Amanece sobre Edimburgo

Supongo que has oído alguna vez "I'm Gonna Be - 500 Miles". No se si sabrás que es la composición de un grupo llamado The Proclaimers surgido en 1983, pero que empezó a tener éxito en 1987 tras aparecer en el programa musical The Tube de la televisión británica BBC Channel 4 . 

Su primer LP o álbum fue This is the Story y contenía una canción titulada Letter from America que alcanzó el número 3. Su segundo disco, que se publicó al año siguiente, en 1988, y que se titulaba Sunshine On Leith, fue Disco de Platino en el Reino Unido y de Oro en Estados Unidos. Este disco incluía la canción "I'm Gonna Be - 500 Miles" , que se convirtió en un éxito internacional y casi un himno extraoficial de Escocia, y se ha popularizado en varios países, incluida España, especialmente por su uso en anuncios de televisión. 

En 2007 se montó un musical de teatro titulado "Sunshine On Leith", basado en las canciones de The Proclaimers, y que fue llevado al cine en 2013. La película que había sido rodada en Edimburgo, me la recomendó una amiga al enterarse que esa semana iba a Edimburgo, curiosamente ella también. Lo extraordinario fue que nos la encontramos y reiteró que viese esta Amanece en Edimburgo. Busqué la película , pero no la encontré . Torpe de mi , siempre tomaba como referencia Edimburg , sin saber que era sobre Leith, un barrio específico situado en las afueras de la ciudad, y que corresponde con el pueblo portuario independiente de Edimburgo hasta que se anexionó a la ciudad en 1920. La calle principal de Leith, Leith Walk, conecta directamente con la Old Town y New Town, y es a este barrio el que los músicos y hermanos gemelos Reid, Craig y Charlie , que integran The Proclaimers dedican el disco. 

Y aunque "I'm Gonna Be - 500 Miles" está justo al final y culmina con ella Sunshine on Leith tengo que reconocer que está una película musical escocesa inesperada me ha gustado mucho. Invita al buen rollete. La película se montó seis años después del músical teatral, es decir, del año 2013 y fue dirigida por Dexter Fletcher, un inglés reconocible como actor- por ejemplo fue el Sargento John Martin en la miniserie Band of Brothers o en la película Doom, Tristán e Isolda o en Kick-Ass-, pero que desconocía que estuviese tras las cámaras en alguna ocasión. 

La película es una adaptación de la obra musical del mismo nombre inspirada y compuesta con las canciones de The Proclaimers . En este caso las canciones fueron arregladas por el director musical Paul Englishby , e interpretadas por el elenco, aunque el dúo aparece en un breve cameo. 

Para su película Dexter Fletcher y con el apoyo de las productoras Black Camel Pictures , DNA Films , British Film Institute y  Creative Scotland siguió el guión de  Stephen Greenhorn y con la música arreglada por  Paul Englishby , pero compuesta por los Reid, Craig y Charlie  monta la película. Para la misma contó con la fotografía de George Richmond 

El reparto lo intehran un grupo de jóvenes entre los que se intercalan algunos veteranos actores. Entre ellos aparecen George MacKay como Davy Henshaw,  Kevin Guthrie como Ally , Antonia Thomas como Yvonne - una vieja y guapísima conocida de Mitfits- ,  Freya Mavor como Liz Henshaw , Jane Horrocks como Jean Henshaw , Peter Mullan como Robert "Rab" Henshaw , Jason Flemyng como Harry Harper , Paul Brannigan como Ronnie , Paul McCole como Ewan y Sara Vickers como Eilidh.

La película comienza en Afganistán, donde un grupo de soldados británicos está patrullando mientras los ocupantes del vehículo blindado están nerviosos y se preguntan si todavía están vivos ("Sky Takes the Soul"), antes de que ocurra una emboscada. 

Algún tiempo después, los de los soldados del vehículo blindado Davy Henshaw ( George MacKay ) y Ally ( Kevin Guthrie ), dos militares recientemente licenciados del ejército británico , regresan a sus hogares con sus familias. Son escoceses y están ya por las calles de Edimburgo por las que van con su petate y cantan (" I'm on my way "). Ally está deseoso de reencontrase con su novia Liz ( Freya Mavor ), una enfermera que es la hermana de Davy, y éste contento de volver a casa y abrazar a su padre Robert "Rab" (Peter Mullan) y a su madre, Jean ( Jane Horrocks ). Tras abrazarlos, Ally va a casa de su hermana para que lo aloje, y lo hace de mala gana, especialmente por el cuñado. Lo mete, aunque recalca provisionalmente, en el cuarto de su hijo.  

Esa noche salen de Davy y Ally, como éste irá con Liz, esta busca  compañía para su hermano así que le presenta a a Davy a su amiga y colega , una inglesa, de nombre  Yvonne ( Antonia Thomas). Los cuatro irán a un pub. Liz e Yvonne, así como algunas amigas y compañeras de ambas,  participan en una historia de borrachos, una tradición escocesa  cantando "Over and Done With". 

Después de su cita a ciegas, Davy e Yvonne entablan una relación romántica  para lo que canta "Misty Blue" mientras Ally y Liz consideran , especialmente él, su futuro juntos como una posible pareja casada ("Make my Heart Fly"); aunque el desconoce que ella tiene otras aspiraciones lejos de Edimburgo.

Por su parte, el padre de Davy Robert "Rab" Henshaw ( Peter Mullan ) recibe en casa una carta de una chica de unos 25 años llamada Eilidh, y más tarde se encuentra con ella. En ese momento se entera que es su hija producto de una aventura al principio de su matrimonio. De hecho es el entierra de la madre , ya que acaba de morir,  y Rab asiste en secreto al funeral y reconoce que después de su relación ella desapareció definitivamente. Todo esto ocurre mientras que Rab y Jean están ocupados planeando sus bodas de plata. 

Mientras Ally le explica a Davy que tiene la intención de proponer a Liz durante la 25 ° fiesta de aniversario de bodas de los padres de Davy, Rab y Jean, en el club social de los estibadores y mientras lo comentan , el dueño del pub , en el que también hay aficionados del Hibernian, el club local, que escucha la conversación, le ofrece consejos sobre cómo proponer  el matrimonio ("Let's Get Married"). 

La fiesta del 25 aniversario tiene lugar. A la misma asisten amigos comunes de la pareja, así como amigos y amigas de los hijos. 

En el escenario del club de estibadores hay un grupo y Rab aprovecha una parada para subir al escenario y dedicarle una canción a Jean  (" Oh Jean ").

Tras la actuación y consiguiente baile Liz le pide dinero a Jean , pero al no tener busca en la chaqueta de su marido. En el interior Jean descubre que la carta de Eilidh y la de su madre todavía está en la chaqueta de Rab.

Jean se enfada con su marido debido a la infidelidad de Rab y no acepta sus explicaciones (Hate My Love). Por su parte, Ally , en lo alto del escenario, le propone a Liz matrimonio de rodillas delante de todos y entregándole un anillo, pero ella lo rechaza. 

Tras eso se pelea una pelea masiva dado el comentario jocoso de uno de los invitados cuando le dice a Ally si tiene el resguardo del anillo. En la pelea tumultuosa se integra Davy, y durante la misma Yvonne se horroriza ante la brutalidad  de Davy. Por su parte, Jean se horroriza al saber de Rab que tiene la intención de seguir viendo a su hija recién conocida. 

De la fiesta salen por un lado Jean, Liz e Yvonne; y por otro, Ally y Davy. Jean  envía a marido al sofá. Durante el trayecto Liz explica a su madre que ha mandado su currículo a un hospital de Florida, pues piensa que debe aprovechar las circunstancias y su juventud. 

