anterior  la triunfadora fue un musical Una noche de amor de la Columbia Pictures con dirección de Victor Schertzinger y que contaba con el guion de S.K. Lauren y James Gow, basado en una historia titulada "Don't Fall In Love", de Dorothy Speare y Charles Beahan, en 1935 la triunfadora fue la película de Ford al ganar 4 premios Óscar en 1936 como el Mejor actor (Victor McLaglen), mejor dirección (John Ford), al mejor guion (Dudley Nichols) - pero lo rechazó debido a desacuerdos sindicales siendo la primera vez que se rechazó un Oscar, aunque lo reclamó tres años después- y a la mejor música para Max Steiner. 

La película fue nominada a Producción sobresaliente siendo George Hively nominado a la Mejor Edición de Película aunque el ganador fue Ralph Dawson por El sueño de una noche de verano. 

National Board of Review la premiço como la Mejor película 1935 al igual que el Círculo de críticos de Nueva York que aparte del premio a la Mejor película, consideró el premio al mejor director. Inicialmente un fracaso de taquilla, la película ganó millones cuando fue relanzada después de sus múltiples victorias en los Premios de la Academia.  

En cuanto a la crítica Graham Greene que publicaba entonces en The Spectator la elogió la película como "una película memorable" cuya sustancia constituía "un material excelente para la pantalla". Greene destacó la actuación de Victor McLaglen, un actor que fue militar británico durante la I Guerra Mundial en la Campaña de Mesopotamia y boxeador profesional que aspiró al título mundial contra Jack Johnson por el campeonato mundial de pesos pesados, y señaló que "nunca había hecho una actuación más capaz". 

Otro escritor, Jorge Luis Borges dijo de ella que "Entiendo que el objeto perseguido es la verosimilitud, pero los directores suelen olvidar que las muchas justificaciones son contraproducentes. La realidad no es vaga, pero sí nuestra percepción general de realidad". 

Era de las películas favoritas del actor Walter Matthau y de los directores Samuel Fuller y Sam Peckinpah. Para este último, es la que más le interesaba de entre todas las que había rodado John Ford, siendo su primer gran clásico, aunque aquel consideraba que el mejor Ford fue el de sus inicios.

En el blog de Cinepatico se señala como Ford en esta película no incluye "un atisbo de su habitual y socarrón humor, para contarnos de una forma sombría y amarga, rozando estilisticamente el expresionismo alemán, una historia sobre la debilidad de humana. Victor McLaglen compone un personaje memorable". 

Fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine en 2018, por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".

Se trata de un buen título para conocer las primeras obras sonoras, su pasión irlandesa ya especialmente conocida en El hombre tranquilo, precisamente de un hombre que decía llamarse John Ford y que hacía western , pero que también afirmaba que "No hago películas para hacer obras de arte. Ruedo películas para poder pagar las facturas".

Sombrero de copa

A veces no dejo de sorprenderme con mis hijos. Anoche, a eso de las 1:30 de la madrugada, estaba viendo Sombrero de copa , conocida internacionalmente como Top Hat, un musical que también funciona como comedia románica estadounidense, del año 1935 , dirigido por Mark Sandrich (1900 - 1945), con música y letra de Irving Berlin y con Fred Astaire y Ginger Rogers en los papeles principales. En eso llegó uno de mis hijos procedente de una fiesta y nada más entrar le dije que la película que estaba viendo merecía la pena aunque fuese por ver un número musical y una canción, la de Cheek to cheek. En eso mi hijo me dijo. Claro, yo conozco la canción. Sale en un par de momentos en la película La Milla Verde, tanto en la prisión como al final de la misma. Me quedé de piedra. Era verdad. Eso es ver cine e integrarlo en la memoria. 

Y es cierto . Yo tenía ganas de ver Top Hat del director Mark Sandrich, un director de corta, pero intensa carrera, ya que murió muy joven, a los 45 años, pero especializado en comedias y musicales, algunos de ellos interpretados por la pareja que más trascendencia ha tenido en el mundo del musical y baile como son Fred Astaire y Ginger Rogers - Fred y Ginger- , precisamente por esta canción.

En 1940, Sandrich dejó la RKO para marchar a la Paramount , que le ofreció una oportunidad de ser no sólo director, sino también un productor. Sandrich hizo varias películas exitosas con estrellas rutilantes de la interpretación y comedia y cantantes de la talla de Bing Crosby y el mismo Fred en la mítica Holiday Inn de 1942 y con música de Irving Berlín , donde sonó por primera vez " White Christmas " , el single más vendido de todos los tiempos. Holiday Inn tuvo una continuación llamada Blue Skies , protagonizada por Bing Crosby y con la música de Irving Berlín. 

Mientras preparaba la película Mark Sandrich - que en ese momento era presidente del Gremio o Academia de de Directores- murió repentinamente de ataque al corazón a la edad de 45 años. En el momento de su muerte, Mark Sandrich estaba considerado como uno de los directores más influyentes de Hollywood. 

Para 1935, Sandrich estaba trabajando para la RKO Radio Pictures. Y allí entró en contacto con uno el hijo de Henry Berman, el que fuera director general de la Universal Pictures durante los años de inicio del cine en Hollywood . 

Se trataba de Pandro S. Berman, también judío como el director. Pandro fue asistente de dirección durante la década de 1920 bajo Mal St. Clair y Ralph Ince . 

En 1930, Berman fue contratado como editor de cine en la RKO Radio Pictures , y luego se convirtió en un asistente de producción. Cuando el productor supervisor de RKO, William LeBaron dejó su puesto durante la producción de la fallida The Gay Diplomat (1931), que intentaba presentar a Ivan Lebedeff como el nuevo Valentino, y que fue vapuleada por la crítica y el público, siendo el mayor fracaso económico de la año 30/31 para la Compañía , Berman se hizo cargo de las responsabilidades de LeBaron, permaneciendo en el puesto hasta 1939.

