El limite es el cielo

Desde la entrada en la Segunda Guerra Mundial de los Estados Unidos gran parte de la industria de Hollywood intentó combinar, por un lado, el cine como producto en cada uno de sus géneros , y , por otro, el de la necesario propaganda puesto que había que ganar al enemigo, especialmente, al japonés. Así que de esta combinación entre el musical americano, la comedia intrascendente pero de carácter romántica  y la exigible propaganda surge  The Sky's The limit (1943), aquí conocida como El límite es el cielo, una película para la gloria de Fred Astaire cuando éste ya había roto su relación profesional con la pareja con la que había alcanzado el estrellado en la gran pantalla, Ginger Rogers. 

The Sky's The Limit es una película ni  romántica , pero también una comedia y un musical del año 1943 protagonizada por Fred Astaire y Joan Leslie, que cuenta con la música de Harold Arlen y las letras del gran Johnny Mercer. 

La película fue dirigida por uno de los directores artesanos hollywoodienses, Edward H. Griffith, y la película fue producida por David Hempstead y Sherman Todd, pero distribuida por la RKO Radio Pictures. El guion fue de Frank Fenton y Lynn Root aunque se basa en un argumento de William T. Ryder. Se rodó en los RKO Studios. 

El protagonista es Fred Astaire que interpreta a un piloto de Flying Tiger que se encuentra con unos días de permiso en su país para ser protagonista en los desfiles multitudinarios y patrióticos que han de llebvarle de la costa este a la Este, desde San Francisco a Nueva York pasando por Salt Lake City. Robert T. Smith, un verdadero ex piloto de Flying Tiger con licencia antes de unirse a las Fuerzas Aéreas del Ejército, fue el asesor técnico de la película. 

La comedia está a cargo de Robert Benchley (en la que fue su segunda aparición en una película de Astaire) y Eric Blore, un incondicional de las primeras películas de Astaire-Rogers. 

La película fue un cambio inusual para Astaire, que causó cierta consternación entre los críticos de cine y los fanáticos de la época, aunque no lo suficiente como para evitar que la película tuviera un buen desempeño. Aparte del baile (que incluye la famosa interpretación en solitario del clásico "One For My Baby (And One More For The Road)", descrito por Astaire como "la mejor canción escrita especialmente para mí"), el guion le proporcionó su primera oportunidad de actuar en un papel dramático serio, y uno con el que sus habilidades interpretativas quedaron más que demostradas. 

Aquí aparece cantando y bailando junto a Joan Leslie, la que había sido habitual compañera de James Cagney, una ex-niña prodigio, en Yankee Dosdie Dandy. 

La película comienza presentando a la cuadrilla voladora de Fred Atwell (Fred Astaire), que lucha en el Pacífico contra los cazas y bombarderos japoneses. El teniente Fred Atwell, es uno de los más galardonados pilotos, un as de los Tigres Voladores, y junto a sus camaradas Reginald Fenton (Robert Ryan) y Richard Merlin (Richard Davies) , que tienen casi el mismo éxito, regresan a San Francisco para un desfile y unas "vacaciones" de diez días. 

El único problema es que se espera que pasen todo el tiempo en una gira nacional para levantar la moral. Fred se baja del tren cuando éste se dirigía a Salt Lake City en una parada rural para buscar algo de diversión. Finalmente, termina en la ciudad de Nueva York. 

Aunque va vestido de vaquero se introduce en él y allí dentro ve a una hermosa mujer, Joan Manion (Joan Leslie), en un club nocturno. Al escuchar a escondidas, se entera de que es una fotógrafa de periódico cansada de tomar fotografías de celebridades. Sus súplicas para que la encarguen en una zona de guerra caen en saco roto. A su jefe, el editor de periódico Phil Harriman ( Robert Benchley ) , le gusta ella tal como es: cerca para poder intentar desgastarla y persuadirla para que se case con él. 

Fred, que se da el apellido "Burton" para ocultar su identidad, la corteja de una manera molesta y persistente, llegando incluso a alquilar una habitación en el edificio en el que ella vive y entrando por el tejado en su cocina por la mañana para prepararle el desayuno. 

Con el tiempo, ella empieza a simpatizar con él, a pesar de lo que considera una falta de ambición por su parte; no parece tener ni querer un trabajo. 

Ella le permite que la invite a una cita, aunque lo lleva a un comedor abarrotado, donde ella hace trabajo voluntario entreteniendo a los militares cantando para ello. Cuando un artista cancela con poca antelación, reclutan a Joan para cantar un número. Fred se invita a sí mismo a cantar y bailar con ella; en el proceso, se encuentra con sus compañeros pilotos. 

Mientras Richard baila con Joan, Reginald se divierte chantajeando a Fred para que haga un baile de serpiente sobre la mesa a cambio de no revelar quién es en realidad, haciendo el ridículo ante los ojos de Joan y de todos los asistentes en general, hasta que un policía militar le insta a bajarse de la mesa sobre la que baila. 

Joan se esfuerza por conseguirle un trabajo a Fred. Cuando se entera de que alguna vez trabajó como reportero, puesto que él confiesa ser periodista, organiza una entrevista con su jefe, Phil. Fred, que ya se le acaban las vacaciones, pasa el tiempo dándole consejos a Phil sobre cómo conquistar a Joan, e incluso organiza una cena romántica en el ático de Phil con la ayuda de su mayordomo, Jackson. Phil comete un grave error y luego le revela a Joan lo que Fred ha estado haciendo. 

El plan de Fred funciona y termina cenando esa noche con Joan en el ático de Phil. Joan derrocha encanto y le propone matrimonio a Fred, dejándolo en una posición incómoda. Más tarde, Reginald le informa a Fred que su licencia se ha acortado; solo les quedan dos días más. 

Como Fred todavía no tiene trabajo, Joan lo lleva a un banquete en honor al fabricante de aviones Harvey J. Sloan. Le presenta a Fred al Sr. Sloan, pero en lugar de causar una buena impresión como había prometido, critica el rendimiento del avión de combate construido por Sloan. Cuando Joan se entera, rompe con él. 

Después, Phil invita a Fred a un bar cercano, donde le revela que ha descubierto su verdadera identidad. Fred le pide que lo mantenga en secreto. Fred se emborracha, cantando a los camareros mientras va de bar en bar "One for My Baby", incluso bailando claqué en una mesa de bar y rompiendo docenas de vasos de bebida en el proceso. 

Al día siguiente, Phil hace un último intento para conseguir que Joan se case con él. Cuando eso falla, la envía al aeródromo a Australia para tomar fotografías de los pilotos que regresan a la lucha en el Pacífico, sabiendo que Fred estaría allí. Allí ve a Fred con su uniforme, donde todo se le aclara. 

Los dos se abrazan, y Fred le profesa su amor a Joan, justo después de subir al avión para despegar acabando así la película. 

La trama se tomó de un artículo del Saturday Evening Post sobre una atractiva joven de Texas que era asistente/empleada/(¿amante?) de un hombre mayor que era prominente en los círculos literarios de la ciudad de Nueva York. En la historia, la joven deja su glamoroso trabajo para casarse con un joven que se va a la Segunda Guerra Mundial. Este personaje se modifica bastante para que encaje con Fred Astaire en la película. 

Parece ser que Fred Astaire reclamó que su compañera de baile fuese menos experta que Ginger Rogers y que tenga una estatura menor que la de él. Joan Leslie, cuando baila a su lado, usa zapatos de tacón muy bajo y ocupa ante la cámara una posición secundaria. Todos los bailes fueron coreografiados y acreditados solo a Astaire, un cambio inusual para él, ya que generalmente trabajaba con colaboradores. Lo que no es inusual es la selección de rutinas de baile, que es la fórmula estándar de Astaire de una rutina cómica en pareja, una rutina romántica en pareja y un solo de "calcetines", cada uno de los cuales está integrado en la trama. 

En cuanto a las canciones y los bailes destacan todos. La canción "My Shining Hour" es una balada de guerra de Arlen y Mercer, sencilla y con aires de himno, la canción característica de la película, es imitada por Joan Leslie (doblada aquí por Sally Sweetland) con el telón de fondo de una banda cuyos instrumentos están enmarcados con contornos de neón iluminados. Se convirtió en un éxito, aunque lentamente. 

Con "A Lot In Common With You" Fred Astaire se mete en la rutina de canto y baile de Leslie (usando su propia voz esta vez) en el escenario, que se convierte en un baile de claqué cómico competitivo simulado, uno al lado del otro, utilizando una variedad de pasos de salto con una pierna delante de otra, algunos de los cuales habían sido desarrollados para el número de "The Shorty George" en You Were Never Lovelier, pero que no se habían usado. La canción también hace referencia a musicales recientes de Leslie y Astaire al mencionar a James Cagney y Rita Hayworth, respectivamente, la pareja de Leslie en Yankee Doodle Dandy del año anterior y la pareja de Astaire en You'll Never Get Rich de 1941 y la mencionada You Were Never Lovelier de 1942. 

La danza de la serpiente sobre la mesa fue interpretada por Astaire a instancias del personaje de Robert Ryan. 

El baile "My Shining Hour" es un baile romántico en pareja de estilo salón de baile. 

En cuanto al número estrella de la película, One For My Baby (And One More For The Road) señalar que el número tardó dos días y medio en rodarse, tras siete días de ensayos completos. Tras una interpretación de la canción en estado de ebriedad, Astaire baila furiosamente de un lado a otro de la barra, deteniéndose sólo para destrozar estanterías apiladas de vasos y un espejo. 

El primer baile de Astaire borracho fue la rutina cómica "You're Easy To Dance With" en Holiday Inn, pero este solo marca su primera clara desviación de una imagen cinematográfica cuidadosamente elaborada de encanto urbano. El público  se quejó del desperdicio de vidrio, que estaba estrictamente racionado, pero el estudio había adquirido desechos de los fabricantes. Normalmente se habría utilizado vidrio de seguridad hecho de azúcar, pero el azúcar era aún más difícil de conseguir. El uso de vidrio real también era más peligroso, y Astaire recibió varios cortes en las piernas. 

Según los registros de la RKO, la película recaudó 1.410.000 dólares en Estados Unidos y Canadá y 775.000 en otros países, lo que supuso unas ganancias de 625.000 dólares. Tras la liberación de Europa occidental, se estrenó en Francia en 1945 y fueron a verla 671.864 espectadores. 

En la 16 Edición de los Oscar (1944) fue nominada a la Mejor banda sonora (Musical) siendo responsable de ella Leigh Harline y a la Mejor canción, My Shining Hour, de Harold Arlen y Johnny Mercer. 