Por su parte, Jean se siente culpable y se culpa a sí misma por la disolución de su familia, pero sus colegas en la Galería Nacional Escocesa le aseguran que ninguno de estos eventos fue su culpa ("Should Have Been Loved"). 

Mientras tanto, Rab está comprando los ingredientes para una comida especial , ternera, un plato recomendado por una escritora de recetas, que intenta cocinar con la esperanza de la reconciliación con Jean. Pero cuando regresa a casa, sufre un ataque al corazón en la puerta y es ingresado en el hospital. 

Rab es ingresado en el hospital y allí es atendido tanto por Liz  como Yvonne como los médicos. Después de algunos días se recupera.

Yvonne y Davy , tras su pelea se reconcilian en casa de Yvonne ("Then I Met You"). No obstante, vuelven a iniciar una discusión cuando Davy reconoce que él nunca marcharía de Escocia a  Inglaterra si las circunstancias familiares de ella se complicaran. Así que nuevamente rompen. 

Por su parte, Rab y Jean se reconcilian (" Sunshine on Leith ") , incluso Jean acepta que Rab se encuentre y visite a su hija. Tanto es así que es ella la que los llevará a casa.  

Yvonne y Davy se reconciliaron ("Then I Met You"). Sin embargo, la relación de Liz y Ally se ha roto, cuando ella ha aceptado el puesto de trabajo en Florida (Letter from America) . 

Esto hace que Ally se vuelve a alistar y se marcha de la casa, dejando únicamente su gorra a su sobrino con el que comparte habitación.

Después de la discusión con Davy, Yvonne se prepara para irse de Edimburgo. Sin embargo, antes de que ella pueda llegar a la estación de trenes de Waverley , Davy la busca  y declara su compromiso con ella en los Princes Street Gardens, donde se reconcilian por segunda vez  cantando y bailando colectivamente " I'm Gonna Be (500 Miles) ". 

La escena se corta y vemos Jean y Rab cantando versos de la canción entre ellos; mientras que Ally en patrulla con el ejército, y presumiblemente canta a Liz, quien se muestra trabajando en Estados Unidos al abrir una carta de Ally, acabando así la película.

La película se proyectó en la sección de Presentación especial en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2013 . En su primera semana debutó en el número tres en la taquilla del Reino Unido con £ 770,000. La semana siguiente subió al número dos con una toma semanal de £ 732,296. En total y en las taquilla consiguió unos £ 4.1 millones. En los Estados Unidos la película había recaudado 8,780,874 dólares estadounidenses .

La película recibió críticas positivas. Tiene una calificación de aprobación del 90% en Rotten Tomatoes , y en Metacritic , una buena valoración.

En The Observer , Mark Kermode señaló que "Me deshice de una lágrima en los primeros 10 minutos, y pasé el resto de la película radiante como un bufón, un imbécil enamorado".

Tara Brand  en el The Irish Times lo comparó con The Umbrellas of Cherbourg  y Cath Clarke escribiendo en Time Out lo describió como "un húmedo y descuidado beso de perro de una película".

Mark Adams del  Daily Mirror dijo de ella que era "Uno de los mejores musicales británicos en mucho tiempo (...) "

Para  Dennis Harvey de Variety se trata de   " (...)  una confección dulce y alegre que resulta populista en una forma un tanto genérica."

Robbie Collin en Telegraph la describe como "El conjunto de canciones y la trama a menudo son llevados con una chispa de inspiración. (...) " ; mientras que Peter Bradshaw del The Guardian "Lo que hace que funcione son los actores, particularmente Mullan y Horrocks, que lo dan todo de manera considerable. (...)"

En España  Javier Ocaña de El País  es una "Carta de amor a la preciosa Edimburgo a través de las canciones de The Proclaimers, la película apela a pasiones tan básicas como el amor, la guerra, la familia y hasta el pub"

Para  Oti Rodríguez Marchante del ABC se trata de "Un musical contagioso (...) contiene algunas de las mejores cualidades del género de la comedia musical (...) Las interpretaciones son espléndidas (...) "

Para  Eduardo Galán de Cinemanía "Se aprecia el esfuerzo del reparto (...) pero se echa de menos el esplendor del technicolor (...) Comedia musical deliciosa con los dejes de sus contemporáneas (...) ".

A mi , lo reconozco que me ha gustado, es una película  para relagarte , disfrutar de tres historias de amor , presentadas por medio de número musicales. Una buena manera de irse a la cama con un cierto tono de felicidad y a sabiendas que has aprendido cosas: lo de Leifh, los de The Proclaimers - que hace un cameo-  , la idea de que I'm Gonna Be (500 Miles)  es el himno no oficial de los escoceses, los de Dexter Fletcher y he vuelto a descubrir lo hermoso que es esta ciudad. Ya tengo ganas de regresar y de volver a ver en una lumonisa mañana el Sunshine on Edimburgh or Leith , is (casi) the same. 

Hijo de los hombres

Me ha encantado Hijo de los hombres. Me ha horrorizado un futuro como el que nos presenta. Me ha parecido valiente y fascinante en su temática, la infertlidad, la fe, la creencia en un futuro, la resistencia, la xenofobia en momentos de crisis,etc...

Me ha sorprendido encontrarme con una gran película. Insisto en lo de gran, pues grande es igualmente el trabajo del director, la narración y la ejecución de la misma, la puesta en escena o el trabajo de los actores, especialmente el de Clive Owen, y el de los que le acompañan que suman un reparto brillante, aunque su duración ante la cámara, en algunos casos, sea breve.

Children of Men o Hijos de los hombres es una película de ciencia ficción y suspense dirigido y coescrito por el director, guionista y productor mexicano Alfonso Cuarón, uno de la trilogía de directores premiados últimamente por la Academia de Cine junto a Iñarritu o Del Toro, premiado este mismo año. Hablamos de un director que ha tenido la fortuna de trabajar en su país, donde se formó, en Los Ángeles , donde cuajó algunas buenas obras valoradas más por la crítica que el público, retornando a México para rodar Y tu mamá también, en Europa, sobre todo en Gran Bretaña donde hizo la para mi más brillante entrega de Harry, por supuesto, Potter , con Harry Potter y el prisionero de Azkaban en 2004 tras su encargo por Warner Brothers y en la que realizará dos años más tarde, en 2006,  Hijo de los hombres en el trabaja en su guión sobre la novela homónima de P. D. James escrita en 1992. 

Tras su incursión en este thriller distópico que nos ocupa situado en un futuro cercano, ese mismo año, se encargó de la producción de El laberinto del fauno de su amigo Guillermo del Toro. Durante el festival de Cannes 2007, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro y Alejandro González Iñárritu, firmaron con Universal Pictures una excelente negociación donde Universal financiará las primeras 5 películas de Cha Cha Chá Films, productora conformada por este trío de cineastas, este apoyo es por más de 100 millones de dólares.

Posteriormente, la compañía de declaró en quiebra así que el creará su propia compañía de producción y distribución "Esperanto Filmoj" ("Esperanto Películas", llamado así debido a su apoyo a la lengua internacional Esperanto​), que tiene créditos en las películas Temporada de patos, El laberinto del fauno y Gravity, que llevaría a la concesión de su Oscar y su consagración cinematográfica. )

La película en la que interviene en el guión Cuarón también aparecen acreditados cinco escritores como Timothy J. Sexton, David Arata , Mark Fergus , Hawk Ostby y  Hilary Shor. Se atribuye igualmente  contribuciones al actor Clive Owen aunque se referencia es siempre The Children of Men de Phyllips  Dorothy James , la autora que falleció en 2014, famosa por sus novelas policiales bien documentadas y absorbentes y en gran parte protagonizadas por el Inspector Dalgliesh",estuvo muy complacida por cómo se había reescrito su película. 