Después de que David O. Selznick se convirtiera en jefe de producción de RKO en octubre de 1931, Selznick nombró a Berman productor para la adaptación de algunas películas entre ellas Symphony of Six Million de 1932 dirigida por Gregory La Cava . Para la misma el productor contó con el jefe del departamento de música de la RKO Max Steiner para introducir en la misma música sinfónica a lo largo de la película, algo que era innovador. 

Ello llevó a la RKO a contar con el tándem Berman / Steiner para sus siguientes proyectos de comedias con dos de los actores que más brillaban en ese momento: Fred Astaire y Ginger Rogers e. En eso surgió Top Hat.  

La historia después colocará a Berman , tras su pasó por la Metro en 1940, en el Olimpo de los productores ganando en 1976 el Irving G. Thalberg Memorial Award y designando a seis de sus películas como nominadas al Premio de la Academia de Mejor Película : The Gay Divorcee (1934), Alice Adams y Top Hat (1935), Stage Door (1937), Father of the Bride (1950) e Ivanhoe (1952). Todo un mérito. Berman murió de insuficiencia cardíaca el 13 de julio de 1996 en su casa de Beverly Hills , a los 91 años. 

Pues bien, Pandro convenció a la productora, la RKO Radio Pictures, para que invirtiera en la película más de medio millón de dólares, unos $ 609,000. 

Volviendo a la película que pude ver anoche decir que el guión - sí, con tilde, no puedo con la norma de la RAE sobre tildes de 2010, es una tontería y no lo acepto- del que hablaré más tarde, el productor y el director contarón con la participación de Allan Scott, Dwight Taylor, Ben Holmes , Ralph Spence y Károly Nóti (aunque éste sin acreditar). Para inspirarse partieron de un par de obras de 1933 y de dos escritores húngaros, Escándalo en Budapest de Sándor Faragó y Una chica que se atreve de Aladar Laszlo. 

En el apartado musical y en gran medida el éxito de la película se debe a la intervención de Irving Berlin compositor de las letras de las canciones y Max Steiner encargado de la partitura. Ambos ya había trabajado tanto con Berman como con Sandrich y lo seguirán haciendo después. La magnífica fotografía en blanco y negro fue de David Abel, mientras que el montaje fue labor de William Hamilton. 

El reparto lo encabezan la pareja formada por Fred Astaire como Jerry Travers y Ginger Rogers como Dale Tremont. Junto a ellos se encuentran Edward Everett Horton como Horace Hardwick, Erik Rodhes como Alberto Beddini, un diseñador de modas y rival por los afectos de Dale, Helen Broderick como Madge Hardwick, esposa de Hardwick y Eric Blore como el criado de Hardwick, Bates. Igualmente en la película aparecen Lucille Ball como la florista, Gino Corrado como el gerente del hotel en Venecia, Leonard Mudie como el vendedor de flores, Dennis O'Keefe como un pasajero del ascensor pasajero y Bailarín y Tom Ricketts como camarero del Thackeray Club del inicio de la película que está sin acreditar. 

La historia se inicia en un club privado londinense, el Thackeray Club , en el que un grupo de hombres todos tocados con sombrero de copa, Top Hat, están fumando y leyendo la prena en un riguroso silencia. 

Uno de los que se encuentran allí, esperando una cita concertada es un bailarín estadounidense llamado Jerry Travers (Fred Astaire). Está a la espera de entrevistarse con el productor de su nuevo espectáculo, Horace Hardwick (Edward Everett Horton). 

En la espera el se mueve en la silla, algo que incomoda a los presentes. Al poco se persona el señor Hardwick. Para hablar salen de la silenciosa y humeante sala. A la salida el bailarín y astro de la comedia musical americana se pone en la puerta y claquea con sus zapatos en el suelo, llamando la atención de todos. 

Al salir el productor le dice a Jerry Travers que se instalará en su propia habitación. Tras eso suben a la habitación del hotel londinense donde reside el productor. Allí tras mostrar las disputas que el señor tiene con su valet por la adecuación de una pajarita negra en el chaquet (como sostiene el criado y lleva Jerry) o blanca sobre el mismo (como dice el productor) deciden tomarse una copa canta e inicia un número de baile, realmente una rutina de baile , que molesta el sueño de una joven llamada Dale Tremont (Ginger Rogers), que se aloja en la habitación de abajo. 

Ella llama a la dirección del hotel que a su vez llama al señor Hadwick que baja para recibir la información. En eso sube la chica y ve que el que está bailando es un joven bailarín, pero ella cree que está viendo a Horace Hardwick. Sin embargo, es Jerry que , impactado por la belleza de la chica, se enamora perdidamente de la chica. De hecho al regresar el productor a la habitación se da cuenta de que Jerry tira arena en el suelo para no hacer ruido y permitir que descanse dulcemente la chica.

Desde ese momento la película va combinando los equívocos entre Jerry y Dale, en los que se involucran igualmente el señor y la señora Hadwick (Helen Broderick),- ya que Madge y su marido, Horace, pasan largos períodos viviendo vidas separados - y en el que también participan como personajes en contrapunto, el diseñador de moda italiano, Alberto Beddini (Erik Rodhes), y el valet o mayordomo de Hadwick, Bates (Eric Blore). 

A la mañana siguiente Jerry se cruza con la chica, que resulta ser una bella modelo dotada para el baile y que , como sabemos, se aloja en la habitación de abajo. Ella le toma, erróneamente, por Hardwick y, tras irse de paseo, él que procede a perseguirla por todo Londres, intenta impresionar a Dale Tremont ( Ginger Rogers ) para ganar su afecto. 

Al regresar al hotel pensando que es Hadwick, al enterarse que está casado con una amiga suya, Madge (Helen Broderick), le rechaza y le repudia, aunque él sigue enamorada de él , y viceversa. 

Tras el éxito de la noche de estreno de Jerry en Londres, Dale decide viajar con su jefe, el modisto italiano Alberto Beddini, a Venecia. 