En cuanto a la crítica, destaca la de Bosley Crowther no le dio demasiada importancia a la película en su reseña de septiembre de 1943 para The New York Times, que empezaba así: "Fred Astaire es un tipo muy delgado, pero ¿por qué enfatizarlo en una película tan delgada que la luz del día se nota por todas partes a su alrededor? Sólo la luz del día y Joan Leslie, eso es todo... Aparentemente están teniendo problemas para encontrar más que parejas de baile para el señor Astaire. También están teniendo problemas para encontrar historias. No tiene ni lo uno ni lo otro en esto…” 

Michael Phillips reevalúa la película en su crítica para el Chicago Tribune, publicada en julio de 2014 y actualizada en junio de 2018 señalando que “…un artefacto revelador y agridulce de la era de la Segunda Guerra Mundial, sorprendentemente lúcido sobre el romance efímero (incluso si es amor verdadero) y los yanquis que volaban de noche y de día, de verdad, muchos de ellos muriendo en el trabajo… El personaje atípicamente cínico de Astaire tiene un reloj en marcha y mucha vida por delante. Cuando las cosas no parecen funcionar… se suelta con un sorprendente solo de claqué alimentado por la rabia y el alcohol, ambientado en el gran lamento de Harold Arlen/Johnny Mercer, “One for My Baby”… (la banda sonora) incluye “My Shining Hour”, una de las baladas más elegantes de todos los tiempos de guerra… La película logra cumplir con sus deberes patrióticos actuales de una manera que se siente fresca, urgente y honesta acerca de su tiempo y lugar”.  Toda la música es interpretada en la película por Freddie Slack y su orquesta. El director musical de la película fue Leigh Harline, siendo los directores artísticos los habituales en la RKO o es decir Albert S. D: Agostino y Carroll Clark. Los del set fueron Darrell Silvera y Claude Carpertier, omnipresente es en cualquier película de la RKO del momento. 

Ya en España, en Fotogramas se dice que es "Un musical menor pero no carente de atractivos que supuso la despedida de Fred Astaire de la RKO, la marca que le unió con Ginger Rogers en sus films más populares. La coreografía del propio protagonista, así como las excelentes canciones de Harold Arlen y Johnny Mercer, constituyen sus principales atractivos. La funcional realización da cierta unidad al conjunto. Y añade la redacción de Fotogramas que era "Un musical menor pero no carente de atractivos que supuso la despedida de Fred Astaire de la RKO, la marca que le unió con Ginger Rogers en sus films más populares. La coreografía del propio protagonista, así como las excelentes canciones de Harold Arlen y Johnny Mercer, constituyen sus principales atractivos. La funcional realización da cierta unidad al conjunto. La música, de Leigh Harline ("Me siento rejuvenecer", H. Hawks, 1952), combina composiciones rítmicas, de viento y percusión, que se transforman en melodías de cuerdas en los momentos más románticos. La fotografía, de Russell Metty ("El extraño", O. Welles, 1946), en B/N, sobria y exenta de adornos, realza el humor visual y el baile. Es uno de los mejores musicales de los años 40. 

La película estaba destinada a sostener la moral ciudadana y animar a la población civil a contribuir al esfuerzo de guerra con aportaciones económicas. El film censura a quienes viven, con egoísmo, al margen del conflicto. Ironiza sobre las grandes corporaciones industriales que se benefician del conflicto fabricando material bélico, del que desconocen todo lo que deberían saber, en especial en relación a sus deficiencias de diseño y fabricación.

La coreografía de los números de baile es magnífica, especialmente la que acompaña a la primera canción, que evoca infelicidad y frustración. La obra refleja un ambiente más relajado y distendido que el de películas anteriores de Astaire. El guion elabora un relato sucinto y sencillo y dedica un simpático recuerdo a Ginger Rogers. Un clásico de la Edad de Oro del musical, pero no exento de pinceladas patrióticas dadas las tristes circunstancias de esas fechas. 

Swing Time

Película para la gloria de la eterna pareja de baile de los años 30 integrada por Fred Astaire y Ginger Rogers y que en español llevaba por título En alas de la danza.

EC: En construcción

Sombrero de copa

A veces no dejo de sorprenderme con mis hijos. Anoche, a eso de las 1:30 de la madrugada, estaba viendo Sombrero de copa , conocida internacionalmente como Top Hat, un musical que también funciona como comedia románica estadounidense, del año 1935 , dirigido por Mark Sandrich (1900 - 1945), con música y letra de Irving Berlin y con Fred Astaire y Ginger Rogers en los papeles principales. En eso llegó uno de mis hijos procedente de una fiesta y nada más entrar le dije que la película que estaba viendo merecía la pena aunque fuese por ver un número musical y una canción, la de Cheek to cheek. En eso mi hijo me dijo. Claro, yo conozco la canción. Sale en un par de momentos en la película La Milla Verde, tanto en la prisión como al final de la misma. Me quedé de piedra. Era verdad. Eso es ver cine e integrarlo en la memoria. 

Y es cierto . Yo tenía ganas de ver Top Hat del director Mark Sandrich, un director de corta, pero intensa carrera, ya que murió muy joven, a los 45 años, pero especializado en comedias y musicales, algunos de ellos interpretados por la pareja que más trascendencia ha tenido en el mundo del musical y baile como son Fred Astaire y Ginger Rogers - Fred y Ginger- , precisamente por esta canción.

En 1940, Sandrich dejó la RKO para marchar a la Paramount , que le ofreció una oportunidad de ser no sólo director, sino también un productor. Sandrich hizo varias películas exitosas con estrellas rutilantes de la interpretación y comedia y cantantes de la talla de Bing Crosby y el mismo Fred en la mítica Holiday Inn de 1942 y con música de Irving Berlín , donde sonó por primera vez " White Christmas " , el single más vendido de todos los tiempos. Holiday Inn tuvo una continuación llamada Blue Skies , protagonizada por Bing Crosby y con la música de Irving Berlín. 

Mientras preparaba la película Mark Sandrich - que en ese momento era presidente del Gremio o Academia de de Directores- murió repentinamente de ataque al corazón a la edad de 45 años. En el momento de su muerte, Mark Sandrich estaba considerado como uno de los directores más influyentes de Hollywood. 

Para 1935, Sandrich estaba trabajando para la RKO Radio Pictures. Y allí entró en contacto con uno el hijo de Henry Berman, el que fuera director general de la Universal Pictures durante los años de inicio del cine en Hollywood . 

Se trataba de Pandro S. Berman, también judío como el director. Pandro fue asistente de dirección durante la década de 1920 bajo Mal St. Clair y Ralph Ince . 

En 1930, Berman fue contratado como editor de cine en la RKO Radio Pictures , y luego se convirtió en un asistente de producción. Cuando el productor supervisor de RKO, William LeBaron dejó su puesto durante la producción de la fallida The Gay Diplomat (1931), que intentaba presentar a Ivan Lebedeff como el nuevo Valentino, y que fue vapuleada por la crítica y el público, siendo el mayor fracaso económico de la año 30/31 para la Compañía , Berman se hizo cargo de las responsabilidades de LeBaron, permaneciendo en el puesto hasta 1939.

Después de que David O. Selznick se convirtiera en jefe de producción de RKO en octubre de 1931, Selznick nombró a Berman productor para la adaptación de algunas películas entre ellas Symphony of Six Million de 1932 dirigida por Gregory La Cava . Para la misma el productor contó con el jefe del departamento de música de la RKO Max Steiner para introducir en la misma música sinfónica a lo largo de la película, algo que era innovador. 

Ello llevó a la RKO a contar con el tándem Berman / Steiner para sus siguientes proyectos de comedias con dos de los actores que más brillaban en ese momento: Fred Astaire y Ginger Rogers e. En eso surgió Top Hat.  

La historia después colocará a Berman , tras su pasó por la Metro en 1940, en el Olimpo de los productores ganando en 1976 el Irving G. Thalberg Memorial Award y designando a seis de sus películas como nominadas al Premio de la Academia de Mejor Película : The Gay Divorcee (1934), Alice Adams y Top Hat (1935), Stage Door (1937), Father of the Bride (1950) e Ivanhoe (1952). Todo un mérito. Berman murió de insuficiencia cardíaca el 13 de julio de 1996 en su casa de Beverly Hills , a los 91 años. 

Pues bien, Pandro convenció a la productora, la RKO Radio Pictures, para que invirtiera en la película más de medio millón de dólares, unos $ 609,000. 

Volviendo a la película que pude ver anoche decir que el guión - sí, con tilde, no puedo con la norma de la RAE sobre tildes de 2010, es una tontería y no lo acepto- del que hablaré más tarde, el productor y el director contarón con la participación de Allan Scott, Dwight Taylor, Ben Holmes , Ralph Spence y Károly Nóti (aunque éste sin acreditar). Para inspirarse partieron de un par de obras de 1933 y de dos escritores húngaros, Escándalo en Budapest de Sándor Faragó y Una chica que se atreve de Aladar Laszlo. 

En el apartado musical y en gran medida el éxito de la película se debe a la intervención de Irving Berlin compositor de las letras de las canciones y Max Steiner encargado de la partitura. Ambos ya había trabajado tanto con Berman como con Sandrich y lo seguirán haciendo después. La magnífica fotografía en blanco y negro fue de David Abel, mientras que el montaje fue labor de William Hamilton. 

El reparto lo encabezan la pareja formada por Fred Astaire como Jerry Travers y Ginger Rogers como Dale Tremont. Junto a ellos se encuentran Edward Everett Horton como Horace Hardwick, Erik Rodhes como Alberto Beddini, un diseñador de modas y rival por los afectos de Dale, Helen Broderick como Madge Hardwick, esposa de Hardwick y Eric Blore como el criado de Hardwick, Bates. Igualmente en la película aparecen Lucille Ball como la florista, Gino Corrado como el gerente del hotel en Venecia, Leonard Mudie como el vendedor de flores, Dennis O'Keefe como un pasajero del ascensor pasajero y Bailarín y Tom Ricketts como camarero del Thackeray Club del inicio de la película que está sin acreditar. 

La historia se inicia en un club privado londinense, el Thackeray Club , en el que un grupo de hombres todos tocados con sombrero de copa, Top Hat, están fumando y leyendo la prena en un riguroso silencia. 

Uno de los que se encuentran allí, esperando una cita concertada es un bailarín estadounidense llamado Jerry Travers (Fred Astaire). Está a la espera de entrevistarse con el productor de su nuevo espectáculo, Horace Hardwick (Edward Everett Horton). 

En la espera el se mueve en la silla, algo que incomoda a los presentes. Al poco se persona el señor Hardwick. Para hablar salen de la silenciosa y humeante sala. A la salida el bailarín y astro de la comedia musical americana se pone en la puerta y claquea con sus zapatos en el suelo, llamando la atención de todos. 

Al salir el productor le dice a Jerry Travers que se instalará en su propia habitación. Tras eso suben a la habitación del hotel londinense donde reside el productor. Allí tras mostrar las disputas que el señor tiene con su valet por la adecuación de una pajarita negra en el chaquet (como sostiene el criado y lleva Jerry) o blanca sobre el mismo (como dice el productor) deciden tomarse una copa canta e inicia un número de baile, realmente una rutina de baile , que molesta el sueño de una joven llamada Dale Tremont (Ginger Rogers), que se aloja en la habitación de abajo. 