En la producción se encuentran Iain Smith , Tony Smith,  Marc Abraham , Eric Newman y Hilary Shor siendo los encargados del diseño de la producción Jim Clay y Geoffrey Kirkland  para la productora Strike Entertainment quedando en la distribución la  United International Pictures 

La labor en la banda sonora es el del músico John Tavener  aunque también aporta intensidad la voz de Sarah Connolly . La encargada del vestuario es  Jany Temime 

La fotografía fue labor de otro amigo y colaborador habitual de Cuarón, Emmanuel Lubezki , mientras que el montaje fue cosa de Álex Rodríguez y Alfonso Cuarón que se acredita como director, guionista y editor.

El reparto lo encabeza  Clive Owen como Theo Faron. Junto a él aparecen Julianne Moore como Julian Taylor., Michael Caine como Jasper Palmer, Chiwetel Ejiofor como Luke , Charlie Hunnam como Patric , Clare-Hope Ashitey como Kee.

Junto a ellos están Peter Mullan como Syd,  Pam Ferris como Miriam, y Danny Huston como Nigel, el primo de Theo , Oana Pellea como Marichka,  Paul Sharma como Ian y Jacek Koman como Tomasz . Aparecen igualmente Charlie Hunnam y  Ed Westwick,

La película se desarrolla en un futuro tan cercano como incierto. Estamos en 2027, y desde hace casi  dos décadas, en concreto 18 años, una extraña pandemia ha convertido en infértil a la humanidad. La civilización está al borde del colapso mientras la humanidad se enfrenta a la extinción.  Desde ese momento la sociedad el mundo se ha transformado en un páramo social y algunos sociedad directamente se han hundido. 

El Reino Unido parece uno de los pocos espacios que han sobrevivido pero a un alto precio. Los inmigrantes ilegales huyendo del caos y la guerra que se han apoderado del mundo y que buscan el santuario británico descubren como el Gobierno ¿de su graciosa Majestad? impone opresivas leyes contra la inmigración sobre los refugiados. Gran Bretaña se ha vuelto un estado militarizado mientras las fuerzas del gobierno británico reúnen y detienen inmigrantes. 

En otros sitios hay vida, pero también con dificultades. En un bar , un grupo de británicos escucha con estupor como en Buenos Aires ha fallecido el ser humanos más joven del planeta, un chico de 18 años que ha sido asesinado en plena calle por negarse a firmar un autógrafo , dado que es un humano muy mediático.

La noticia ha impactado en los restos del naufragio de la sociedad británica que escucha con asombro como el futuro cada vez parece más incierto y desolador.

A una cafetería londinense entra un empleado público Theo Faron (Clive Owen) para pedir un café. Como está atestado el bar dado el alto número de personas que escuchan horririzados las noticias decide tomárselo en la calle, a unos metros del local. Mientras le añade el café, el local salta por los aires.

Tras eso Theo vuelve al trabajo impactado y con un fuerte dolor en los tímpanos debido a la detonación. Sin embargo, alega a su jefe que está impactado por la muerte del chcio y le pide un descanso al jefe que se lo concede. 

Tras realizar una llamada marcha en un cercanías. En su desplazamiento vemos un Londres devastado lleno de miseria, de agresiones - el tren es atacado por piedras por manifestantes- y jaulas repletas de inmigrantes custodiados por la policía.

Tras bajarse del tren es recibido en la estación por un amigo Jasper Palmer (Michael Caine) un hombre mayor que él que lo lleva en su coche a su casa de campo dónde vida con su mujer que está en estado catatónico y donde este amigo de Theo consume cannabis y hablan de música y de experiencias. Descubrimos que Theo es un cínico que la muerte del chico le importa relativamente poco.

Al día siguiente Theo Faron se levanta y se dirige al su trabajo de burócrata, pero durante el camino fue secuestrado por los Peces, un grupo militante de los derechos de inmigrantes. El grupo está  dirigido por la ex esposa  de Theo, Julian Taylor (Julianna Moore) , de quien se separó después de la muerte de su hijo Dylan durante la pandemia de gripe de 2008. Julian le ofrece dinero a Theo para adquirir papeles de tránsito para una joven refugiada llamada Kee.

Inicialmente se niega, pero , una vez liberado, Theo va en busca de su primo Nigel (Danny Huston), un ministro del gobierno que dirige una colección de arte rescatado alrededor del mundo patrocinada por el gobierno.  Nigel, el primo de Theo y ministro de alto rango del gobierno. que dirige un programa del Ministerio de Arte, el "Arca de las Artes", que "rescata" obras  de arte como el David de Miguel Ángel (aunque con una pierna rota), el Guernica de Pablo Picasso y el British Cops Kissing de Banksy.

En su casa está el David de Miguel Ángel, comenta que a la Piedad , no llegó a tiempo para salvarla. Comenta que del Prado salvó algunos Velázquez, entre ellos las Meninas, y mientras desayunan aparece en el testero de la pared, El Guernica de Picasso. 

Desayunan con el hijo de Nigel, un joven en la veintena obsesionado con la tecnología que no hace caso a nada ni a nadie. En un momento le pregunta Theo el por qué mantener una colección que en un futuro cercano no podrá ver nadie. Nigel responde que él no piensa en el futuro. 

Pasado un tiempo le concede Nigel  los papeles de tránsito pero requieren que el portador deba ser acompañado, así que Theo acuerda escoltar a Kee (Clare-Hope Ashitey) a cambio de una gran suma de dinero. 

Luke (Chiwetel Ejiofor), un miembro de los Peces, lleva a Theo y a Julian junto a una ex partera Miriam en su auto el que también va una chica joven y a Kee, una chica de  color y joven, hacia un bote en la costa. Cuando Theo y Julian hablan de su pasado en común y lo felices que fueron son emboscados por una pandilla armada y Julian es asesinada. Theo y los demás se salvan por muy poco gracias a la conducción de Luke y a la pericia de Theo que golpea a un motorista armado que los sigue. 

Luke mata a dos oficiales de policía que detuvieron su auto en la huida y entierran a Julian en el bosque mientras Theo rompe en llanto por su muerte, abandonando su auto por otro para escapar a una casa de seguridad de los Peces. 

En la granja los Peces han de elegir nuevo líder, siendo Luke el elegido y en un momento,  Kee le revela a Theo que está embarazada y que Julian le dijo que confiara sólo en él, con la intención de que la entregara al "Proyecto Humano", un supuesto grupo científico con base en los Azores dedicado a curar la infertilidad. 

Sin embargo, Luke persuade a Kee para que se quede y de a luz en la granja. Esa noche, Theo escucha a escondidas una reunión de Luke y otros Peces, descubriendo que la muerte de Julian fue orquestada por una facción de los Peces para que Luke pudiera tomar el control como líder. La intención es matar a Theo por la mañana y usar al bebé como una herramienta política para apoyar la revolución que se avecinaba. 

Ante lo peligroso de la situación, Theo despierta a Kee y Miriam y roban un coche escapando al escondite aislado del amigo anciano de Theo, Jasper Palmer, un ex caricaturista político que ahora vive en parte del comercio de la marihuana con sabor a fresa. 

El grupo planea abordar el barco de Proyecto Humano, de nombre Tomorrow, el cual llegará de alta mar a una boya situada en las cercanías del campo de refugiados de Bexhill. Jasper propone conseguir a Syd, un guardia del campo al que frecuentemente le vende drogas, para pasarlo de contrabando a Bexhill disfrazándose como refugiados. 

Sin embargo, e inesperadamente los Peces descubren la casa de Jasper y el grupo escapa mientras Jasper se queda detrás para entretener a los Peces antes de ser brutalmente asesinado por Luke mientras Theo observa desde una colina elevada. 