Allí en Venecia , visita a su amiga Madge y promociona los vestidos creados por Alberto Beddini, un diseñador de moda italiana. 

Tras el reencuentro con el bailarín en el mismo hotel en el que están alojados el señor y la señora Hadwick aunque en habitaciones separadas y Jerry. Éste le propone a Dale, quien, aun creyendo que Jerry es Horace, está disgustada por ser el marido de su amiga pueda comportarse de esta manera y , además, le proponga casarse con ella. 

Como la confusión va a más ella, por despecho, y le molesta tanto que acepta en cambio casarse con Alberto. Afortunadamente, Bates ( Eric Blore ), el valet inglés de Horace, y al que le gusta disfrasarse, en este caso se disfraza de sacerdote y dirige la ceremonia religiosa de la boda. 

Lo cierto es que Horace había enviado a Bates para vigilar a Dale. Como la confusión va a más ella, Jerry al enterarse del enredo decide cederla a la pareja la habitación que ocupa, la suite nupcial, y en esa ceremonia de la confusión en la que participan los Hadwick, el modisto italiano y Bates, en un viaje en góndola , Jerry logra convencer a Dale de quién es, de los errores que ambos han cometido, aclarando todo. 

Mientras son perseguidos por los Hadwick conjuntamente con Alberto Beddini aunque su barca queda sin gasolina en mitad del canal. 

Tras el regreso de la pareja de enamorados al hotel donde la confusión anterior se aclara rápidamente y tras meterse Bates en un lío con la policía local, pensando que no lo entiende, la pareja reconciliada baila en el atardecer veneciano, siguiendo la melodía de "El Piccolino" y acabando así la película. 

Top Hat comenzó a filmarse el 1 de abril de 1935 en los Estudios Gower de la RKO y , según la ImbD en los enormes Paramount Studios sitos en el 5555 Melrose Avenue de Hollywood, Los Ángeles. Costó $ 620,000. El rodaje terminó en junio .

Hubo una época en la que el musical reinaba en la Warner con Busby Werneley. Ete se centraba en el papel de la belleza femenina, en una especied e quiero mostrar y no puedo. La Metro Goldwyn Mayer tomó su relevo buscando sobre todo la espectacularidad que emanaban de los montajes escénicos , en gran medida teatrales, de Florenz Ziegfield, un héroe inolvidable del género mitificado por la misma compañía cinematográfica.

Una vez triunfado el sonoro, la Metro recuperó su viejo lema de dar al espectador "más por su dinero", y aplicó a sus musicales lo mismo que a su producción en general: grandes repartos, presentaciones opulentas y prestigio que se concretarían en imágenes gigantescas destinadas a deslumbrar al público. Y se jactaban las producciones de presumir de más escaleras, más vestuario y más espejos que cualquier otro estudio. Es lo que Pauline Kael en su "5.001 Nights in movies" confundir el glamour con el estilo. Lo curioso es que no fue en la Metro, sino en la Paramount donde el ejemplo a imitar, el de Ziegfield, hizo sus únicas incursiones en el cine.

No obstante, tampoco fue la Paramount la que se llevó el gato al agua en los primeros musicales, sino la RKO, una pequeña empresa, la que dio con la clave del éxito en este género. Y no sólo por lo estrictamente musical, sino por darle vida cinematográfica al Art Decó, un arte que en un  momento dado deslumbró al cine por sus excesos, por su abundancia o exuberancia, y sobre todo por poder contar con dos genios de este género: Fred Astaire y Ginger Rogers.

Una vez que la RKO descubrió el diamante en bruto que suponía esta pareja tras la película Flying down to Rio o Volando hacia Río en 1933, la compañía no dudó en juntarlos cuantas veces hiciera falta. Ello se repitió hasta 1939 siguiendo un mismo esquema: entre baile y baile, entre canción y canción , se conocían, simpatizaban, se peleaban, se perdían   y volvían a encontrase.

Como en una buena comedia americana lo importante era el juego, mientras que la historia era lo de menos. Casi siempre para su suerte, Ginger y Fred,  contaba con la habilidad de un artesano como Mark Sandrich, y el acompañamiento de toda una serie de secundarios - como Eric Blore, Edward Everett Horton ,...- aptos para hacer reír, pero sin llegar a oscurecer nunca la luz que desprendía la pareja.

La pareja estaba formada por dos personalidades que, según Terenci Moix, en su Historia del Cine, volumen II, que estaban perfectamente encajadas. A esto se sumaba el cómo estaban montados sus espectáculos y a la facilidad que tenían para que sus números de baile, se transformaran en un asunto de estado.

Ella era intuitiva para la comedia  y podía llegar a ser impertinentemente enérgica, mientras que él era elegante y clásico, lleno de gracia y dotado para la belleza de la danza. Juntos sabían desenvolverse hasta conseguir un estilo. Según señalaba John Kobal "El genio ( de esos artistas) consiste en hacer solo lo que parece natural - ya sea bailar, actuar o cantar-; lo que al hacerlo ellos, parece tan fácil que está al alcance de cualquiera. 

No obstante eran humanos. Ginger Rogers encontró a Mark Sandrich bastante frío y cruel. Ella relató la historia de cómo él le instó un día para "tomar algunas lecciones de baile, de canto, y de actuación." Ella dijo que finalmente tuvo que hablar con el productor Pandro S. Berman para que intercediera en su nombre, pero que Sandrich nunca la aceptó ni le gustó. Eso sí, como ocurre con muchos musicales los zapatos de Ginger Rogers tenían que cambiarse con frecuencia, porque a menudo estaban llenos de sangre, debido a múltiples tomas de escenas de danza. 

El vestido que Ginger Rogers usó en el número Piccolino está de exhibición en el Museo Nacional Smithsoniano de Historia Americana en Washington, DC. 