Ella llama a la dirección del hotel que a su vez llama al señor Hadwick que baja para recibir la información. En eso sube la chica y ve que el que está bailando es un joven bailarín, pero ella cree que está viendo a Horace Hardwick. Sin embargo, es Jerry que , impactado por la belleza de la chica, se enamora perdidamente de la chica. De hecho al regresar el productor a la habitación se da cuenta de que Jerry tira arena en el suelo para no hacer ruido y permitir que descanse dulcemente la chica.

Desde ese momento la película va combinando los equívocos entre Jerry y Dale, en los que se involucran igualmente el señor y la señora Hadwick (Helen Broderick),- ya que Madge y su marido, Horace, pasan largos períodos viviendo vidas separados - y en el que también participan como personajes en contrapunto, el diseñador de moda italiano, Alberto Beddini (Erik Rodhes), y el valet o mayordomo de Hadwick, Bates (Eric Blore). 

A la mañana siguiente Jerry se cruza con la chica, que resulta ser una bella modelo dotada para el baile y que , como sabemos, se aloja en la habitación de abajo. Ella le toma, erróneamente, por Hardwick y, tras irse de paseo, él que procede a perseguirla por todo Londres, intenta impresionar a Dale Tremont ( Ginger Rogers ) para ganar su afecto. 

Al regresar al hotel pensando que es Hadwick, al enterarse que está casado con una amiga suya, Madge (Helen Broderick), le rechaza y le repudia, aunque él sigue enamorada de él , y viceversa. 

Tras el éxito de la noche de estreno de Jerry en Londres, Dale decide viajar con su jefe, el modisto italiano Alberto Beddini, a Venecia. 

Allí en Venecia , visita a su amiga Madge y promociona los vestidos creados por Alberto Beddini, un diseñador de moda italiana. 

Tras el reencuentro con el bailarín en el mismo hotel en el que están alojados el señor y la señora Hadwick aunque en habitaciones separadas y Jerry. Éste le propone a Dale, quien, aun creyendo que Jerry es Horace, está disgustada por ser el marido de su amiga pueda comportarse de esta manera y , además, le proponga casarse con ella. 

Como la confusión va a más ella, por despecho, y le molesta tanto que acepta en cambio casarse con Alberto. Afortunadamente, Bates ( Eric Blore ), el valet inglés de Horace, y al que le gusta disfrasarse, en este caso se disfraza de sacerdote y dirige la ceremonia religiosa de la boda. 

Lo cierto es que Horace había enviado a Bates para vigilar a Dale. Como la confusión va a más ella, Jerry al enterarse del enredo decide cederla a la pareja la habitación que ocupa, la suite nupcial, y en esa ceremonia de la confusión en la que participan los Hadwick, el modisto italiano y Bates, en un viaje en góndola , Jerry logra convencer a Dale de quién es, de los errores que ambos han cometido, aclarando todo. 

Mientras son perseguidos por los Hadwick conjuntamente con Alberto Beddini aunque su barca queda sin gasolina en mitad del canal. 

Tras el regreso de la pareja de enamorados al hotel donde la confusión anterior se aclara rápidamente y tras meterse Bates en un lío con la policía local, pensando que no lo entiende, la pareja reconciliada baila en el atardecer veneciano, siguiendo la melodía de "El Piccolino" y acabando así la película. 

Top Hat comenzó a filmarse el 1 de abril de 1935 en los Estudios Gower de la RKO y , según la ImbD en los enormes Paramount Studios sitos en el 5555 Melrose Avenue de Hollywood, Los Ángeles. Costó $ 620,000. El rodaje terminó en junio .

Hubo una época en la que el musical reinaba en la Warner con Busby Werneley. Ete se centraba en el papel de la belleza femenina, en una especied e quiero mostrar y no puedo. La Metro Goldwyn Mayer tomó su relevo buscando sobre todo la espectacularidad que emanaban de los montajes escénicos , en gran medida teatrales, de Florenz Ziegfield, un héroe inolvidable del género mitificado por la misma compañía cinematográfica.

Una vez triunfado el sonoro, la Metro recuperó su viejo lema de dar al espectador "más por su dinero", y aplicó a sus musicales lo mismo que a su producción en general: grandes repartos, presentaciones opulentas y prestigio que se concretarían en imágenes gigantescas destinadas a deslumbrar al público. Y se jactaban las producciones de presumir de más escaleras, más vestuario y más espejos que cualquier otro estudio. Es lo que Pauline Kael en su "5.001 Nights in movies" confundir el glamour con el estilo. Lo curioso es que no fue en la Metro, sino en la Paramount donde el ejemplo a imitar, el de Ziegfield, hizo sus únicas incursiones en el cine.

No obstante, tampoco fue la Paramount la que se llevó el gato al agua en los primeros musicales, sino la RKO, una pequeña empresa, la que dio con la clave del éxito en este género. Y no sólo por lo estrictamente musical, sino por darle vida cinematográfica al Art Decó, un arte que en un  momento dado deslumbró al cine por sus excesos, por su abundancia o exuberancia, y sobre todo por poder contar con dos genios de este género: Fred Astaire y Ginger Rogers.

Una vez que la RKO descubrió el diamante en bruto que suponía esta pareja tras la película Flying down to Rio o Volando hacia Río en 1933, la compañía no dudó en juntarlos cuantas veces hiciera falta. Ello se repitió hasta 1939 siguiendo un mismo esquema: entre baile y baile, entre canción y canción , se conocían, simpatizaban, se peleaban, se perdían   y volvían a encontrase.

Como en una buena comedia americana lo importante era el juego, mientras que la historia era lo de menos. Casi siempre para su suerte, Ginger y Fred,  contaba con la habilidad de un artesano como Mark Sandrich, y el acompañamiento de toda una serie de secundarios - como Eric Blore, Edward Everett Horton ,...- aptos para hacer reír, pero sin llegar a oscurecer nunca la luz que desprendía la pareja.

La pareja estaba formada por dos personalidades que, según Terenci Moix, en su Historia del Cine, volumen II, que estaban perfectamente encajadas. A esto se sumaba el cómo estaban montados sus espectáculos y a la facilidad que tenían para que sus números de baile, se transformaran en un asunto de estado.

Ella era intuitiva para la comedia  y podía llegar a ser impertinentemente enérgica, mientras que él era elegante y clásico, lleno de gracia y dotado para la belleza de la danza. Juntos sabían desenvolverse hasta conseguir un estilo. Según señalaba John Kobal "El genio ( de esos artistas) consiste en hacer solo lo que parece natural - ya sea bailar, actuar o cantar-; lo que al hacerlo ellos, parece tan fácil que está al alcance de cualquiera. 

No obstante eran humanos. Ginger Rogers encontró a Mark Sandrich bastante frío y cruel. Ella relató la historia de cómo él le instó un día para "tomar algunas lecciones de baile, de canto, y de actuación." Ella dijo que finalmente tuvo que hablar con el productor Pandro S. Berman para que intercediera en su nombre, pero que Sandrich nunca la aceptó ni le gustó. Eso sí, como ocurre con muchos musicales los zapatos de Ginger Rogers tenían que cambiarse con frecuencia, porque a menudo estaban llenos de sangre, debido a múltiples tomas de escenas de danza. 

El vestido que Ginger Rogers usó en el número Piccolino está de exhibición en el Museo Nacional Smithsoniano de Historia Americana en Washington, DC. 

Las primeras proyecciones públicas se realizaron en julio. Tras las mismas hubo algunos cortes de aproximadamente diez minutos, principalmente en la última parte de la película: la secuencia de carnaval y el desfile de góndolas que habían sido filmadas para mostrar el enorme conjunto fueron muy recortadas. Fueron escenas con los personajes de Donald Meek y Florence Roberts. 

Una de las últimas escenas en las que Eric Blore insulta a un policía, todavía está presente en algunas versiones como la versión de video de la RKO Collection de Turner Home Entertainment. 

Otros cuatro minutos fueron cortados antes de su estreno definitivo en el Radio City Music Hall, donde rompió todos los récords de taquilla, pasando a obtener unos $ 3 millones brutos en su lanzamiento inicial, y convirtiéndose en la película más rentable de RKO de los años 1930. Después de Mutiny on the Bounty , hizo más dinero que cualquier otra película lanzada en 1935. 

Cuando the Hays Office , la del famoso y penoso Código "moral" Hays se enteró de que varios actores, que eran conocidos en la industria de ser gay, habían sido contratados en esta película, enviaron una advertencia concisa a RKO Studios. Particularmente se referían a Erik Rhodes y Edward Everett Horton , y se les advertía que deberían "evitar cualquier idea de que los actores tengan un pensamiento o una escena en ese sentido". La caracterización italiana de Erik Rhodes ofendió tanto al gobierno italiano -y al dictador Benito Mussolini en particular- que la película fue prohibida en Italia. El mismo destino sucedió a La alegre divorciada (1934) el año anterior. 

Dwight Taylor fue el guionista principal. Fue guión escrito expresamente para la pareja formada por Astaire y Rogers, que según Andrés Arconada no se soportaba. Astaire al ver el guión original de Taylor reaccionó negativamente , quejándose de que "estaba modelado siguiendo el modelo de la fracasada The Gay Divorcee ". 

Así que el guión pasó a Allan Scott , para quien esta película fue su primer gran proyecto, y que iba a intervenir en las seis películas que integraban al dúo formado por Astaire-Rogers, siendo contratado Scott para hacer las reescrituras, quedando Sandrich como editor de guiones y asesor de todo. La Hays Office insisté en que la intervención de Scott en el guión se ciñó a pequeños cambios, incluyendo probablemente la más citada línea de diálogo de la película: el lema de Beddini: "Para las mujeres el beso, para los hombres la espada" y que originalmente pudo ser: "Para los hombres la espada , para las mujeres el látigo " después de que los censores objetaron. Se hicieron cambios significativos en el guión original para reforzar el personaje de Fred Astaire . 

Astaire se quejó de que su parte era juvenil y arrogante, sin encanto ni humor. Observó que una vez en el Lido, su papel "se disolvía en prácticamente nada". Las escenas se agregaron para añadir más intensidad al personaje de Astaire dándole más profundidad más grande. También se opuso firmemente a dos momentos en el guión donde Ginger Rogers fue llamado a darle una bofetada en la cara, pero , finalmente, aparecen. 

De cualquier manera, el agente siempre se quejó de que la película no tenía ninguna historia verdadera o trama. 

La relación entre Scott y la Rogers nunca llegó a ser del todo satisfactoria. A Allan Scott no le gustaba trabajar con Ginger Rogers . Prefería escribir para "actrices de teatro que se tomaban en serio su arte", como Claudette Colbert o Greer Garson , y estaba dispuesta a reescribir su trabajo para acomodar sus ideas y preocupaciones. Él recordó: "Hubo un tiempo con Ginger, por otro lado, en el que llegó a ser todo una broma." Dijo: "Hay algo radicalmente mal en ello". Y tenías que bajar y ver lo que podías hacer. Scott consideraba que Rogers estaba tenía problemas con una línea simplemente porque ella no se la había estudiado, y generalmente había estado "bailando " la noche anterior. Scott usó el término "radicalmente equivocada" para referirse a Ginger durante algún tiempo. 