El grupo espera a Syd en una escuela abandonada, donde Miriam le confía a Theo cuántos niños fueron abortos en el inicio de la crisis de infertilidad, y su tristeza de cómo "a medida que el sonido de los patios de juego se desvanecía, la desesperación se asentaba. Que extraño, lo que sucede en un mundo sin voces de niños". Mientras le cuenta esto llega Syd (Peter Mullan) que es recibido por la frase acordada: "puto policía fascista de mierda".

Syd los transporta a Bexhill, donde ven a refugiados siendo golpeados, torturados, robados y ejecutados por guardias del campo y policías. Cuando las contracciones de Kee comienzan en un autobús, Miriam distrae a un guardia sospechoso y es bajada del autobús y  encapuchada. 

Ya en el interior del campo de refugiados,  Theo y Kee conocen a su contacto: una mujer gitana, Marichka (Oana Pellea) que , acompañada de un perro está bajo una estatua y quien les provee una habitación donde Kee da a luz a una niña que es asistida por Theo.

Al siguiente día, se persona Syd, los encuentra y le informa a Theo y Kee que ha estallado la guerra entre el ejército británico y los refugiados, incluyendo los Peces. Pero cuando tiene la situación controlada y descubre que hay una niña, les informa que hay una importante gratificación por sus cabezas, Syd intenta llevarselos, pero Marichka y Theo se enfrentan con él y el grupo escapa. 

Logran refugio en la casa de un ruso, un nostálgico de la revolución soviética que los recibe encantados ante la presencia de la bebé. Tras esto salen acompañados de un miembros del grupo ruso, un refugiado polaco llamado Tomasz (Jacek Koman). 

Durante las hostilidades, en las que hay un sin fin de bajas, los Peces capturan a Theo , a  Kee y la bebé. Theo, antes de ser ajusticiado,  se escapa junto a Marichka , a la que finalmente abandona y luego localiza a la madre e hija en un apartamento atacado por fuego pesado. Se enfrenta confronta a Luke, quien muere por un proyectil de lanzacohetes , y la escolta hacia afuera. 

Impresionados por la bebé, los combatientes de los dos bandos , rebeldes y ejercito británico, dejan de pelear temporalmente, mirando a la bebé que gritaba y permitiéndoles salir. Tras salir, prosigue en brutal combate. 

Marichka, que seguía fuera,  guía a Theo, Kee y la bebé hacia un bote en las alcantarillas y Theo comienza a remar. 

Mientras miran a distancia el bombardeo de Bexhill por la Fuerza Aérea Real, Theo revela que Luke le ha disparado y que está mortalmente herido. Le dice a Kee cómo enrollar al bebé para calmar su llanto, y Kee le dice que llamará a la bebé como al hijo perdido de él y Julian, porque "Dylan puede ser nombre de niña también". 

Theo  finalmente muere desangrado a causa de sus heridas , mientras el barco, Tomorrow, se acerca a través de la niebla. 

El filme termina con el título de la película abocinado sobre una pantalla negra, acompañado por el sonido de niños felices jugando en el fondo, sugiriendo quizá que la infertilidad había sido curada y la repoblación del mundo fue posible una vez más. 

La producción se inició como tal en noviembre de 2004 y termino en agosto de 2006. La película se estuvo filmando entre noviembre de 2005 y enero de 2006, aunque algunas escenas adicionales se rodaron a inicios de mayo de 2006. Su rodaje tuvo lugar en dos continentes, América del Sur y Europa.

En el continente austral se rodó en Montevideo, la capital uruguaya, y algunos puntos de Argentina como Buenos Aires en la zona del The Obelisc y Puerto Madero de Buenos Aires .

En Europa principalmente en Gran Bretaña , en distintos condados así como en la capital. Se rodó en los Dockside Buildings de Chatham Historic Dockyard, en Chatham, en el Condado de Kent, en los Stockers Farm, de Rickmansworth, en Hertfordshire, en la londinense Battersea Power Station, de Battersea, en el Tate Modern de Bankside, de Southwark, como Ark Of Arts donde vive Nigel, en el Admiralty Arch, en The Mall, junto a St. James's, en Fleet Street de Holborn y Powis Street en Woolwich Town Centre y en Cable Street, en la zona de Whitechapel, en Hackney Road en los suburbios de Londres al igual que en Old Street de Islington. También en las londinense Ravenscroft Street de Bethnal Green, Scrutton Street, St. James's Park, y Victoria Street en Westminster , así como en Wimbledon Greyhound Stadium de Plough Lane, en el área de Wimbledon, y en la céntrica Trafalgar Square. Se rodó igualmente en East Sussex en concreto en Bexhill-on-Sea, en Surrey en concreto en Bourne Woods de la localidad de Farnham, así como en Eastbourne , Chobham y en puntos de Hampshire como Aldershot Barracks de Aldershot, en Alresford Station y la Watercress Line de Alresford, o en la Church Crookham y Alice Holt Forest. En Hertfordshire se rodó en Bushey, Ashridge Park en la localidad de Little Gaddesden; en Oxfordshire en la RAF Upper Heyford, y en Buckinghamshire tanto en los Pinewood Gardens como en los Pinewood Studios de Iver Heath

Para el rodajo Cuarón apostó por Clive Owen como Theo Faron, un ex activista y "arquetípico hombre ordinario" que a regañadientes se vuelve el salvador. Fue contratado en abril de 2005. Owen pasó varias semanas colaborando con Cuarón y Sexton sobre su papel. Impresionados por las ideas creativas de Owen, Cuarón y Sexton lo incluyen en los créditos por sus aportaciones en el guión declarando Cuarón a Variety que "Clive fue una gran ayuda," "Yo le enviaba un grupo de escenas y escuchaba sus retroalimentación e instintos".

También se contrató a Julianne Moore como Julian Taylor. Para Julian, Cuarón quería una actriz que tuviera la "credibilidad de liderazgo, inteligencia, [e] independencia". Moore fue contratada en junio de 2005, inicialmente para interpretar a la primera mujer que se embarazaba en 20 años. "Es muy divertido trabajar con ella", dijo Cuarón a Cinematical. "Ella solo está tirando de la alfombra por debajo de tus pies todo el tiempo. No sabes dónde pararte, porque ella va a burlarse de ti".

También contaron con Michael Caine como Jasper Palmer, el proveedor y amigo de Theo. Caine basó a Jasper en sus experiencias con su amigo John Lennon​ – la primera vez que ha interpretado a un personaje que se tiraría gases o fumaría cannabis. Cuarón explica: "Una vez que tuvo la vestimenta . Para ello se puso frente a un espejo para mirarse, su lenguaje corporal comenzó a cambiar. Michael amó su papel, creyó que él era este tipo". Michael Phillips del Chicago Tribune nota un aparente homenaje a Schwartz (Mort Mills) en el filme noir de Orson Welles Touch of Evil (1958). Jasper llama a Theo "amigo" en español — tal como hacía Schwartz con el personaje de  Ramón Miguel Vargas (Charlton Heston). Las caricaturas de Jasper que se ven en su casa fueron proveídas por Steve Bell. 

Para Clare-Hope Ashitey como Kee, una inmigrante ilegal y la primera mujer embarazada  que no aparecía en el libro y fue escrita en el filme basada en el interés de Cuarón en la reciente hipótesis del origen singular sobre los orígenes humanos el estatus de gente desposeída: ​ "El hecho de que este niño será el hijo de una mujer africana tiene que ver con el hecho de que la humanidad comenzó en África. Estamos poniendo el futuro de la humanidad en las manos de los desposeídos y creando una nueva humanidad que brotará de eso".

Destaca la película por su enfoque nada convencional en cuanto la narración de un filme de acción, que se intercala con el estilo de documental y noticiario.

La película, una distopía,  basada en la obra de la para mi desconocida escritora P. D. James fue originalmente escrita por Paul Chart y reescrita después por Mark Fergus y Hawk Ostby.