Las primeras proyecciones públicas se realizaron en julio. Tras las mismas hubo algunos cortes de aproximadamente diez minutos, principalmente en la última parte de la película: la secuencia de carnaval y el desfile de góndolas que habían sido filmadas para mostrar el enorme conjunto fueron muy recortadas. Fueron escenas con los personajes de Donald Meek y Florence Roberts. 

Una de las últimas escenas en las que Eric Blore insulta a un policía, todavía está presente en algunas versiones como la versión de video de la RKO Collection de Turner Home Entertainment. 

Otros cuatro minutos fueron cortados antes de su estreno definitivo en el Radio City Music Hall, donde rompió todos los récords de taquilla, pasando a obtener unos $ 3 millones brutos en su lanzamiento inicial, y convirtiéndose en la película más rentable de RKO de los años 1930. Después de Mutiny on the Bounty , hizo más dinero que cualquier otra película lanzada en 1935. 

Cuando the Hays Office , la del famoso y penoso Código "moral" Hays se enteró de que varios actores, que eran conocidos en la industria de ser gay, habían sido contratados en esta película, enviaron una advertencia concisa a RKO Studios. Particularmente se referían a Erik Rhodes y Edward Everett Horton , y se les advertía que deberían "evitar cualquier idea de que los actores tengan un pensamiento o una escena en ese sentido". La caracterización italiana de Erik Rhodes ofendió tanto al gobierno italiano -y al dictador Benito Mussolini en particular- que la película fue prohibida en Italia. El mismo destino sucedió a La alegre divorciada (1934) el año anterior. 

Dwight Taylor fue el guionista principal. Fue guión escrito expresamente para la pareja formada por Astaire y Rogers, que según Andrés Arconada no se soportaba. Astaire al ver el guión original de Taylor reaccionó negativamente , quejándose de que "estaba modelado siguiendo el modelo de la fracasada The Gay Divorcee ". 

Así que el guión pasó a Allan Scott , para quien esta película fue su primer gran proyecto, y que iba a intervenir en las seis películas que integraban al dúo formado por Astaire-Rogers, siendo contratado Scott para hacer las reescrituras, quedando Sandrich como editor de guiones y asesor de todo. La Hays Office insisté en que la intervención de Scott en el guión se ciñó a pequeños cambios, incluyendo probablemente la más citada línea de diálogo de la película: el lema de Beddini: "Para las mujeres el beso, para los hombres la espada" y que originalmente pudo ser: "Para los hombres la espada , para las mujeres el látigo " después de que los censores objetaron. Se hicieron cambios significativos en el guión original para reforzar el personaje de Fred Astaire . 

Astaire se quejó de que su parte era juvenil y arrogante, sin encanto ni humor. Observó que una vez en el Lido, su papel "se disolvía en prácticamente nada". Las escenas se agregaron para añadir más intensidad al personaje de Astaire dándole más profundidad más grande. También se opuso firmemente a dos momentos en el guión donde Ginger Rogers fue llamado a darle una bofetada en la cara, pero , finalmente, aparecen. 

De cualquier manera, el agente siempre se quejó de que la película no tenía ninguna historia verdadera o trama. 

La relación entre Scott y la Rogers nunca llegó a ser del todo satisfactoria. A Allan Scott no le gustaba trabajar con Ginger Rogers . Prefería escribir para "actrices de teatro que se tomaban en serio su arte", como Claudette Colbert o Greer Garson , y estaba dispuesta a reescribir su trabajo para acomodar sus ideas y preocupaciones. Él recordó: "Hubo un tiempo con Ginger, por otro lado, en el que llegó a ser todo una broma." Dijo: "Hay algo radicalmente mal en ello". Y tenías que bajar y ver lo que podías hacer. Scott consideraba que Rogers estaba tenía problemas con una línea simplemente porque ella no se la había estudiado, y generalmente había estado "bailando " la noche anterior. Scott usó el término "radicalmente equivocada" para referirse a Ginger durante algún tiempo. 

En una entrevista con Lee Server entre éste y uno de los  guionistas de la película Allan Scott este recoge en su libro Words Become Pictures (Main Street Press, 1987), que Fred Astaire era "un esnob". 

De su papel en la creación de Top Hat , el guionista Taylor recordó que con Sandrich y Berlín que compartió "una especie de emoción infantil. Cuando me fui RKO un año más tarde, Mark me dijo: "Nunca más verás tanto de ti mismo en la pantalla". 

En el lanzamiento de la película, el guión fue criticado por muchos críticos, que alegaron que era simplemente una reescritura de The Gay Divorcee , siguiendo un poco lo que pensaba Fred Astaire. 

En cuanto a la música esta fue la primera partitura completa del compositor Irving Berlin desde 1930 y negoció un contrato único, conservando los derechos de autor de la partitura con una garantía del diez por ciento de los beneficios si la película ganaba más de $ 1.250.000. Berlin, cuyo verdadero nombre era en ruso, Israel Beilin, está considerado uno de los mejores compositores de la historia de Estados Unidos. Su música forma una gran parte del Gran Cancionero Americano . Era amante de componer canciones que fuesen sencillas y directas, con su objetivo declarado de "llegar al corazón del americano medio", a quien consideraba "el verdadero alma del país". Era una leyenda antes de cumplir treinta años; y durante sus 60 años de carrera escribió unas 1.500 canciones estimadas, incluyendo las partituras para 20 programas originales de Broadway y 15 películas originales de Hollywood . 

Berlin para Top Hat compuso ocho canciones de la partitura original , de las que algunas fueron descartadas ya que no se consideraron para avanzar en la trama de la película. Uno de estas canciones, "Get Thee Behind Me, Satan", también se usó en Follow the Fleet (1936). Las cinco canciones eventualmente seleccionadas se convirtieron en grandes éxitos y, en la emisión del 28 de septiembre de 1935 de Your Hit Parade , los cinco figuraban entre las quince canciones seleccionadas para esa semana. 