En una entrevista con Lee Server entre éste y uno de los  guionistas de la película Allan Scott este recoge en su libro Words Become Pictures (Main Street Press, 1987), que Fred Astaire era "un esnob". 

De su papel en la creación de Top Hat , el guionista Taylor recordó que con Sandrich y Berlín que compartió "una especie de emoción infantil. Cuando me fui RKO un año más tarde, Mark me dijo: "Nunca más verás tanto de ti mismo en la pantalla". 

En el lanzamiento de la película, el guión fue criticado por muchos críticos, que alegaron que era simplemente una reescritura de The Gay Divorcee , siguiendo un poco lo que pensaba Fred Astaire. 

En cuanto a la música esta fue la primera partitura completa del compositor Irving Berlin desde 1930 y negoció un contrato único, conservando los derechos de autor de la partitura con una garantía del diez por ciento de los beneficios si la película ganaba más de $ 1.250.000. Berlin, cuyo verdadero nombre era en ruso, Israel Beilin, está considerado uno de los mejores compositores de la historia de Estados Unidos. Su música forma una gran parte del Gran Cancionero Americano . Era amante de componer canciones que fuesen sencillas y directas, con su objetivo declarado de "llegar al corazón del americano medio", a quien consideraba "el verdadero alma del país". Era una leyenda antes de cumplir treinta años; y durante sus 60 años de carrera escribió unas 1.500 canciones estimadas, incluyendo las partituras para 20 programas originales de Broadway y 15 películas originales de Hollywood . 

Berlin para Top Hat compuso ocho canciones de la partitura original , de las que algunas fueron descartadas ya que no se consideraron para avanzar en la trama de la película. Uno de estas canciones, "Get Thee Behind Me, Satan", también se usó en Follow the Fleet (1936). Las cinco canciones eventualmente seleccionadas se convirtieron en grandes éxitos y, en la emisión del 28 de septiembre de 1935 de Your Hit Parade , los cinco figuraban entre las quince canciones seleccionadas para esa semana. 

Astaire recordó cómo este éxito ayudó a restaurar la autoconfianza de Berlín. Astaire nunca había trabajado con un músico como Berlín antes de esta película, aunque había bailado en el escenario algunas de sus canciones ya en 1915. Allí surgió una amistad de por vida con Berlín contribuyendo a más películas de Astaire (seis en total) que cualquier otro compositor. 

De su experiencia con Astaire en Top Hat Berlin escribió: "Es una verdadera inspiración para un escritor, nunca habría escrito Top Hat sin él, te hace sentir tan seguro". 

Como Berlín no podía leer ni escribir música, y sólo podía escoger melodías en un piano especialmente diseñado que transponía las teclas automáticamente, requirió un ayudante para hacer sus partes de piano. Ese fue Hal Borne - el pianista de ensayo de Astaire - realizó este papel en Top Hat y recordó que trabajaba noches con él en el Hotel Beverly Wilshire: "Berlín con la famosa Cheek to cheek había empezado a escribir' Heaveno ...' y siguió con un 'I´m in heaven'. Estas partes fueron posteriormente orquestadas por un equipo compuesto por Edward Powell, Maurice de Packh, Gene Rose, Eddie Sharp y Arthur Knowlton, quienes trabajaron bajo la supervisión de la supervisor general de la RKO , el mítico Max Steiner. 

El papel de Steiner en la película fue el de dirigir y arreglar "musicales", actividad que compaginó con la composición original. 

Berlín rompió una serie de convenciones de composiciones estadounidenses en esta película, especialmente en las canciones " Top Hat, White Tie y Tails " y " Cheek to Cheek ", y, según Rogers, la película se convirtió en modelo de composición para el cine de Hollywood en lo musical. 

En cuando al conjunto para la película fue labor de lo que se conoce como el Big White Set - un conjunto inspirado en el Art Deco muy al gusto del Hollywood de la época, especialmente del comedia y los musicales tan significativos de la RKO y la Paramount ue implicaron el mayor gasto en los costos de producción de la película. 

Entre lo diseñado, además de las puertas de las habitaciones del hotel y su mobiliario destaca el falso canal sinuoso - cruzado por dos puentes curvados en un extremo y un puente plano en el otro - que fue construido a través de dos etapas. Astaire y Rogers bailan a través de este puente en un plano de "Cheek to Cheek". Alrededor de la curvatura de este puente se encuentra la plaza principal, un escenario gigante revestido en baquelita y que fue el escenario para el baile final y multitudinario del "El Piccolino". Esta representación fantástica del Lido de Venecia estaba en tres niveles que incluían pistas de baile, restaurantes y terrazas, todas decoradas en colores de caña de azúcar, con las aguas del canal teñidas de negro. Los amplios interiores venecianos eran igualmente falsos, reflejando en su lugar los últimos gustos de Hollywood. El conjunto del canal de Venecia era tan grande que necesitaba dos equipos de sonido en el estudio Gower de la RKO. La longitud total era más de 300 pies. Hasta ese momento era el conjunto más grande jamás construido en el RKO. 

En este sentido, un papel esencial será el jugado por Carroll Clark, quien trabajó bajo la supervisión general de Van Nest Polglase, el director de arte de la unidad en todas menos una de las películas de Astaire-Rogers y dirigió el equipo de diseñadores responsables del decorado y el mobiliario de Top Hat . 

Aunque Bernard Newman estaba nominalmente a cargo de vestir a las estrellas, la propia Ginger Rogers estaba muy interesado en el diseño del vestido y el maquillaje. Para la rutina "Cheek to Cheek", estaba decidida usar una creación propia : "Estaba decidida a llevar este vestido, ir al infierno o al agua, y ¿por qué no ?, se movía muy bien. El equipo estaba dispuesto a tomar partido, en particular, en mi contra . Al menos mi madre estaba allí para apoyarme en la confrontación con toda el equipo, en ocasiones teniendo en contra a Fred Astaire y Mark Sandrich ", declaró una vez. 

Debido a la enorme labor de costura de cada pluma de avestruz en el vestido, Astaire -que normalmente aprobaba los trajes de su compañera y sugirió modificaciones si era necesario durante los ensayos- vio el vestido por primera vez el día del rodaje quedó horrorizado por la forma en que arrojaba nubes de plumas en cada cada giro y cada vuelta, recordando más tarde: "Era como un pollo atacado por un coyote, nunca vi tantas plumas en mi vida". 

Aunque oficialmente sin acreditar, es universalmente reconocido que Fred Astaire era el coreógrafo principal para esta película. Hermes Pan estaba a cargo de grandes números de producción. Él y Astaire trabajaron los otros bailes, y Pan ensayaba junto a Ginger Rogers. 

Una vez, según el coreógrafo Hermes Pan , Astaire perdió la paciencia y gritó a Rogers, quien inmediatamente se echó a llorar, luego su madre, Lela, "vino como una madre rinoceronte protegiendo a sus crías". Ante esto , durante una noche de trabajo adicional de las costureras contratadas resolvió parte del problema, sin embargo, un examen cuidadoso del baile revela plumas flotando alrededor de Astaire y Rogers y caídas en la pista de baile. 

Más tarde, Astaire y Pan se presentaron ante Rogers con una pluma de oro para su brazalete. A partir de entonces, Astaire apodó a Gigers Rogers "Feathers" o "Plumas" - también un título de uno de los capítulos de su autobiografía - y parodió su experiencia en una canción y una rutina de baile con Judy Garland en Easter Parade (1948). 

Astaire también eligió y proporcionó su propia ropa. Él es ampliamente reconocido por ser lo que hoy sería un "influencer" o por influir en la moda masculina del siglo 20. Fred Astaire supervisó todos los aspectos del desarrollo de un número de danza desde la orquestación hasta el rodaje final y la edición. Él era particularmente inflexible sobre cómo un número debe ser filmado. No le gustaba interrumpir el flujo de la danza con ángulos de cámara inusuales, cortes en la cara o los pies del bailarín, o tiros de reacción de la gente mirando. 

La coreografía, en la que Astaire fue asistido por Hermes Pan , se ocupa principalmente de las posibilidades de utilizar la pieza metálica , conocidas como " grifos ", para hacer tanto ruido como fuese posible. Por eso en esta película se usan grifos mucho más gruesos de lo habitual para crear sonidos más audaces y más fuertes. 

En la película, Astaire sufre de lo que Rogers llama una "aflicción": "De vez en cuando de repente me encuentro bailando". Astaire introduce el motivo del toque de la película cuando hace estallar una presa en los somnolentes miembros de un Club de Londres. 

Hay ocho números musicales y de baile en la película. En la "secuencia de apertura", después de que el logotipo RKO aparece, Astaire, que se muestra sólo desde la cintura para abajo, baila en un piso de piso pulido, respaldado por un conjunto de piernas de bailarines masculinos que no se mueven, y en la que se incorporan las piernas de Ginger Rogers. Al detener su nombre aparece, Rogers bailando que le sigue y los dos bailan juntos cuando el cuadro se disuelve para revelar un sombrero de copa. Un concepto similar fue utilizado en la secuencia inicial de The Barkleys of Broadway (1949). 

El segundo baile corresponde con " No Strings (I'm Fancy Free) ". Al retirarse a su suite de hotel, Horton le aconseja que se case. Astaire declara su preferencia por la soltería e inicia una canción . Este número fue obra del guionista Dwight Taylor y se encuentra en sus primeros borradores , surge la canción naturalmente y en medio de la frase. Astaire lo canta dos veces y durante la última frase se pone a mover las piernas, y danza en solitario intensamente y en alto volumen a través de la habitación o golpeando los muebles con las manos. A su regreso al centro de la sala, donde concentra ruidosamente su claque, la cámara avanza para descubrir a Rogers en la cama, despierta e irritada. Mientras que ella telefona y se queda de Horton a la gerencia del hotel, Astaire incorpora más ruido a su rutina con sus grifo . Mientras Horton se va a investigar, Astaire sigue martillando por la suite, durante la cual finge horror al ver su imagen en un espejo - una referencia a su creencia de que la cámara nunca fue amable con su rostro. La rutina termina cuando Astaire, que ahora baila con una estatua, es interrumpido por la entrada de Rogers, una escena que, como en The Gay Divorcee y Roberta , tipifica la forma en que Astaire involuntariamente incurre en la hostilidad o molestia con la Rogers. 

En la siguiente "No Strings (reprise)", Rogers, después del incidente , regresa a su habitación y Astaire toma la tierra de un macetero con la intención de bailar, y se nombra a sí mismo su " sandman ", rociando la arena al suelo ante Horton y permitir dormir a la chica con una danza de arena suave bajando la melodía, en una escena que ha atraído considerable admiración de los comentaristas de danza, y ha sido objeto de parodias e imitaciones. 