El estudio trajo a bordo al director Alfonso Cuarón en 2001. Cuarón y el guionista Timothy J. Sexton comenzaron a reescribir el guion después de que el director hubiera completado Y tu mamá también.

Temeroso de que "comenzara a cambiar de opinión", Cuarón escogió no leer la novela de P. D. James, optando por dejar a Sexton que leyera el libro mientras él leía una versión reducida.

Cuarón no comenzó inmediatamente la producción, en lugar de eso dirigió Harry Potter y el prisionero de Azkaban.

Durante este periodo, David Arata reescribió el guion y entregó el borrador que garantizó a Clive Owen y mando al filme a pre producción.

La experiencia de trabajo del director en el Reino Unido lo expuso a las "dinámicas sociales de la psique británica", dándole ideas para la representación de la "realidad británica". De hecho, Hijos de los hombres fue el segundo filme de Cuarón hecho en Londres, retratando a la ciudad como un personaje más, grabando , rodando planos generales de la ciudad.

Cuarón buscó referencias cinematográficas en otras películas y parece ser que ha declarado que le sirvió de referencia el filme La batalla de Argel de Gino Pontecorvo como un modelo para la reconstrucción social en preparación para la producción, presentando el filme a Clive Owen como un ejemplo de su visión de Hijos de los hombres.

Para crear un margen filosófico y social para el filme, el director leyó literatura de Slavoj Žižek, así como trabajos similares.

Mientras Cuarón se preparaba para el filme, ocurrieron los atentados del metro de Londres, pero nunca consideró mover la producción. "Habría sido imposible filmar en cualquier otro lugar que no fuera Londres por la muy obvia manera en que las locaciones fueron incorporadas al filme", dijo Cuarón a Variety, "Por ejemplo, la toma de Fleet Street mirando hacia St. Paul habría sido imposible de filmar en cualquier otro lugar".

Debido a estas circunstancias, la primera escena del ataque terrorista en Fleet Street fue filmada un mes y medio después del bombardeo de Londres. Cuarón escogió filmar algunas escenas en l zona de East Londres, una locación considerada como "un lugar sin glamour". Las locaciones fueron disfrazadas para hacerlas parecer incluso más deterioradas; Cuarón le dijo al equipo "'Hagámoslo más mexicano'. En otras palabras, mirábamos a una locación y decíamos: si, pero en México habría esto y esto. Se trataba de hacer que el lugar luciera más deteriorado. Era sobre pobreza".

También se rodó en algunos de los sitios más populares de Londres como Trafalgar Square y Battersea Power Station. La escena de la central eléctrica (cuya conversión en un archivo artístico es una referencia al Tate Modern) ha sido comparada con Red Desert de Antonioni.

Cuarón añadió un globo de cerdo visible entre la entrevista entre Nigel y Theo como un homenaje a Animals de Pink Floyd.

Las compañías londinenses de efectos visuales Double Negative y Framestore trabajaron directamente con Cuarón desde el guion hasta la pos producción, desarrollando efectos y creando "ambientes y tomas que de otra forma no serían posibles.

El Histórico Astillero en Chatam fue usado para filmar la escena en la casa de seguridad vacía de los activistas. 

Como ya he señalado es una película interesante. Hable de muchos temas, de grandes temas.  Habla de la Esperanza, de la Fe, del final de la humanidad.

Hijos de los hombres explora los temas de esperanza y fe rente a la desesperación en una una sociedad incapaz de reproducirse y la esperanza de un nacimiento para que sobrevivan las futuras generaciones humanas.

Se habla también de la necesidad de la luchar, del sufrimiento de la inevitabilidad  de la muerte . De cualquier manera Cuarón no intenta explicar el por qué de la infertilidad. No hay una explicación ambiental aunque siempre hay humo y neblina en el ambiente. No habla de Dios, como creo que sí habla la novela. Cuarón no da razones. El mexicano había declarado  en alguna ocasión que "Hay una clase de cine que detesto, el cual es un cine que trata de exposición y explicaciones... Se ha vuelto ahora lo que yo llamo un medio para lectores perezosos... El cine es una narrativa de rehenes. Y soy muy bueno en la narrativa como un rehén del cine." La respuesta vital a la desesperanza es el "casi mítico " Proyecto Humano  y eje buscar cobijo en el barco "Tomorrow".

Igual de presente está el elemento religioso. De acuerdo con Cuarón, el título del libro de P. D. James (Children of men) es una alegoría católica derivada de un pasaje de escritura en la Biblia. y de uno de sus Salmos que dice "Pues vuelves al hombre hacia la destrucción; Y dices: Convertíos, hijos de los hombres". James se refiere a su historia como una "fábula cristiana" mientras Cuarón la describe como "casi un vistazo al cristianismo". En ese sentido declaró que "no quise espantarme de los arquetipos espirituales", Cuarón dijo a la Filmmaker Magazine. "Pero no estaba interesado en lidiar con dogmas".

El filme está lleno de simbolismo cristiano; por ejemplo, los "Peces" protegen los derechos de los refugiados Estrenándose en Navidad en los Estados Unidos, los críticos compararon a los personajes de Theo y Kee con María y José, llamando al filme una "moderna historia de la Natividad".

El embarazo de Kee le es revelado a Theo en el granero, aludiendo al pesebre en al escena de la Natividad; cuando Theo pregunta a Kee quién es el padre del bebé ella declara bromeando que es virgen; y cuando otros personajes de descubren a Kee y su bebé, responden con "Jesucristo" o la señal de la cruz. También el Arcángel Gabriel (entre otras figuras religiosas) es invocado en la escena del autobús.

Para resaltar estos temas espirituales, Cuarón comisionó una pieza de 15 minutos al compositor británico John Tavener, miembro de la iglesia ortodoxa oriental cuyos trabajos resuenan con los temas de "maternidad, nacimiento, renacimiento y redención en los ojos de dios". Llamando a su partitura como una "reacción musical y espiritual al filme de Alfonso", retazos de "Fragmentos de una Oración" de Tavener contienen letras en latín, alemán y sánscrito cantados por la mezzo-soprano Sarah Connolly. A esto se suma el lenguaje director integrado por palabras como "mata" (madre), "pahi mam" (protégeme), "avatara" (salvador) y "alleluia" aparecen a lo largo del filme.

Cuarón  declaró que "Queríamos que el final fuera un vistazo de una posibilidad de esperanza, para que la audiencia invirtiera su propio sentido de esperanza en ese final. Así que si tu eres una persona esperanzada verás mucha esperanza y si eres una persona sombría verás una total desesperanza al final".

Otro tema que toca de lleno la película es el papel de los refugiados, algo tan presente en el momento como lo ha sido más tarde con el tema de los refugiados sirios o el tristemente campamento de Calais, que tenía como objetivo llegar a Gran Bretaña. Los críticos de cine Michael Rowin, Jason Guerrasio y Ethan Alter  destacan ese papel de la  inmigración en el filme . Ethan Alter destaca  que el film "hace un caso potente contra el sentimiento anti migratorio" popular en las sociedades modernas como el Reino Unido y los Estados Unidos, mientras que Guerrasio describe al filme como "una meditación compleja sobre las políticas de hoy".

Para Alter y otros críticos,  hay mucho del presente en ese campo de refugiados . Está desde Abu Ghraib, a Guantánamo  pasando por el Tarajal o el Campamento de Calais o los de sirios en Turqía, Grecia o Macedonia.

Manohla Dargis, quien describe los paisajes ficticios de Cuarón como "zonas de guerra de extraordinaria plausibilidad" en  el que los refugiados son "cazados", reunidos y metidos  en jaulas y campos, e incluso disparados, lo que lleva a críticos de cine como Chris Smith y Claudia Puif a observar los simbólicos "trasfondos" e imágenes del Holocausto.