Astaire recordó cómo este éxito ayudó a restaurar la autoconfianza de Berlín. Astaire nunca había trabajado con un músico como Berlín antes de esta película, aunque había bailado en el escenario algunas de sus canciones ya en 1915. Allí surgió una amistad de por vida con Berlín contribuyendo a más películas de Astaire (seis en total) que cualquier otro compositor. 

De su experiencia con Astaire en Top Hat Berlin escribió: "Es una verdadera inspiración para un escritor, nunca habría escrito Top Hat sin él, te hace sentir tan seguro". 

Como Berlín no podía leer ni escribir música, y sólo podía escoger melodías en un piano especialmente diseñado que transponía las teclas automáticamente, requirió un ayudante para hacer sus partes de piano. Ese fue Hal Borne - el pianista de ensayo de Astaire - realizó este papel en Top Hat y recordó que trabajaba noches con él en el Hotel Beverly Wilshire: "Berlín con la famosa Cheek to cheek había empezado a escribir' Heaveno ...' y siguió con un 'I´m in heaven'. Estas partes fueron posteriormente orquestadas por un equipo compuesto por Edward Powell, Maurice de Packh, Gene Rose, Eddie Sharp y Arthur Knowlton, quienes trabajaron bajo la supervisión de la supervisor general de la RKO , el mítico Max Steiner. 

El papel de Steiner en la película fue el de dirigir y arreglar "musicales", actividad que compaginó con la composición original. 

Berlín rompió una serie de convenciones de composiciones estadounidenses en esta película, especialmente en las canciones " Top Hat, White Tie y Tails " y " Cheek to Cheek ", y, según Rogers, la película se convirtió en modelo de composición para el cine de Hollywood en lo musical. 

En cuando al conjunto para la película fue labor de lo que se conoce como el Big White Set - un conjunto inspirado en el Art Deco muy al gusto del Hollywood de la época, especialmente del comedia y los musicales tan significativos de la RKO y la Paramount ue implicaron el mayor gasto en los costos de producción de la película. 

Entre lo diseñado, además de las puertas de las habitaciones del hotel y su mobiliario destaca el falso canal sinuoso - cruzado por dos puentes curvados en un extremo y un puente plano en el otro - que fue construido a través de dos etapas. Astaire y Rogers bailan a través de este puente en un plano de "Cheek to Cheek". Alrededor de la curvatura de este puente se encuentra la plaza principal, un escenario gigante revestido en baquelita y que fue el escenario para el baile final y multitudinario del "El Piccolino". Esta representación fantástica del Lido de Venecia estaba en tres niveles que incluían pistas de baile, restaurantes y terrazas, todas decoradas en colores de caña de azúcar, con las aguas del canal teñidas de negro. Los amplios interiores venecianos eran igualmente falsos, reflejando en su lugar los últimos gustos de Hollywood. El conjunto del canal de Venecia era tan grande que necesitaba dos equipos de sonido en el estudio Gower de la RKO. La longitud total era más de 300 pies. Hasta ese momento era el conjunto más grande jamás construido en el RKO. 

En este sentido, un papel esencial será el jugado por Carroll Clark, quien trabajó bajo la supervisión general de Van Nest Polglase, el director de arte de la unidad en todas menos una de las películas de Astaire-Rogers y dirigió el equipo de diseñadores responsables del decorado y el mobiliario de Top Hat . 

Aunque Bernard Newman estaba nominalmente a cargo de vestir a las estrellas, la propia Ginger Rogers estaba muy interesado en el diseño del vestido y el maquillaje. Para la rutina "Cheek to Cheek", estaba decidida usar una creación propia : "Estaba decidida a llevar este vestido, ir al infierno o al agua, y ¿por qué no ?, se movía muy bien. El equipo estaba dispuesto a tomar partido, en particular, en mi contra . Al menos mi madre estaba allí para apoyarme en la confrontación con toda el equipo, en ocasiones teniendo en contra a Fred Astaire y Mark Sandrich ", declaró una vez. 

Debido a la enorme labor de costura de cada pluma de avestruz en el vestido, Astaire -que normalmente aprobaba los trajes de su compañera y sugirió modificaciones si era necesario durante los ensayos- vio el vestido por primera vez el día del rodaje quedó horrorizado por la forma en que arrojaba nubes de plumas en cada cada giro y cada vuelta, recordando más tarde: "Era como un pollo atacado por un coyote, nunca vi tantas plumas en mi vida". 

Aunque oficialmente sin acreditar, es universalmente reconocido que Fred Astaire era el coreógrafo principal para esta película. Hermes Pan estaba a cargo de grandes números de producción. Él y Astaire trabajaron los otros bailes, y Pan ensayaba junto a Ginger Rogers. 

Una vez, según el coreógrafo Hermes Pan , Astaire perdió la paciencia y gritó a Rogers, quien inmediatamente se echó a llorar, luego su madre, Lela, "vino como una madre rinoceronte protegiendo a sus crías". Ante esto , durante una noche de trabajo adicional de las costureras contratadas resolvió parte del problema, sin embargo, un examen cuidadoso del baile revela plumas flotando alrededor de Astaire y Rogers y caídas en la pista de baile. 

Más tarde, Astaire y Pan se presentaron ante Rogers con una pluma de oro para su brazalete. A partir de entonces, Astaire apodó a Gigers Rogers "Feathers" o "Plumas" - también un título de uno de los capítulos de su autobiografía - y parodió su experiencia en una canción y una rutina de baile con Judy Garland en Easter Parade (1948). 

Astaire también eligió y proporcionó su propia ropa. Él es ampliamente reconocido por ser lo que hoy sería un "influencer" o por influir en la moda masculina del siglo 20. Fred Astaire supervisó todos los aspectos del desarrollo de un número de danza desde la orquestación hasta el rodaje final y la edición. Él era particularmente inflexible sobre cómo un número debe ser filmado. No le gustaba interrumpir el flujo de la danza con ángulos de cámara inusuales, cortes en la cara o los pies del bailarín, o tiros de reacción de la gente mirando. 