En " No es este un día precioso (para ser atrapados bajo la lluvia) ", mientras Rogers está fuera cuando estalla una tormenta y se refugian en un kiosko de música. Astaire la sigue y hablan de una conversación sobre las nubes y la lluvia que pasan pronto y tras ello Astaire realiza una de las creaciones más preciadas de Berlín. Astaire canta a la espalda de Rogers, pero el público puede ver que la actitud de Rogers hacia él se ablanda durante la canción, y el propósito de la danza que sigue es para ella comunicar este cambio a su pareja. La danza es una de flirteo y, según John Mueller, en su libro Astaire Dancing – The Musical Films escrito en 1986 para la editorial londinense de Hamish Hamilton, despliega dos dispositivos coreográficos comunes al minueto clásico: la imitación secuencial (un bailarín realiza un paso y el otro responde) y el tocar. Inicialmente, la imitación es burlona en el personaje, pero luego se vuelve más un intercambio casual, y termina en un espíritu de verdadera cooperación. Hasta los últimos treinta segundos de este baile de dos minutos y medio pareciera que el par se retrae de tocar, luego con un codazo de su codo Rogers invita a Astaire. La rutina, a la vez cómica y romántica, incorpora saltos, el golpecito hace girar y los pasos que se deslizan y arrastran entre sus muchos dispositivos innovadores. El espíritu de igualdad que impregna la danza se refleja en la masculinidad de la ropa de Rogers y en el apretón de manos amistoso que intercambian al final.

Para " Top Hat, White Tie y Tails ", probablemente el más popular de Astaire, la idea de la canción del título proviene de Astaire, quien describió a Berlín una rutina que había creado para obras de Ziegfeld en Broadway, Smiles , Young Man of Manattan ". Berlín produjo debidamente la canción y el concepto construido alrededor de él.

En este número Astaire tuvo que comprometerse en su filosofía de toma única, como Sandrich reconoció: "Hicimos todo lo posible para que el número de" Top Hat "parezca una toma, pero en realidad son varias. La notable habilidad de Astaire para cambiar el tempo dentro de una sola frase de baile es ampliamente presentada a lo largo de esta rutina y llevada a extremos - como cuando explota en actividad desde una postura de silencio completo y viceversa. Esta rutina también marca el primer uso de Astaire de un bastón como apoyo en una de sus danzas filmadas. El número se abre con un coro que pavonea y que se lanza delante de un contexto de una escena de la calle de París. Se abren paso a Astaire, que avanza con confianza al frente del escenario y entrega la canción, que cuenta con la célebre frase: "Estoy saliendo, querida, para respirar una atmósfera que simplemente huele a clase", intercambiando el toque ocasional con el coro mientras canta.

La danza comienza con Astaire y coro moviéndose en el paso. Astaire pronto ataca con un golpe de grifo giratorio y el coro responde tímidamente antes de abandonar el escenario en una secuencia de pasos superpuestos, de cambio de dirección, de enganche y paseos. En la primera parte del solo que sigue, Astaire se embarca en un movimiento rotatorio circular, embellecido con grifos en el que mezcla una serie de pausas impredecibles. A medida que la cámara retrocede, las luces se oscurecen y, en el misterioso pasaje que sigue, Astaire imita una serie de posturas, que van desde la abierta amistad, la cautela, la sorpresa a la prontitud vigilante y la alegre confianza. Jimmy Cagney asistió al rodaje de esta escena y aconsejó a Astaire. El coro vuelve entonces en una postura amenazante, y Astaire procede a despacharlos todos, usando una serie de acciones muy creativas que imitan el uso de un bastón como arma, una ametralladora, un rifle y, finalmente, un arco y una flecha.

En número culminante en la película es Cheek to cheek . Comienza tras ser Giger Rogers animada por Broderick. La canción emerge de la mitad de la oración de Astaire mientras baila con una vacilante Rogers en un piso lleno de gente. Berlín escribió las letra y la música de este clásico d, siendo la canción más larga que escribió. Se aprecia mucho el tratamiento que Astaire hace de la canción: "La melodía sigue subiendo y subiendo, se arrastra.

A medida que navega a Rogers se ve atraído y receptivo y, al final de la canción, bailan "mejilla a mejilla" a través de un puente en una sala de baile desierta cercana. De acuerdo con el análisis de Mueller, el dúo que sigue el más famoso de todos los Astaire-Rogers refleja la complejidad de la situación emocional en la que se encuentran. Ya no es coqueteo, como en "¿No es este un día precioso?". Esta presente el amor. Pero Rogers se siente culpable y engañada y prefiere evitar los avances de Astaire. Por lo tanto, el propósito de Astaire aquí es que ella abandone sus recelos (que son un misterio para él) y entregarse completamente a él. El dispositivo coreográfico introducido para reflejar el progreso de esta seducción es el "backbend" o la contorsión, explotando la espalda excepcionalmente flexible de Rogers.

La danza principal comienza con el primero de dos pasajes breves que reutilizan el dispositivo de imitación secuencial introducido en "Is not This is Lovely Day?". El par gira y se inclina, esquivando hacia adelante y hacia atrás el uno al otro antes de pasar a una posición estándar del salón de baile donde se introducen las primeras sugerencias del backbend . El primer backbend ocurre al final de una secuencia en la que Astaire envía a Rogers en un giro, recoge su escalera y la mueve con un brazo enlazado hacia delante, repite el giro pero esta vez la rodea mientras ella se gira y luego la toma en sus brazos . A medida que la música se vuelve más enérgica, los bailarines fluyen por el suelo y Rogers, moviéndose contra la música, de repente cae en un backbend más profundo, que se repite, aún más profundo aún. La música ahora transita a una recapitulación tranquila de la melodía principal durante la cual la pareja se involucra en una pareja en silencio y tierna, y aquí aparece el segundo pasaje que implica imitación secuencial. Con la música alcanzando su gran clímax, Astaire y Rogers se apresuran hacia la cámara, luego lejos en una serie de audaces y dramáticas maniobras culminando en tres ascensores de salón de baile que muestran el vestido de Rogers antes de abruptamente llegar a un alto en una contorsión final, más profundo , mantenido como la música. Se levantan, y después de un par de vueltas bailando mejilla a mejilla por primera vez desde que comenzó el baile, vienen a descansar junto a una pared. Rogers, habiendo conducido la danza en un estado de abandono onírico, ahora mira con inquietud a Astaire antes de alejarse, como si le recordara que su relación no puede continuar. A estas alturas, Rogers sospecha de la verdadera identidad de Astaire, aunque ninguno de ellos sabe que su matrimonio impulsivo con Rodhes es nulo y sin valor.

Al cenar juntos durante la noche del carnaval en Venecia, y para ayudar a calmar su culpabilidad, Astaire declara: "Comamos, bebamos y nos alegramos, porque mañana tenemos que enfrentarle", que sirve de señal a la música de "El Piccolino", el gran número de producción de la película. Un desfile de góndolas es seguido por la entrada de un coro de baile que realizan una serie de posturas de salón de baile y rutina de patrones coreografiados por Hermes Pan. Berlín, que tuvo que hacer un gran esfuerzo en la canción , la diseñó como un pastiche o mezcla de varias canciones como "El Carioca" de Flying Down a Rio (1933) y " The Continental " de The Gay Divorcee (1934), y la letra comunica su origen falso: "Fue escrito por un gondolero latino / A que se sentó en / su casa en Brooklyn / y miró a las estrellas". Es una canción sobre una canción y ahora Rogers canta a Astaire después de lo cual un coro fuera de la cámara lo repite mientras el conjunto de baile es fotografiado, muy al estilo de Berkeley , desde arriba. La cámara cambia luego a Rogers y Astaire que se centran en el escenario para realizar un baile de dos minutos, todos rodados en una toma, con la coreografía Astaire-Pan haciendo referencia por separado a la melodía básica y al intento de mostrar el amante latino en el acompañamiento. Bailan al acompañamiento a medida que descienden los peldaños y se deslizan por la pista de baile, entonces, cuando entra la melodía, se detienen y realizan el paso Piccolino, que consiste en lanzar los pies hacia el lado del cuerpo. El resto de la danza implica repeticiones y variaciones del paso Piccolino y los pasos de salto asociados con intento de amante, dando lugar a algunas amalgamaciones complejas de los dos.

En la aparición final de la melodía, los bailarines realizan una forma altamente embellecida del paso de Piccolino mientras que viajan lateralmente de nuevo a su mesa, hundiéndose detrás en sus sillas y levantando sus vasos. Después de que todos los actores y actrices de la película con protagonismo se enfrenten en la suite nupcial, con el "matrimonio" de Rogers y Rodhes que se revelado como el realizado por un falso clérigo, la escena se fija en Astaire y Rogers para van a bailar en la puesta del sol, que debidamente hacen, en este fragmento de un dúo mucho más largo - el original fue cortado después de las preestreno de julio de 1935 - pero no antes de que se desfile a través del conjunto veneciano y repetir el paso Piccolino.

Algunas de las canciones de Top Hat, como White Tie y Tails " y " Cheek to Cheek " se han convertido en clásicos de canciones estadounidenses. Algunos fragmentos de la película se han transformado en auténtico metacine, cine dentro del cine, como cuando vimos en su momento el segmento "Cheek to Cheek", en muchas películas, entre ellas The Purple Rose of Cairo (1985) , la citada inicialmente The Green Mile (1999), incluso se le homenajea en La La Land (2016) .

Durante la semana del 20 de septiembre de 1935, todas las canciones de Irving Berlin presentadas en esta película se escucharon en el programa de radio "Your Hit Parade". El programa mostraba las 15 canciones más populares de Estados Unidos para la semana. Las cinco canciones de Berlín de esta película lo convirtieron en el primer compositor en tener cinco canciones incluidas en el programa durante una semana.

La fecha de lanzamiento de la película fue el 29 de agosto de 1935 , siendo la Premiere en la Ciudad de Nueva York , en concfreto en el Radio City Music Hall, Manhattan .

Desde ese momento , Top Hat fue la película más exitoso de Astaire y Rogers , logrando el segundo lugar en taquilla en todo el mundo en aquel 1935. La película ganó $ 1,782,000 en los EE.UU. y Canadá y $ 1,420,000 en otros lugares. RKO obtuvo un beneficio de 1.325.000 dólares, convirtiéndolo en la película más rentable del estudio de los años treinta. Fue la cuarta película más popular en la taquilla británica en 1935-36. Consiguió en taquilla , al final, un total de 3,2 millones de dólares

Las críticas a Top Hat fueron principalmente positivas. Los Angeles Evening Herald Express elogió la película, exclamando que " Top Hat es lo mejor" de Fred Astaire , elogiando sus bailes y las cantando canciones de Irving Berlin.