Este tema es reforzado en la escena donde una anciana refugiada hablando alemán es detenida en una jaula27​ y en la escena donde la seguridad nacional británica desviste y golpea inmigrantes ilegales; una canción de The Libertines, "Arbeit macht frei", suena en el fondo."

Las alusiones visuales de las detenciones nazis son permanente", escribe Richard A. Blake. "Muestra en lo que la gente se puede convertir cuando el gobierno orquesta sus miedos para su propio beneficio". Cuarón explica cómo usa estas imágenes para propagar el tema al usar referencias cruzadas ficticias y eventos futuristas con incidentes y creencias reales, contemporáneas o históricas: Desalojan los apartamentos rusos y la siguiente toma que ves es esta mujer gimiendo, sosteniendo el cuerpo de su hijo en sus brazos. Esto es una referencia a una fotografía real de una mujer sosteniendo el cuerpo de su hijo en los Balcanes, llorando con el cadáver de su hijo. Es muy obvio que cuando el fotógrafo capturó la fotografía, estaba referenciando a La Pietà, la escultura de Miguel Ángel de María sosteniendo el cadáver de Jesús

La escritora y crítica de cine, Laura Eldred de la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill observa que Hijos de los hombres está "llena de cositas que hacen un llamado a la audiencia educada" y con continuas llamadas de atención a escritores clásicos y contemporáneos como T. S. Eliot , la Eneida de Virgilio, la Divina Comedia de Dante o los Cuentos de Canterbury de Chaucer

Destaca Colin Covert del Star Tribun que gran parte del estilo y del diseño de la película "En la mayoría de las historias épicas, los efectos especiales sustituyen a la historia. Aquí la adelantan sin problemas", observa  Las vallas publicitarias fueron diseñadas para balancear una apariencia contemporánea y futurista así como para visualizar fácilmente lo que estaba ocurriendo en el resto del mundo en ese periodo, y los autos fueron hechos para parecerse a los modernos en un primer vistazo, aunque una mirada más cercana los hacía ver no familiares.

Cuarón informó al departamento de arte que el filme era el "anti-Blade Runner", rechazando propuestas de tecnología avanzada y minimizando los elementos de ciencia ficción del escenario de 2027. El directo se enfocó en imágenes que reflejan el periodo contemporáneo.

Children of Men usó varios planos secuencia largos en los cuales acciones extremadamente complejas tienen lugar. Los más largos de estos son una toma donde Kee da a luz  ; una emboscada en un camino rural   y una escena donde Theo es capturado por los Peces, escapa y corre por una calle y a través de un edificio en medio de una violenta batalla. Estas secuencias fueron extremadamente difíciles de filmar, aunque el efecto de continuidad es a veces una ilusión, añadida por efectos CGI.

La creación de los plano secuencia fue un proceso retador y que consumió tiempo, lo que desató preocupaciones del estudio. Tardó catorce días preparar el rodaje  en el que el personaje de Clive Owen busca un edificio bajo el ataque, y cinco horas cada vez que quería rodarla de nuevo. A mitad de una toma, saltó sangre en el lente, y el director de fotografía Emmanuel Lubezki convenció al director de dejarla. De acuerdo con Owen, "Justo en medio de ella estamos el operador de la cámara y yo porque estamos haciendo está muy complicada, muy específica danza en la cual, cuando filmamos, tenemos que hacer que se sienta completamente aleatoria".

La idea inicial de Cuarón de mantener la continuidad durante la escena de la emboscada al borde del camino fue descartada por los expertos en producción por ser una "toma imposible de hacer".

Cuarón sugirió usar imágenes generadas por computadora para filmar alguna escena, pero Lubezki se rehusó a permitirlo, recordándole al director que tenían intenciones de hacer un filme parecido a un "documental crudo".

Hubo adaptaciones de cámaras y de vehículos  con todo el supervisor de efectos visuales Frazer Churchill explica que el equipo de efectos tuvo que "combinar varias tomas para crear tomas largas imposibles", donde su trabajo era "crear la ilusión de un continuo movimiento de la cámara". Una vez que el equipo era capaz de crear una "mezcla perfecta", se moverían a la siguiente toma.

En una entrevista con Variety, Cuarón reconoció esta naturaleza de las secuencias de acción de una toma: "Tal vez estoy revelando un gran secreto, pero a veces es más de lo que parece. Lo importante es cómo mezclas todo y mantienes la percepción de una fluida coreografía a través de estas diferentes piezas".

Cuarón usó sonido y música para traer el mundo ficticio de malestar social e infecundidad a la vida. Una combinación creativa pero contenida de rock, pop, electrónica, hip-hop y música clásica reemplazan a la típica banda sonora. Los sonidos mundanos de tráfico, perros ladrando y anuncios, siguen al personaje de Theo a través de Londres, East Sussex y Kent, produciendo lo que el escritor de Los Angeles Times, Kevin Crust, llama un "retumbar de audio urbano". Para Crust, la música comenta indirectamente en el mundo estéril de Children of Men: la versión de Deep Purple de "Hush" sonando a todo volumen en el radio del coche de Jasper, se vuelve una "astuta canción de cuna para un mundo sin bebés", mientras que "The Court of the Crimson King" de King Crimson hace una alusión similar con sus letras: "tres canciones de cuna en una lengua antigua".

También suena música electrónica, , pero también de Radiohead , de Kode & The Space Ape y Pressure. incluso música clásica de George Frideric Handel, Gustav Mahler y la "Threnody to the Victims of Hiroshima" de Kyrzysztof Penderecki complementan el caos del campo de refugiados.

A través del filme, Fragments of a Prayer de John Tavener , el músico al que se le acredita en la película es usada como un elemento espiritual para explicar e interpretar la historia sin el uso de la narrativa.

Children of Men tuvo su estreno mundial en el 63 Festival Internacional de Cine de Venecia el 3 de septiembre de 2006.

Pocos días después, en concreto, el 22 de septiembre de 2006, el filme  se estrenó en el Reino Unido con $2.4 millones en 368 pantallas.. Meses más tarde hubo un lanzamiento limitado en 16 cines de Estados Unidos el 22 de diciembre de 2006, expandiéndose a más de 1,200 cines el 5 de enero de 2007.

Para el 6 de febrero de 2008, Children of men había recaudado $69,612,678 en todo el mundo, con $35,552,383 de las ganancias generadas en Estados Unidos.

Una vez estrenada Children of Men recibió una buena acogida por la crítica. En Rotten Tomatoes, el filme recibió una valuación de 92% de aprobación basada en 237 reseñas de críticos; el consenso declara: "Children of men trabaja en todos los niveles: como un thriller de persecución violenta, un fantástico cuento aleccionador y un sofisticado drama humano sobre sociedades luchando por vivir". En Metacritic, el filme tiene una calificación de 84 de 100, basada en 38 reseñas, indicando "aclamación universal". En IMDb el filme tiene una valoración de 7'9 sobre 10.

Dana Stevens de Slate lo calificó ´como "el heraldo de otro bendito evento: la llegada de un gran director con el nombre de Alfonso Cuarón". Stevens elogió las escenas de la persecución automovilística y las batallas como "dos de las más virtuosas secuencias de persecución que he visto".

Para Manohla Dargis del The New York Times se trata de un " thriller político magníficamente dirigido", lloviéndole reconocimientos en las largas escenas de persecución. Además Manohla Dargis comenta que " (...) nada en las películas anteriores de Cuarón te prepara para el brutal realismo de esta explosión, que incluso aquí es más terrible por parecer tan verosímil."