La coreografía, en la que Astaire fue asistido por Hermes Pan , se ocupa principalmente de las posibilidades de utilizar la pieza metálica , conocidas como " grifos ", para hacer tanto ruido como fuese posible. Por eso en esta película se usan grifos mucho más gruesos de lo habitual para crear sonidos más audaces y más fuertes. 

En la película, Astaire sufre de lo que Rogers llama una "aflicción": "De vez en cuando de repente me encuentro bailando". Astaire introduce el motivo del toque de la película cuando hace estallar una presa en los somnolentes miembros de un Club de Londres. 

Hay ocho números musicales y de baile en la película. En la "secuencia de apertura", después de que el logotipo RKO aparece, Astaire, que se muestra sólo desde la cintura para abajo, baila en un piso de piso pulido, respaldado por un conjunto de piernas de bailarines masculinos que no se mueven, y en la que se incorporan las piernas de Ginger Rogers. Al detener su nombre aparece, Rogers bailando que le sigue y los dos bailan juntos cuando el cuadro se disuelve para revelar un sombrero de copa. Un concepto similar fue utilizado en la secuencia inicial de The Barkleys of Broadway (1949). 

El segundo baile corresponde con " No Strings (I'm Fancy Free) ". Al retirarse a su suite de hotel, Horton le aconseja que se case. Astaire declara su preferencia por la soltería e inicia una canción . Este número fue obra del guionista Dwight Taylor y se encuentra en sus primeros borradores , surge la canción naturalmente y en medio de la frase. Astaire lo canta dos veces y durante la última frase se pone a mover las piernas, y danza en solitario intensamente y en alto volumen a través de la habitación o golpeando los muebles con las manos. A su regreso al centro de la sala, donde concentra ruidosamente su claque, la cámara avanza para descubrir a Rogers en la cama, despierta e irritada. Mientras que ella telefona y se queda de Horton a la gerencia del hotel, Astaire incorpora más ruido a su rutina con sus grifo . Mientras Horton se va a investigar, Astaire sigue martillando por la suite, durante la cual finge horror al ver su imagen en un espejo - una referencia a su creencia de que la cámara nunca fue amable con su rostro. La rutina termina cuando Astaire, que ahora baila con una estatua, es interrumpido por la entrada de Rogers, una escena que, como en The Gay Divorcee y Roberta , tipifica la forma en que Astaire involuntariamente incurre en la hostilidad o molestia con la Rogers. 

En la siguiente "No Strings (reprise)", Rogers, después del incidente , regresa a su habitación y Astaire toma la tierra de un macetero con la intención de bailar, y se nombra a sí mismo su " sandman ", rociando la arena al suelo ante Horton y permitir dormir a la chica con una danza de arena suave bajando la melodía, en una escena que ha atraído considerable admiración de los comentaristas de danza, y ha sido objeto de parodias e imitaciones. 

En " No es este un día precioso (para ser atrapados bajo la lluvia) ", mientras Rogers está fuera cuando estalla una tormenta y se refugian en un kiosko de música. Astaire la sigue y hablan de una conversación sobre las nubes y la lluvia que pasan pronto y tras ello Astaire realiza una de las creaciones más preciadas de Berlín. Astaire canta a la espalda de Rogers, pero el público puede ver que la actitud de Rogers hacia él se ablanda durante la canción, y el propósito de la danza que sigue es para ella comunicar este cambio a su pareja. La danza es una de flirteo y, según John Mueller, en su libro Astaire Dancing – The Musical Films escrito en 1986 para la editorial londinense de Hamish Hamilton, despliega dos dispositivos coreográficos comunes al minueto clásico: la imitación secuencial (un bailarín realiza un paso y el otro responde) y el tocar. Inicialmente, la imitación es burlona en el personaje, pero luego se vuelve más un intercambio casual, y termina en un espíritu de verdadera cooperación. Hasta los últimos treinta segundos de este baile de dos minutos y medio pareciera que el par se retrae de tocar, luego con un codazo de su codo Rogers invita a Astaire. La rutina, a la vez cómica y romántica, incorpora saltos, el golpecito hace girar y los pasos que se deslizan y arrastran entre sus muchos dispositivos innovadores. El espíritu de igualdad que impregna la danza se refleja en la masculinidad de la ropa de Rogers y en el apretón de manos amistoso que intercambian al final.

Para " Top Hat, White Tie y Tails ", probablemente el más popular de Astaire, la idea de la canción del título proviene de Astaire, quien describió a Berlín una rutina que había creado para obras de Ziegfeld en Broadway, Smiles , Young Man of Manattan ". Berlín produjo debidamente la canción y el concepto construido alrededor de él.

En este número Astaire tuvo que comprometerse en su filosofía de toma única, como Sandrich reconoció: "Hicimos todo lo posible para que el número de" Top Hat "parezca una toma, pero en realidad son varias. La notable habilidad de Astaire para cambiar el tempo dentro de una sola frase de baile es ampliamente presentada a lo largo de esta rutina y llevada a extremos - como cuando explota en actividad desde una postura de silencio completo y viceversa. Esta rutina también marca el primer uso de Astaire de un bastón como apoyo en una de sus danzas filmadas. El número se abre con un coro que pavonea y que se lanza delante de un contexto de una escena de la calle de París. Se abren paso a Astaire, que avanza con confianza al frente del escenario y entrega la canción, que cuenta con la célebre frase: "Estoy saliendo, querida, para respirar una atmósfera que simplemente huele a clase", intercambiando el toque ocasional con el coro mientras canta.