En el New York Times se elogió los números musicales de la película, pero criticó la línea de la historia, describiéndola como "un poco delgada", pero también afirmando que "es lo bastante veloz como para tapar esos vacíos inevitables entre las bailes alegremente divertidos". Top Hat "vale la pena hacer cola para verla. Desde la aparición del vestíbulo tendrá que hacerlo."

En Variety también señaló la frágil de la historia, y, sorprendentemente criticó el elenco, afirmando que "el peligro está en la historia y el elenco." Sustituya a Alice Brady por Helen Broderick y es la misma alineación de jugadores que estaba en la fallida The Gay Divorcée . Los dos guiones se complementan mutuamente ". Sin embargo, llegó a la conclusión de que Top Hat era una película que "no se puede perder".

Graham Greene , que escribió para The Spectator en 1935, dio a la película una crítica generalmente positiva, describiendo la película como "un vehículo para el genio de Fred Astaire" y observando que el desempeño de Astaire eliminó cualquier preocupación por el hecho de que "la música y las letras son malas" o que Astaire "tiene que actuar con seres humanos [que no pueden igualar] su libertad, ligereza y felicidad".

La película está incluida en la lista de "Grandes Películas" de Roger Ebert que llegó después de criticar la trama, que le gustaba "Porque somos humanos, porque estamos atados por la gravedad y las limitaciones de nuestros cuerpos, porque vivimos en un mundo donde las noticias son a menudo malas y las perspectivas inquietantes, hay una necesidad de otro mundo en algún lugar, un mundo donde Fred Astaire y Ginger Rogers tengan cabida. Donde todo el mundo es millonario y las suites del hotel son del tamaño de los salones de baile y nada está arrugado, sino peinado, cepillado. Donde pareces que pueden encontrar lo que buscas , cuando bailas una canción como "cheek to cheek". Igualmente, para Mel Brooks , premiado el pasado año por su trayectoria en los Bafta, siempre ha dicho que esta es su película favorita.

A día de hoy tiene una valoración de 7'8 en la página de IMbD. Pero hace unas semanas , en concreto el 24 de agosto de 2017, el sitio web del agregador de reseñas Rotten Tomatoes informó que la película tenía una puntuación de 100% de "aprobación" basada en 37 revisiones con una calificación promedio de 8.6 / 10. El consenso crítico del sitio web dice: "Una fascinante y apasionante película de la era de la depresión, Top Hat es casi impecable, con acrobacias de Fred Astaire y Ginger Rogers que hacen que las acrobacias físicas más difíciles parecen ligeras como el aire"

También la película tuvo su reconocimiento. La película fue nominada para el Premio de la Academia a la Mejor Película , así como para la Dirección de Arte ( Carroll Clark y Van Nest Polglase ), la Canción Original ( Irving Berlin para "Cheek to Cheek") y dirección de baile o coreografía ( Hermes Pan por su "Piccolino" "Sombrero de copa").

En 1990, Top Hat fue seleccionado para su conservación en el National Film Registry de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso como "culturalmente, históricamente o estéticamente significativo".

En 1998 fue incluida en los American Film Institute entre las 400 películas nominadas para el Top 100 de las Greatest American Movies. La película se clasificó el número 15 en la lista del 2006 del Instituto de Cine Americano de los mejores musicales . Por supuesto, está incluida entre las "1001 Películas que debes ver antes de morir", editado por Steven Schneider .

La película es una historia de desencuentros y de equívocos. La película en sí es una frivolidad intrascendente, muy en la línea de lo que defendió en su momento el crítico del Chicago Sun Tmes, Rogert Ebert. Pero cuando veo los bailes de Ginger y Fred y escucho sobre todo Cheek to cheek, pienso como los protagonista de la Milla Verde, mientras veían la película en su juventud -  y también entre lágrimas en su senectud - que la vida merece que sea bonita, amable, encantadora, alegre, agradable, divertida, ligera,... Y sin que sirva de precedente acabaré con lo que se merece. ¿Qué va a ser? Pues eso...

El coloso

Cuando hablamos del cine de catástrofes nos referimos a aquel que tiene como centro de la historia una catástrofe en curso o inminente para la humanidad. Este género, que se hizo famoso en los setenta con un sinfín de Aeropuertos, que comenzó - creo- con la película Aeropuerto dirigida en 1970 por George Seaton y protagonizada por Burt Lancaster, Dean Martin, Jean Seberg, Jacqueline Bisset, George Kennedy, Helen Hayes y Van Heflin en los papeles principales, encabezando un largo reparto; y que contó con muchos epígonos como Aeropuerto 75 dirigida por Jack Smight en 1974, y dio con una fórmula de éxito para el cine de la década -como se aprecia en Aeropuerto 77 y Aeropuerto 80- y de la siguiente, y que , de vez en cuando resurge como Ave Fénix en los noventa y en este milenio. 

La fórmula consistía en llevar a la gran pantalla una historia aparentemente normalizada ( un vuelo, una fiesta en un bloque de pisos, un paseo por el campo o la playa,...) que , de repente, acaba siendo un infierno para los personajes debido a las catástrofes naturales (reales o ficticias), tales como grandes incendios, terremotos, inundaciones, volcanes o una hipotética colisión de un asteroide contra la Tierra, a una invasión de plagas, depredadores, mutantes o alienígenas o por siniestros de avión o barcos. Todo ello es una delicia para un público casi "sadomasoquista" que disfruta o alucina con las muertes o terribles circunstancias que viven los protagonistas para divertimento de los espectadores. Por cierto, protagonistas que suelen ser estrellas de ayer y de hoy de Hollywood. Por ejemplo, ese Aeropuerto 74 fue interpretado por actores casi en su cénit tales como Charlton Heston, hoy una olvidada Karen Black o Linda Blair, el recientemente fallecido George Kennedy, un actor de los cincuenta como Dana Andrews y dos divas del cine mudo como Gloria Swanson y Myrna Loy. La fórmula de éxito ha contado con grandes presupuestos y ha dado lugar a importantes réditos. 

El año 1974 fue productiva en este tipo de películas. Ese año se rodó por ejemplo Terremoto dirigida por Mark Robson con Charlton Heston, Ava Gardner , Geneviève Bujold , George Kennedy, Lorne Greene, Richard Roundtree, Marjoe Gortner, Barry Sullivan, Lloyd Nolan, Victoria Principal, Monica Lewis, Pedro Armendáriz Jr. y Walter Matthau ; Tiburón dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Richard Dreyfuss y Roy Scheider; y The Towering Inferno aquí conocida como El coloso en llamas . 

La película en cuestión fue producida por Irwin Allen y dirigida por el británico John Guillermin - director fallecido el pasado 2015 y protagonizada por reparto coral repleto de estrellas y encabezado por Steve McQueen y Paul Newman. Fue una coproducción de 20th Century Fox y Warner Bros. con la Irwin Allen Productions- aunque también participó la United Films - , la primera película resultado de la unión de dos grandes estudios, con guión de Stirling Silliphant basado en dos novelas: La torre, de Richard Martin Stern y The Glass Inferno de Thomas N. Scortia y Frank M. Robinson. La película siguiendo el esquema de las películas de catástrofes contó con un presupuesto de $14.3 millones. Como buena película de catástrofes contó con una recaudación de $139.7 millones. 

En el apartado técnico contó con gente experimentada como John Williams para la música, la fotografía de Fred J. Koenekamp, el montaje de los hermanos Carl Kress y Harold F. Kress Como era de experar el reparto lo integraban actores en la cúspide, otros en decadencia, otras que parecían grandes estrellas y fueron fugaces , otros procedentes del medio televisivo que se entreveran en múltiples líneas argumentales, y que serán personajes que intentan evitar, escapar o resistir las consecuencias de la catástrofe. Hay siempre uno o dos personajes principales, con varios menores y muchos extras suelen morir antes de la resolución de la historia. 

En este caso el elenco protagonista lo forman Paul Newman como Doug Roberts, el Arquitecto; Steve McQueen como Michael "Mike" O'Halloran, como el Jefe del bomberos , William Holden como James "Jim" Duncan, el Constructor, Faye Dunaway como Susan Franklin, la prometida de Doug Roberts, Fred Astaire como Harlee Claiborne, el estafador que coquetea con la señora Mueller, Susan Blakely como Patty Duncan Simmons, hija de James Duncan, Richard Chamberlain como Roger Simmons, el ingeniero eléctrico, y yerno de Duncan , una casi irreconocible Jennifer Jones como Lisolette Mueller, OJ Simpson como Harry Jernigan, el Oficial Jefe de Seguridad, Robert Vaughn como el senador estadounidense Gary Parker, Robert Wagner como Dan Bigelow, el oficial de relaciones públicas.

A estos se le suman Susan Flannery como Lorrie Sheila,  Matthews Allen como Paula Ramsay, Norman Burton como Will Giddings, ingeniero eléctrico, Jack Collins como Alcalde Robert "Bob" Ramsay, Don Gordon como Kappy, el capitán de Bomberos, Felton Perry como Scott, otro bombero, Gregory Sierra como Carlos, el camarero, Ernie Orsatti como Mark Powers, otro de los bomberos, Dabney Coleman como el Jefe Adjunto de ls bomberos, Elizabeth Rogers como una de las señoras, Ann Leicester como invitado, Norma Grabowski como el jefe de la Armada de rescate aéreo, Ross Elliott como el jefe Adjunto de los bomberos, Olan Soule como Johnson, Carlena Gower como Angela Allbright, Mike Lookinland como Phillip Allbright, Carol McEvoy como la señora Allbright, Scott Newman como el joven bombero, Paul Comi como Tim, George Wallace como el Oficial Jefe, Patrick Culliton como Técnico, William Bassett como un agente de venta, John Crawford como Callahan, Erik Nelson como Wes, Art Balinger como el locutor. Se suman Norman Hicks como piloto, Thomas Karnahan como copiloto, Maureen McGovern como la cantante en la fiesta, William Traylor como Bill Harton, el guardia de seguridad. 

Varios actores que aparecían en pequeños papeles, incluyendo a John Crawford, Erik Nelson, Elizabeth Rogers, Ernie Orsatti y Sheila Matthews, habían aparecido previamente en La aventura del Poseidón , que Irwin Allen también produjo. El hijo de Paul Newman participa como Scott el bombero que hace rappel en el hueco del ascensor. 

La historia comienza con un helicóptero que se dirige hacia San Francisco, ciudad que aparece entre nieblas hasta definirse finalmente, viendo desde el helicóptero su skyline de donde destaca un rascacielos, el más alto del mundo acaba de ser construido en San Francisco.

Del mismo helicóptero baja el arquitecto que ha proyectado el edificio, Doug Roberts (Paul Newman) que regresa a San Francisco desde su nueva finca  para la dedicación de la torre de cristal, que diseñó para el propietario de James "Jim" Duncan, (William Holden) y su constructor,

El edificio es un mastodonte de 1.800 pies o 550 metros, siendo en 1974 es el edificio más alto del mundo.