Para  Peter Travers de Rolling Stone lo reconoce como uno de los mejores filmes de la década, escribiendo: "Pensé que el filme del director Cuarón sobre la fábula político futurista de P. D. James era bueno cuando se estrenó en 2006. Después de repetidas vistas, sé que "Children of men" es indiscutiblemente genial... Ninguna película en esta década estuvo más impregnada de triste belleza y acción estimulante. No miras la escena de la emboscada del auto (pura magia de la cámara) — la vives. Esa es la magia de Cuarón: te hace creer".

Derek Elley de Variety destaca que es "A ratos apasionante retrato de una Inglaterra no tan futurista (...) una interesante -pero con fallos- muestra de una sociedad opresiva y enferma. (...) maravillosamente excéntrica interpretación de Michael Caine."

Roger Ebert del Chicago Sun-Times nos dijo sobre ella que "Las interpretaciones son (...) del todo convincentes. (...) Y aprendemos que la única cosa de la que tenemos tener miedo en el futuro es del propio pasado. De nuestro pasado. De nosotros mismos. (...) ."

Para Ethan Alter del Film Journal International, es  "Fácilmente uno de los mejores filmes del año" con escenas que te "deslumbran con su complejidad técnica y virtuosidad visual".

En la prensa británica Jonathan Romney de The Independent elogió la precisión del retrato de Cuarón del Reino Unido, pero criticó algunas de las escenas futuristas como las "típicas fantasías futuristas".

Stella Papamichael de la BBC Television Centre sostiene que "Cuarón pinta un apasionantemente lúgubre retrato de una Gran Bretaña sumida en la anarquía en el año 2027, pero el guión también se ve afectado por el desorden. (...) ."

La encuesta sobre los mejores filmes de 2006 a los críticos de Film Comment clasificó al filme como con el número 19, y The A.V. Club, el San Francisco Chronicle, Slate y The Washington Post la colocaron en el número uno. El Entertainment Weekly la clasificó como séptimo en su lista de mejores diez de fin de la década, diciendo: "El filme distópico de 2006, de Alfonso Cuarón, nos recordó que secuencias de acción cargadas de adrenalina funcionan mejor cuando el futuro luce tan mugriento como hoy".

En España Oti Rodríguez Marchante en el ABC destacaba qie "Cuarón consigue crear un cuadro desolador de nosotros mismos (...) impresionante trazo hiperrealista."

Para  Carlos Boyero en  El Mundo "Cuarón logra clima de ciencia-ficción. (...) El mexicano filma su mejor película en EEUU con una potente adaptación de una agobiante historia futurista (...) consigue atraparte y ponerte los pelos de punta." También en El Mundo Luis Martínez  nos habla de una  "Obra maestra"

Javier Ocaña en  El País comenta que la película tiene una "Impecable ambientación de corte realista que sobrecoge por su crudeza. Cuarón se desenvuelve a la perfección por el fango (...) la única cojera de la película es que el continente termina siendo mucho más importante que el contenido" España

Jordi Picatoste Verdejo Fotogramas "La cinta se vive intensamente (...) Lo mejor: la intensidad in crescendo del viaje. Lo peor: los aires de grandeza de su primera media hora. (...) ."

Los guionistas de Children of men fueron premiados en los Premios SC Scripter Award por la adaptación cinematográfica de la novela; Howard A. Rodman, presidente de la USC School of Cinematic Arts Writing Division, describe a la adaptación como "escritura y guionismo del más alto orden", aunque en el Frankfurter Allgemeine Zeitung, destacó que el guion recuerda muy poco a la novela, y lo mucho que difería de ella , pues la embarazada era Julian

El filme también fue nominado en la categoría de Mejor guion adaptado en la 79 entrega de los premios Oscar. Children of Men también recibió nominaciones de la academia a Mejor fotografía (Emmanuel Lubezki) y Mejor montaje (Alfonso Cuarón y Alez Rodríguez y mejor guión adaptado.

En los British Academy of Film and Television Arts, vamos, los BAFTA ,  nominó a Children of men a Mejores efectos visuales y lo honró con los premios de Mejor fotografía y Mejor diseño de producción en su  60 entrega.

El director de fotografía Emmanuel Lubezki ganó el premio de Mejor fotografía de largometraje en los 21st American Society of Cinematographers Awards. También fue reconocido por la  Australian Cinematographers Society dándole en  2007 el International Award for Cinematography por Children of Men.

Tuvo tres  nominaciones en el  Festival de Venecia entre ellas a la Mejor contribución técnica (escenografía)

El Círculo de Críticos de Nueva York la nominó por su Mejor fotografía  al igual que la Asociación de Críticos de los Angeles y la Asociación de Críticos de Chicago

En los Premios Sur fue nominada a mejor película extranjera y The Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films confirió el Saturn Award for Best Science Fiction Film a Children of Men, y recibió la nominación a Mejor Drana eb Largo formado por los miembros del World Science Fiction Convention.

Como ya he dicho destacar que está coproducción entre el Reino Unido y los Estados Unidos  me ha encantado sobre todo por lo inesperada , por la profundidad de unos temas que invitan a pensar , por su tono apocalíptico pero que deja algún atisbo a  la esperanza , la redención y fe, - a lo mejor estoy condicionado por escribir esto en Semana Santa-  por su guión , por su fotografía, por la dirección artísticas, por el magnífico trabajo de Clive Owen y del resto del elenco - magistral Michael Caine- sus magníficos y complejos planos secuencia de acción, por sus batallas y asaltos espeluznantes y por la necesidad que tiene el ser humano de buscar una paz, aunque sea interior.

No hay problema, trainspotting

No se que es lo más me gusta de Trainspotting, si la música, si la historia, si el toque a veces de comedia de una historia negra, negrísima, si el retrato  que hacen del mundo de la droga,...No se todo en su conjunto es grandioso. Sin duda alguna hablamos de una de las películas más impactantes que vi en los noventa y que hoy, la vuelvo a ver, y sigo pensando que es magnífica . Por ella no ha pasado el tiempo. 

Tenía muchas ganas de volver a verla. Desde finales de febrero del pasado año, tras haber estado disfrutando de un ventoso y húmedo Edimburgo, por el que pasee . Mientras estaba por la ciudad,a demás de leer, que , en principio la historia se desarrolla por sus calles. Además estuve en un centro cinematográfico de la capital escocesa en la que anunicaban el estreno, ocurrido unas semanas - pocas- antes de un  Trainspotting 2.

Por cierto que el título Trainspotting tiene un doble significado: por un lado hace referencia a un pasaje del libro en el que Begbie y Renton conocen a un borracho en la estación de trenes. Begbie y Renton usan la estación para hacer sus necesidades y el borracho les pregunta, intentando hacer un chiste, si están haciendo trainspotting. Lo cierto es que el término anglosajón trainspotting se utiliza para refererirse a la afición relativamente popular en el Reino Unido de observar trenes; un término similar es planespotting, que tiene por objeto observar aviones.

La palabra trainspotting hace referencia al hecho de observar cómo los trenes atraviesan el horizonte. Por otra parte, hace referencia al argot escocés en donde el término trainspotting significa 'buscar una vena para inyectarse droga'. La expresión carece totalmente de sentido y en la novela, Welsh establece un paralelismo entre esta afición y el consumo de heroína, que considera una práctica absurda y sin sentido para las personas que no son adictas.

La película es una muestra del nuevo cine británico que en aquel 1996 se presentó en sociedad por medio de este tipo inteligente que es y lo demuestra Danny Boyle. Un director de cine, formado en los Salesianos y en la televisión británica y que siempre ha reconocido ser deudor de cinco obras maestras : Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, Ladrón de bicicletas de Vittorio de Sica, Wallace y Gromit The Wrong Trousers de Nick Park, Au revoir les enfants de Louis Malle, y Eureka de Nick Roeg.