La danza comienza con Astaire y coro moviéndose en el paso. Astaire pronto ataca con un golpe de grifo giratorio y el coro responde tímidamente antes de abandonar el escenario en una secuencia de pasos superpuestos, de cambio de dirección, de enganche y paseos. En la primera parte del solo que sigue, Astaire se embarca en un movimiento rotatorio circular, embellecido con grifos en el que mezcla una serie de pausas impredecibles. A medida que la cámara retrocede, las luces se oscurecen y, en el misterioso pasaje que sigue, Astaire imita una serie de posturas, que van desde la abierta amistad, la cautela, la sorpresa a la prontitud vigilante y la alegre confianza. Jimmy Cagney asistió al rodaje de esta escena y aconsejó a Astaire. El coro vuelve entonces en una postura amenazante, y Astaire procede a despacharlos todos, usando una serie de acciones muy creativas que imitan el uso de un bastón como arma, una ametralladora, un rifle y, finalmente, un arco y una flecha.

En número culminante en la película es Cheek to cheek . Comienza tras ser Giger Rogers animada por Broderick. La canción emerge de la mitad de la oración de Astaire mientras baila con una vacilante Rogers en un piso lleno de gente. Berlín escribió las letra y la música de este clásico d, siendo la canción más larga que escribió. Se aprecia mucho el tratamiento que Astaire hace de la canción: "La melodía sigue subiendo y subiendo, se arrastra.

A medida que navega a Rogers se ve atraído y receptivo y, al final de la canción, bailan "mejilla a mejilla" a través de un puente en una sala de baile desierta cercana. De acuerdo con el análisis de Mueller, el dúo que sigue el más famoso de todos los Astaire-Rogers refleja la complejidad de la situación emocional en la que se encuentran. Ya no es coqueteo, como en "¿No es este un día precioso?". Esta presente el amor. Pero Rogers se siente culpable y engañada y prefiere evitar los avances de Astaire. Por lo tanto, el propósito de Astaire aquí es que ella abandone sus recelos (que son un misterio para él) y entregarse completamente a él. El dispositivo coreográfico introducido para reflejar el progreso de esta seducción es el "backbend" o la contorsión, explotando la espalda excepcionalmente flexible de Rogers.

La danza principal comienza con el primero de dos pasajes breves que reutilizan el dispositivo de imitación secuencial introducido en "Is not This is Lovely Day?". El par gira y se inclina, esquivando hacia adelante y hacia atrás el uno al otro antes de pasar a una posición estándar del salón de baile donde se introducen las primeras sugerencias del backbend . El primer backbend ocurre al final de una secuencia en la que Astaire envía a Rogers en un giro, recoge su escalera y la mueve con un brazo enlazado hacia delante, repite el giro pero esta vez la rodea mientras ella se gira y luego la toma en sus brazos . A medida que la música se vuelve más enérgica, los bailarines fluyen por el suelo y Rogers, moviéndose contra la música, de repente cae en un backbend más profundo, que se repite, aún más profundo aún. La música ahora transita a una recapitulación tranquila de la melodía principal durante la cual la pareja se involucra en una pareja en silencio y tierna, y aquí aparece el segundo pasaje que implica imitación secuencial. Con la música alcanzando su gran clímax, Astaire y Rogers se apresuran hacia la cámara, luego lejos en una serie de audaces y dramáticas maniobras culminando en tres ascensores de salón de baile que muestran el vestido de Rogers antes de abruptamente llegar a un alto en una contorsión final, más profundo , mantenido como la música. Se levantan, y después de un par de vueltas bailando mejilla a mejilla por primera vez desde que comenzó el baile, vienen a descansar junto a una pared. Rogers, habiendo conducido la danza en un estado de abandono onírico, ahora mira con inquietud a Astaire antes de alejarse, como si le recordara que su relación no puede continuar. A estas alturas, Rogers sospecha de la verdadera identidad de Astaire, aunque ninguno de ellos sabe que su matrimonio impulsivo con Rodhes es nulo y sin valor.

Al cenar juntos durante la noche del carnaval en Venecia, y para ayudar a calmar su culpabilidad, Astaire declara: "Comamos, bebamos y nos alegramos, porque mañana tenemos que enfrentarle", que sirve de señal a la música de "El Piccolino", el gran número de producción de la película. Un desfile de góndolas es seguido por la entrada de un coro de baile que realizan una serie de posturas de salón de baile y rutina de patrones coreografiados por Hermes Pan. Berlín, que tuvo que hacer un gran esfuerzo en la canción , la diseñó como un pastiche o mezcla de varias canciones como "El Carioca" de Flying Down a Rio (1933) y " The Continental " de The Gay Divorcee (1934), y la letra comunica su origen falso: "Fue escrito por un gondolero latino / A que se sentó en / su casa en Brooklyn / y miró a las estrellas". Es una canción sobre una canción y ahora Rogers canta a Astaire después de lo cual un coro fuera de la cámara lo repite mientras el conjunto de baile es fotografiado, muy al estilo de Berkeley , desde arriba. La cámara cambia luego a Rogers y Astaire que se centran en el escenario para realizar un baile de dos minutos, todos rodados en una toma, con la coreografía Astaire-Pan haciendo referencia por separado a la melodía básica y al intento de mostrar el amante latino en el acompañamiento. Bailan al acompañamiento a medida que descienden los peldaños y se deslizan por la pista de baile, entonces, cuando entra la melodía, se detienen y realizan el paso Piccolino, que consiste en lanzar los pies hacia el lado del cuerpo. El resto de la danza implica repeticiones y variaciones del paso Piccolino y los pasos de salto asociados con intento de amante, dando lugar a algunas amalgamaciones complejas de los dos.

En la aparición final de la melodía, los bailarines realizan una forma altamente embellecida del paso de Piccolino mientras que viajan lateralmente de nuevo a su mesa, hundiéndose detrás en sus sillas y levantando sus vasos. Después de que todos los actores y actrices de la película con protagonismo se enfrenten en la suite nupcial, con el "matrimonio" de Rogers y Rodhes que se revelado como el realizado por un falso clérigo, la escena se fija en Astaire y Rogers para van a bailar en la puesta del sol, que debidamente hacen, en este fragmento de un dúo mucho más largo - el original fue cortado después de las preestreno de julio de 1935 - pero no antes de que se desfile a través del conjunto veneciano y repetir el paso Piccolino.