Nada más bajarse se entrevista con Jim que cree que la retirada de Doug es momentánea y le dice que se verán esta noche en la inauguración oficial. Tras esto, Doug va a su oficina en el edificio en el que le espera su prometida  Susan Franklin (Faye Dunaway),

Mientras Doug  Roberts y Susan pasan el rato juntos, aquí puedes leer lo que quieras, se detecta en el edificio un par de cortocircuitos. Uno de ellos no es detectado, con el que se inicia un fuego sin ser detectados en el piso 81. Mientras que con el otro, tras ser informado Roberts del mismo y llegarse a ver la causa del mismo descubre que no se han respetado las especificaciones técnica en los claves en ninguna parte del edificio. Robert habla con Jim, pero entre los dos llegan a la conclusión que el responsable de eso es el ingeniero eléctrico del edificio, Roger Simmons (Richard Chamberlain)  y  yerno de Duncan. Roberts que va a Lombard Street a casa del ingeniero eléctrico para entrevistarse con éste. Allí está su mujer Patty Duncan Simmons, (Susan Blakely), la hija de James Duncan, y poco después llegar Roger, un vividor egoista y manirroto, al que Robert acusa ,de comprar un cable de menos calidad con el que se ha montado todo el edificio. de cortar esquinas, Simmons insiste en que el edificio está a la altura.

Por la noche tiene lugar una fiesta con numerosos invitados (senadores, alcalde, congresistas, empresarios,....) en la sala de baile, situada en la planta más alta del edificio.

Durante la ceremonia de dedicación, el jefe de relaciones públicas Dan Bigelow (Robert Wagner ) ordena encender las luces exteriores de la torre para impresionar a los invitados y dignatarios. La iluminación sobrecarga el sistema eléctrico y Roberts ordena que se apaga de inmediato viendo la mala calidad del cable Tras esto Dan Bigelow, el oficial de relaciones públicas, se va a su despacho para pasar la velada con su secretaria.

De repente, una fallo en la instalación eléctrica provoca un fallo generalizado y el incendio empieza a manifestarse de materia notoria. El humo se ve en el piso 81 y Roberts llama entonces al cuerpo de bomberos de San Francisco para apagarlo.

Roberts y otro ingeniero eléctrico Will Giddings (Norman Burton) van a la planta 81, pero no pueden entrar pues un guardia de seguridad les impide el paso. En ese momento se produce una explosión y el fuego da directamente en  Giddings (y que más tarde se nos informa que ha muerto), mientras que Roberts informa del fuego a un desdeñoso Duncan, que se niega a ordenar una evacuación.

Los bomberos llegan inicialmente mal equipados para hacer frente a las llamas, que de pronto se propagan y el incendio se ve que está  fuera de control.

Tras lo acontecido el Jefe de bomberos de San Francisco (SFFD) Michael O'Halloran (Steve MacQueen) sube en asensor hasta la última planta y obliga a Duncan a evacuar a los  invitados de ese piso, el 135, dirigiéndolos a  ir en los ascensores.

Entre los invitados se encuentra Lisolette Mueller (Jennifer Jones), una señora de edad que está siendo cortejada por un señor (al final sabremos que es un estafador) Harlee Claiborne (Fred Astaire) quiere ir al piso 87, pues allí están durmiendo una familia formada por una viuda (sordomuda) y sus dos hijos. Lisolette piensa que están en peligro puesto que ella no habrá escuchado los avisos de los agentes de seguridad no de los bomberos. Allí se persona ella, acompañada de Harry Jernigan (OJ Simpson), el Oficial Jefe de Seguridad que le acompaña.

Por otro lado, Simmons admite ante su suegro  Duncan que puso cables de menor calidad y grosor y que lo hizo para mantenerse dentro del presupuesto.

Duncan, ayudado por el senador estadounidense Gary Parker (Robert Vaughn)  y el alcalde Robert "Bob" Ramsay (Jack Collins), que dirigen la evacuación hacia el ascensor .

Sin embargo, el fuego lo va devorando todo y hace que los ascensores sean inseguros. Al no prestar atención a las instrucciones de Duncan, un último grupo que toma un ascensor para en la planta 81 y son sorprendidos por el fuego.

Ahora los asistentes a la velada se ven acorralados por el fuego, por lo que tienen pocas probabilidades de sobrevivir ya que al estar a una altura tan elevada y a los bomberos les resulta imposible controlar el infierno.

El fuego también atrapa a Bigelow y a su secretaria, la señora Lorrie (Susan Flannery) en su oficina del piso 65, quemando primero a él, cuando sale de la habitación protegido únicamente con toallas mojadas y a ella en la misma habitación, cuando todo estalla y salga disparada a la calle .

Por su parte, el Jefe de Seguridad Harry Jernigan y Roberts rescatan a la señora  Mueller y la familia. Jernigan. manda a la madre a un lugar seguro, pero Roberts, la señora Mueller y los dos niños son detenidos por la escalera cuando está se colapse y caiga al vacío. Hacen una subida peligrosa por las escaleras, pero el fuego les obliga a la ir a la Sala Promenade donde se celebraba la fiesta de inauguración del nuevo rascacielos de 138 plantas.

Todos  los esfuerzos de extinción de los incendios se muestran inoperante, y esto se agrava cuando el edificio se queda sin alimentación eléctrica y los hombres de O'Halloran se ven obligados a hacer rappel por un hueco de ascensor.

Por medio de la azotea de un edificio colindante, así como usando medios aéreos ( helicópteros) se inicia un proceso de rescate, aunque ya no se puede evitar el desastre.

Por medio del helicóptero se consiguen sacar frenar la caída de un ascensor al vacío lleno de mujeres de los invitados así como de los dos niños ,entre ellos Mueller. Una explosión deja el ascensor descendente hace que el ascensor penda de un solo cable en el piso 110, pero Mueller cae y muere., Finalmente entre el helicóptero y algunos bomberos frenan la caída. El jefe de bomberos O'Halloran y otros ayudan al grupo y siguen salvando personas.

Desde la azotea vecina se decide ir trasvasando uno a uno a los asistentes. Así van saliendo no pocas invitadas en un rescate casi imposible entre ellas salvan a la hija de Duncan, Susan y alguna esposa más.

Simmons dice a Duncan que él y otros la  boya para alcanzar la azotea vecina, pero Duncan le da un puñetazo, diciendo que a todos que la salida se hará tal y como se ha proyectado con los números sacados al azar, y que  él y su yerno  serán los últimos en salir. Hay un intento de asalto de la boya por parte de algunos de los asistentes entre ellos Simmons.  A la boya se agarra el senador Parker que es empujado a la muerte por Simmons, quien muere momentos después por efectos de una explosión.
Mientras como la situación es tan grave un militar le propone al jefe  de la SFFD O'Halloran un plan para para el incendio y salvar a algunos de los asistentes: explotar los tanques de agua de millones de galones que hay en lo alto del edificio para extinguir el fuego.

Tras esto el el jefe de bomberos (Steve McQueen) y le plantea una solución al arquitecto del rascacielos  y le pide ayuda. Sabiendo que podría ser su muerte, O'Halloran se reúne con Roberts y avanzan con explosivos hacia los  seis tanques de agua. Tras colocar el explosivo, vuelven a la habitación Promenade, donde los invitados restantes se atan para evitar ser arrastrados por las aguas.

La explosión se produce y el agua lo invade todo. O'Halloran, Roberts, Duncan, Claiborne y la mayoría de los asistentes a la fiesta sobreviven al agua que correpor el edificio y  extingue las llamas.

Sobre el terreno, Claiborne se entera de que Mueller no sobrevivió y tiene el corazón roto. Jernigan, que sabe que Clairborne tonteaba con ella  le entrega su último recuerdo:  el gato de Mueller.

Duncan consola a su hija Patty por la muerte de su marido, pero no da a conocer la forma cobarde en la que Simmons ha muerto.

Mirando hacia lo alto de la torre, Duncan promete que una debacle así de  trágico no volverá a ocurrir en el futuro. Roberts dice a Susan que él no sabe qué va a ser del edificio, y tal vez se debe dejar en su estado dañado por el fuego como "una especie de santuario para recordar la miseria de este mundo".

Roberts informa que el número de víctimas numerada son al menos de 200, y O'Halloran dice que son unos  afortunados. Roberts se compromete a consultar con los bomberos en el futuro, cuando dichos diseñe los edificios, tras lo cual  O'Halloran se va, exhausto, mirando los muchos bomberos caídos. Acabando así la película.

Parecía una premonición de lo que podía acontecer con las torres gemelas en 2001  ya que las novelas de las que parte el filme fueron inspirados por la construcción del World Trade Center en la década de los años 1970, y lo que podría suceder en un incendio en un rascacielos. Aparte de la espectacularidad de algunas escenas y el suspense que provocó al espectador, el filme brindó la oportunidad de ver juntos a dos de las más grandes estrellas de Hollywood como Paul Newman , quien hizo la mayoría de sus escenas de acción, incluyendo subir y bajar la barandilla de escalera doblada -y Steve McQueen, sin miedo a rodar escenas de peligro, que por cierto se negó a dar entrevistas durante la película, además de viejas estrellas como Fred Astaire, Jennifer Jones o William Holden, quien hizo en ésta película una de sus últimas apariciones en el cine, al igual que Jennifer Jones.

Irwin Allen junto a  la Fox y la Warner se unieron para ofrecer todo un clásico del cine de catástrofes -un género que se popularizó enormemente en los años setenta-, con superproducciones que combinaban siempre espectáculo y conocidas estrellas.había obtenido un espectacular éxito con ‘La aventura del Poseidón’ (‘The Poseidón Adventure’, Ronald Neame, 1972) que, junto a ‘Aeropuerto’ (‘Airport!’, George Seaton, 1970), abrieron la veda de películas sobre catástrofes, creando un nuevo (sub)género. Para ello la Warner Brothers había comprado ya los derechos para filmar "La Torre" de Richard Martin Stern, por $ 390.000. Y Ocho semanas después de Irwin Allen (de la 20th Century Fox) hizo lo mismo con "The Glass Inferno" Thomas N. Scortia y Frank M. Robinson comprando los derechos por $ 400,000. Para evitar dos películas similares compitieran en la taquilla los dos estudios se unieron y unieron sus recursos, pagando cada uno la mitad de los costes de producción. A cambio, la 20th Century Fox puso la cuota de taquilla de Estados Unidos y la Warner para el resto del mundo.

De hecho, el mismo año ‘El coloso en llamas’ “competía” con otro conocido film, ‘Terremoto’ (‘Earthquake’, Mark Robson), el cual ganó directamente el Oscar a los mejores efectos visuales.

El film dirigido por Guillermin, y también por Irwin Allen —dirigió todas las secuencias de acción— es, a día de hoy, el más recordado de todos. La película tuvo un coste de 15 millones de dólares, y para hacerle frente unieron fuerzas Twentieth Century Fox —distribución estadounidense— y Warner Bros. —distribución internacional—. Un reparto absolutamente espectacular, y un equipo técnico de primera, son los pilares sobre los que se sustenta ‘El coloso en llamas’.

La película obtuvo un gran éxito de taquilla -fue la segunda película más taquillera del año 1975, tras "Tiburón" (Jaws)- y, en cuanto a premios, consiguió 3 Oscar "menores", aunque tuvo 8 nominaciones, incluyendo el de mejor película.

Fue todo un éxito , pues John Guillermin era todo un especialista en  este tipo de película como lo demuestran las eficaces La gran aventura de Tarzán (1959), Tarzán en la India (1962), El mayor mujeriego (1962), The Blue Max (1966), El puente de Remagen (1969), y , más tarde al la vista, King Kong (1976), Muerte en el Nilo (1978) y King Kong 2 (1986). Todos ellas bien realizadas y con mucho suspense.

A la hora de los créditos hubo muchas susceptibilidad. McQueen, Newman, y William Holden querían aparecen como los primeros dado el prestigio del trío.  Esa es la razón por la que los créditos fueron dispuestos en diagonal, con McQueen en la parte superior derecha y Newman en la parte inferior izquierda, quedando Holden relegado.

McQueen fue el primero es ser  mencionado en los trailers de la película aunque el el nombre de Newman es totalmente visible primero. A McQueen y Newman se les prometió el mismo pago y el número de líneas, lo que significaba que había que rodar escenas adicionales para igualar el diálogo.

Por exigencias de McQueen, ambos actores poseen el mismo número de palabras pronunciadas, y el personaje del jefe de bomberos debía ser superior, heroicamente hablando, a todos los demás. Ambos actores cobraron un millón de dólares y el 7’5 % de la taquilla. Newman odió ceder ante los porcentajes, era su primera vez, y juró que sería la última.

Seis años más tarde volvió a colaborar con Allen , pero  justo después del film más famoso de John Guillermin, el actor regresó sobre uno de sus personajes más recordados, el detective Harper. El papel de Jennifer Jones fue ofrecido originalmente a Olivia de Havilland y a Esther Williams, al igual que Katharine Ross , Raquel Welch y Natalie Wood fueron ofrecidos para el papel que finalmente fue interpretado por Faye Dunaway . Wood se negó porque estaba embarazada de su segundo hijo y también encontró el guión "mediocre".

James Franciscus y John Forsythe eran las opciones originales para el senador Gary Parker. Sin embargo, se consideró que se parecían demasiado al entonces senador. John Tunney y al entonces gobernador Ronald Reagan . Dado que uno era un demócrata y el otro republicano, decidieron que querían dejar la política fuera. A continuación, elegidos para ofrecer el papel a Robert Vaughn , que no se parecía a nadie política en el momento.

Se película se rodó en varios escenarios californianos , entre ellos San Francisco , en lugares tan emblemáticos como Vallejo Street, la casa Roger y  Patty Simmons, el Bank of America Building, en  Mason Street, Nob Hill, Hyatt Regency Hotel en Embarcadero Center,Grace Cathedral Episcopal Church , San Francisco Fire Station 38 en California Street,  todas ellas en mi querida y recordada San Francisco,  en la  20th Century Fox Ranch, de Malibu Creek State Park en  Las Virgenes Road, Calabasas, en 20th Century Fox Studios  en Pico Blvd., en Los Angeles. De los 57 conjuntos construidos para la producción, sólo ocho permanecieron de pie al final del rodaje.El edificio utilizado en la película era una serie de miniaturas. Sólo las secciones del edificio fueron construidos en realidad para los actores y para que dobles de riesgo pudieran realizar sus escenas. Las tomas interiores principales se hicieron en el Hyatt Regency de San Francisco con su ascensor panorámico. Para rodaje de exteriores se utilizó el edificio del Banco de América . Unos 1.000 bomberos reales fueron contratados a través de toda la producción.


Steve McQueen , siempre intrépido, durante el rodaje cundo se produjo un incendio real en uno de los conjuntos se encontró ayudando brevemente junto a bomberos reales. El rodaje terminó el 11 de septiembre de 1974 A veces el rodaje no estuvo exento de problemas. Por ejemplo, el actor / especialista Ernie F. Orsatti , señaló que Faye Dunaway a menudo llegaba tarde a rodar o no aparecía en absoluto. Esto hizo que algunas escenas fueran imposibles de filmar y generó malestar en actores como William Holden o Jennifer Jones . Según los informes, Holden empujó Faye contra el único día de la pared y la amenazó.

La música fue compuesta y dirigida por John Williams , orquestada por Herbert W. Spencer y Al Woodbury, El ingeniero de grabación original fue Ted Keep. La canción ganadora de un Oscar  «We May Never Love Like This Again»fue compuesta por Al Kasha y Joel Hirschhorn e interpretado por Maureen McGovern , que aparece en un cameo como cantante de salón y en el álbum de la banda sonora . Además, la melodía del tema de  Williams y del tema musical se repite en varias ocasiones.

Desde su estreno el 16 de diciembre de 1974 y el internacional el 1 de enero de 1975, El coloso en llamas tuvo  críticas positivas de los críticos, obteniendo una calificación del 77% "fresco" en  el  agregador de críticas del sitio web Rotten Tomatoes . Entre las mismas destacan las de Roger Ebert del Chicago Sun-Times que elogió la película como "la mejor de la onda de cintas de desastres de mediados de 1970  ".

Alberto Abuín en blog de cine señala que , la película construida con la precisión de un arquitecto, y a la que el paso del tiempo no sólo no daña ni lo más mínimo, sino que efectúa sobre ella un proceso de rejuvenecimiento que sólo las obras atemporales. Este editor destaca como Paul Newman y Steve McQueen ya habían coincidido en la película ‘Marcado por el odio’ (‘Somebody Up There Likes Me’, Robert Wise, 1956), con el segundo en un papel insignificante, y casi irreconocible. Mucho cambiaron las cosas desde esa película hasta el rodaje de ‘El coloso en llamas’ (‘The Towering Inferno’, John Guillermin, 1974) en la que ambos actores, ya estrellas, volvieron a coincidir, y Newman tuvo que someterse ante las exigencias de McQueen, que en ese momento era su máximo rival en el cine. Una rivalidad, como todas, absurda, y propiciada por McQueen.

Fue una de las películas con las mayores recaudaciones de 1974 con 116 millones de dólares y fue nominada al Óscar a la mejor película. De hecho fue nominada a ocho Oscar en total, de los cuales ganó tres: mejor fotografía(Fred J. Koenekamp y Joseph F. Biroc) , mejor montaje  y edición (Carl Kress y Harold F. Kress) y mejor canción (Al Kasha y Joel Hirschhorn) por la canción «We May Never Love Like This Again» . Entre ellos al Mejor actor de reparto para Fred Astaire , al mejor diseño de producción para William J. Creber , Preston Raphael Bretton  , mejor banda sonora original (John Williams) , mejor mezcla de sonido (Theodore Soderberg, Herman Lewis) , y mejor película para Irwin Allen como productor.

También ganó, entre otros premios, dos BAFTA: Fred Astaire como mejor actor secundario y John Williams a mejor música - Anthony Asquith a la mejor música, y dos Globos de Oro uno para Fred Astaire, de nuevo como mejor actor secundario y Susan Flannery como intérprete promesa, aunque Jennifer Jones,Stirling Silliphant  y .como mejor canción original estuvieron nominados.

Ganó en 1974 el Premios David di Donatello al mejor film extranjero

Abuín, seguimos con él. destaca que la película es un prodigio de montaje, de narración cinematográfica pura y dura, desde el primer minuto hasta el 158 final. El espectador ya es consciente del inicio de la desgracia en el minuto doce, y nos vuelven a avisar en el minuto 29 —dos planos del pequeño cuarto en el que da comienzo el incendio son suficientes—. Así, y hasta el minuto 43, con la entrada de Steve McQueen en escena, ‘El coloso en llamas’ es toda una lección de suspense, por cuanto el espectador posee datos que los personajes no. 

La labor de los montadores Harold F. Kress y Carl Kress —padre e hijo, el primero con un currículum impresionante— fue galardonada con un más que merecido Oscar; hacen avanzar con sumo interés un relato que, a tenor de lo visto en muchas de las películas del género, podría haber caído de lleno en el aburrimiento. Pero ambos, siguiendo las órdenes de Allen, consiguen el tempo interno perfecto en las secuencias más emocionantes, que son innumerables. Por citar dos: la secuencia de Paul Newman con Jennifer Jones y dos niños por el hueco de una escalera destrozada —el actor hizo absolutamente todas sus secuencias—, o la secuencia del ascensor externo y el helicóptero. Un espectáculo por todo lo alto 

Con una muy presente banda sonora de John Williams, quien convenció a Allen de insertar música desde la primera secuencia, ‘El coloso en llamas’ avanza a un ritmo espectacular, sin caer en subrayados y manejando los tópicos con habilidad. A ello se debe, cómo no, lo entregado de un reparto lleno de estrellas, aportando todos y cada uno matices de autenticidad a personajes en base simples. Tanto Paul Newman como Steve McQueen no necesitan esforzarse lo más mínimo por tener carisma con dos de los personajes más planos de sus carreras. William Holden está perfecto con su ambivalente personaje; otros como Jennifer Jones y Fred Astaire, más por el segundo que por la primera, hacen creíble una historia de amor imposible. 

En su concepción de cine espectáculo, la película tiene tiempo para criticar sin miramientos a todo aquel que quiere hacerse rico mediante operaciones que superan la legalidad, incluso el respeto por la vida. Se traduce aquí en la figura de Duncan (Holden) y Simmons —Richard Chamberlain, demostrando que es mejor villano que héroe—, que por “ahorrar” millones de dólares decidieron emplear material defectuoso en el edificio. También no da concesiones a la hora de mostrar las víctimas, de toda índole, que el gigantesco incendio se cobra. En ese aspecto, el film es incluso bastante cruel. Baste citar al respecto el destino sufrido por los personajes de Robert Wagner y Susan Flannery, unos de los momentos más fuertes de la película, de una tensión indescriptible; por supuesto el de Jennifer Jones, demostrando que la vida es terriblemente injusta, o el de todos los héroes anónimos que dieron sus vidas por intentar apagar un incendio que en realidad representa el tamaño de la estupidez y avaricia humanas. 

El plano de O’Hallorhan (McQueen) mirando en silencio los cuerpos de sus hombres muertos es el broche perfecto a un film que, en cierto modo, es todo un homenaje a esa profesión en la que se juegan la vida continuamente por los demás. 

El coloso o El gigante, El Pánico  o La Tormenta, aquí, no hacen referencia a esa obra atribuida  a Goya y que se exhibe desde 1931 en el Museo del Prado, pero para mi si tiene elementos en común con la película. En reste caso el gigante es el edificio, las nubes equivalen a las llamas y el Pánico que lo invade todo. Así es la película, unas obra grande, colosal sobre uno de nuestros grandes temores: el fuego y sus consecuencias, el Pánico.