Algunas de las canciones de Top Hat, como White Tie y Tails " y " Cheek to Cheek " se han convertido en clásicos de canciones estadounidenses. Algunos fragmentos de la película se han transformado en auténtico metacine, cine dentro del cine, como cuando vimos en su momento el segmento "Cheek to Cheek", en muchas películas, entre ellas The Purple Rose of Cairo (1985) , la citada inicialmente The Green Mile (1999), incluso se le homenajea en La La Land (2016) .

Durante la semana del 20 de septiembre de 1935, todas las canciones de Irving Berlin presentadas en esta película se escucharon en el programa de radio "Your Hit Parade". El programa mostraba las 15 canciones más populares de Estados Unidos para la semana. Las cinco canciones de Berlín de esta película lo convirtieron en el primer compositor en tener cinco canciones incluidas en el programa durante una semana.

La fecha de lanzamiento de la película fue el 29 de agosto de 1935 , siendo la Premiere en la Ciudad de Nueva York , en concfreto en el Radio City Music Hall, Manhattan .

Desde ese momento , Top Hat fue la película más exitoso de Astaire y Rogers , logrando el segundo lugar en taquilla en todo el mundo en aquel 1935. La película ganó $ 1,782,000 en los EE.UU. y Canadá y $ 1,420,000 en otros lugares. RKO obtuvo un beneficio de 1.325.000 dólares, convirtiéndolo en la película más rentable del estudio de los años treinta. Fue la cuarta película más popular en la taquilla británica en 1935-36. Consiguió en taquilla , al final, un total de 3,2 millones de dólares

Las críticas a Top Hat fueron principalmente positivas. Los Angeles Evening Herald Express elogió la película, exclamando que " Top Hat es lo mejor" de Fred Astaire , elogiando sus bailes y las cantando canciones de Irving Berlin.

En el New York Times se elogió los números musicales de la película, pero criticó la línea de la historia, describiéndola como "un poco delgada", pero también afirmando que "es lo bastante veloz como para tapar esos vacíos inevitables entre las bailes alegremente divertidos". Top Hat "vale la pena hacer cola para verla. Desde la aparición del vestíbulo tendrá que hacerlo."

En Variety también señaló la frágil de la historia, y, sorprendentemente criticó el elenco, afirmando que "el peligro está en la historia y el elenco." Sustituya a Alice Brady por Helen Broderick y es la misma alineación de jugadores que estaba en la fallida The Gay Divorcée . Los dos guiones se complementan mutuamente ". Sin embargo, llegó a la conclusión de que Top Hat era una película que "no se puede perder".

Graham Greene , que escribió para The Spectator en 1935, dio a la película una crítica generalmente positiva, describiendo la película como "un vehículo para el genio de Fred Astaire" y observando que el desempeño de Astaire eliminó cualquier preocupación por el hecho de que "la música y las letras son malas" o que Astaire "tiene que actuar con seres humanos [que no pueden igualar] su libertad, ligereza y felicidad".

La película está incluida en la lista de "Grandes Películas" de Roger Ebert que llegó después de criticar la trama, que le gustaba "Porque somos humanos, porque estamos atados por la gravedad y las limitaciones de nuestros cuerpos, porque vivimos en un mundo donde las noticias son a menudo malas y las perspectivas inquietantes, hay una necesidad de otro mundo en algún lugar, un mundo donde Fred Astaire y Ginger Rogers tengan cabida. Donde todo el mundo es millonario y las suites del hotel son del tamaño de los salones de baile y nada está arrugado, sino peinado, cepillado. Donde pareces que pueden encontrar lo que buscas , cuando bailas una canción como "cheek to cheek". Igualmente, para Mel Brooks , premiado el pasado año por su trayectoria en los Bafta, siempre ha dicho que esta es su película favorita.

A día de hoy tiene una valoración de 7'8 en la página de IMbD. Pero hace unas semanas , en concreto el 24 de agosto de 2017, el sitio web del agregador de reseñas Rotten Tomatoes informó que la película tenía una puntuación de 100% de "aprobación" basada en 37 revisiones con una calificación promedio de 8.6 / 10. El consenso crítico del sitio web dice: "Una fascinante y apasionante película de la era de la depresión, Top Hat es casi impecable, con acrobacias de Fred Astaire y Ginger Rogers que hacen que las acrobacias físicas más difíciles parecen ligeras como el aire"

También la película tuvo su reconocimiento. La película fue nominada para el Premio de la Academia a la Mejor Película , así como para la Dirección de Arte ( Carroll Clark y Van Nest Polglase ), la Canción Original ( Irving Berlin para "Cheek to Cheek") y dirección de baile o coreografía ( Hermes Pan por su "Piccolino" "Sombrero de copa").

En 1990, Top Hat fue seleccionado para su conservación en el National Film Registry de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso como "culturalmente, históricamente o estéticamente significativo".

En 1998 fue incluida en los American Film Institute entre las 400 películas nominadas para el Top 100 de las Greatest American Movies. La película se clasificó el número 15 en la lista del 2006 del Instituto de Cine Americano de los mejores musicales . Por supuesto, está incluida entre las "1001 Películas que debes ver antes de morir", editado por Steven Schneider .

La película es una historia de desencuentros y de equívocos. La película en sí es una frivolidad intrascendente, muy en la línea de lo que defendió en su momento el crítico del Chicago Sun Tmes, Rogert Ebert. Pero cuando veo los bailes de Ginger y Fred y escucho sobre todo Cheek to cheek, pienso como los protagonista de la Milla Verde, mientras veían la película en su juventud -  y también entre lágrimas en su senectud - que la vida merece que sea bonita, amable, encantadora, alegre, agradable, divertida, ligera,... Y sin que sirva de precedente acabaré con lo que se merece. ¿Qué va a ser? Pues eso...