Hombre de amplio espectro en lo artístico fue en el año 2012 fue el encargado de dirigir la ceremonia de inauguración de los XXX Juegos Olímpicos que tuvo lugar en Londres. A pesar de haber comenzado con una obra para la gran pantalla como , fue Trainspotting (1996) quien lo lanzo al reconocimiento. A esa siguieron entre otras La playa (2000), 28 Days Later (2002) y 28 Weeks Later (2007) - aquí como productor ejecutivo- Slumdog Millionaire (2008) con la que fue ganador del Globo de Oro y del Óscar por mejor director y mejor película, y Steve Jobs (2015) con Michael Fassbender como Steve Jobs . A esta le siguió la citada T2: Trainspotting 2.

El primer Trainspotting estaba basada en la novela homónima escrita por Irvine Welsh que narraba de forma irónica la  historia de un grupo de jóvenes amiguetes heroinómanos de los suburbios de clase baja de Edimburgo, quienes no tienen aspiración alguna por la vida salvo drogarse o conseguir dinero sucio.

Se trataba de una producción de Andrew Macdonald y Christopher Figg Productora para la productora Film4 Productions , Channel Four Films, Figment Film, The Noel Gay Motion Picture . Contó con un presupuesto de £ 1.5 millones

Para hacerla contaron con el guión de  Irvine Welsh y John Hodge basada en la obra Trainspotting de Irvine Welsh  publicada en 1993. El título en el libro hace referencia a un pasaje en el que Begbie y Renton conocen a un borracho en una estación de ferrocarril abandonada en el que ambos hacen sus necesidades. El señor ebrio pregunta en tono de humor si están haciendo trainspotting (juego de palabras con tren y orinar). El propio Welsh hace un par de cameo en la película como traficante de unos supositorios para Renton y siendo la persona que les informa de la posibilidad del negocio con la droga.

La música de la película fue labor de Damon Albarn quedando el maquillaje en manos de Graham Johnston , mientras que la fotografía lo fue de Brian Tufano , el montaje Masahiro Hirakubo y el vestuario de Rachel Fleming.

El reparto lo encabeza Ewan McGregor como Mark "Rent Boy" Renton, el protagonista y narrador, un adicto a la heroína . Junto a el integrando el grupo de amiguetes está Ewen Bremner como Daniel "Spud" Murphy, un adicto a la heroína de ingenio lento y bondadoso, y amigo de Renton , Jonny Lee Miller como Simon "Sick Boy" Williamson, un estafador amoral, adicto a la heroína y amigo de Renton , Robert Carlyle como Francis "Franco" Begbie, un amigo violento y psicópata de Renton, y yo último ,  Kevin McKidd como Thomas "Tommy" MacKenzie, un atleta limpio que sucumbe a la adicción a la heroína y contrae el VIH .

Junto a ellos aparece Kelly Macdonald como Diane Coulston, una colegiala de 15 años que chantajea a Renton para que salga con ella , Peter Mullan como Swanney "Madre Superiora",  Eileen Nicholas como la señora Renton , James Cosmo como Mr Renton , Susan Vidler como Allison . Pauline Lynch como Lizzy,  Shirley Henderson como Gail Houston y  Stuart McQuarrie como Gav Temperley. También participan de la película el ya citado  Irvine Welsh como Mikey Forrester , Kevin Allen como Andreas , Keith Allen como el distribuidor,  Gary Crombie como The Drug Tester , Dale Winton como Game Show Hos.

La película empieza con un monólogo de Mark Renton (Ewan McGregor), mientras él y su amigo Spud (Ewen Bremner) corren por Princes Street perseguidos por unos guardias de seguridad. El inicio de la película, Renton lanza un mensaje contra la sociedad en la que vive, mientras suena Lust for life, de Iggy Pop. La secuencia aparece en cualquier lista con las mejores escenas de la historia del cine.

Renton nos dice: "Elige tu futuro. Elige la vida... ¿pero por qué iba yo a querer hacer algo así? Yo elegí no elegir la vida: yo elegí otra cosa. ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?". Renton declara que, a diferencia de la gente que «escogió una vida» (hijos, estabilidad financiera y posesiones materiales), él eligió vivir como un heroinómano.

Casi de inmediato conocemos el círculo cercano de Renton a los que vemos echando un partido de fútbol . Ellos  el artista , desesperado , conocedor de todo lo de Sean Connery y amoral Sick Boy (Jonny Lee Miller), el atlético y apuesto Tommy (Kevin McKidd), el ingenuo y afable Spud y el violento sociópata Francis Begbie (Robert Carlyle).

Sick Boy, Spud y Renton son totalmente heroinómanos, y pasan todo el tiempo inyectándose heroína ofrecida por su amigo Swanney (Peter Mullan) en una habitacición cochambrosa en la que también esta Allison, otra adicta con su bebe. Por lo tanto, Mark Renton  y sus amigos  viven fuera de la realidad, en un mundo aparte.

Un día, Renton decide abandonar la heroína . En principio compra todo lo necesario para pasar el mono - latas de comida fría y sopa- , sella su puerta con maderas,etc...dándose cuenta de que él necesita algo más intenso para pasar el mono por lo que compra supositorios rectales de opio, vendidos por Mikey Forrester (Irvine Welsh).

Después de introducirselos y de tener una una violenta diarrea en el servicio más sucio de toda Escocia logra inicialmente pasar la abstinencia.

Tras eso vuelve con sus amigos  con un Sick Boy que y también lo ha dejado, pero que no tiene reparo en seguir fastidiando al personal.

Tras fallar en su intento de oponerse a las drogas va con sus amigos a un club, aflorando un deseo sexual, y finalmente flirtea con una joven chica, Diane (Kelly Macdonald).

Después del sexo, Diane no lo deja dormir en su cuarto y pasa la noche en un sofá en el corredor fuera de la habitación.  A la mañana siguiente, se da cuenta de que Diane es una colegiala adolescente y que sus supuestos compañeros de piso son realmente sus padres. Horrorizado, Renton intenta evitar un incidente, y sigue siendo amigo de Diane.

Por su parte, esa misma noche  Tommy es abandonado por su novia Lizzy después de  que Renton le hubiese tomado prestado una de las cintas caseras de sexo personal de Tommy y Lizzy, escondida en una caja de vídeo de fútbol. Furiosa, Lizzy cree que Tommy había devuelto la cinta a la videoteca por error cuando en realidad estaba en poder de Renton que la había visto con Sick Boy.

Sick Boy, Spud y Renton deciden regresar a la heroína, y un desconsolado Tommy también entra en la droga, a pesar de la reticencia de siempre para entrar en las drogas. Tommy era el deportista del grupo y amante de los paseos por el campo escocés.

Tras ser abandonado por su chica Tommy busca refugio en la heroína. Así que la totalidad del grupo vuelve al piso de la su "majestad" Swanney. Están en ello cuando Allison,   amiga de todos y adicta, descubre que su bebé, Dawn, ha fallecido debido a una sobredosis traspasada de su madre a él durante la lactancia. Todos están horrorizados y afligidos, especialmente Sick Boy, de quien se insinúa que es el padre de Dawn y para superarlo, se vuelven a drogar.

Pero aquello hay que pagarlo, así que Renton y Spud dan palos, al igual que el resto robando desde elementos de coches hasta a los turistas que van al Festival de Teatro de Edimburgo. Un día Renton y Spud son luego capturados detenidos  por robar una tienda de libros, una escena vista al inicio de la película.

Debido a condenas previas, Spud va unas semanas a prisión, pero Renton evita el castigo entrando al Programa de Intervención de Drogas, donde se le da metadona.

A pesar del apoyo de su familia y amigos, Renton se siente constantemente depresivo y aburrido de su vida y escapa a la habitación de Swanney, donde casi muere por sobredosis. Su distribuidor lo envía al hospital en un taxi.

Los padres de Renton lo llevan a casa y lo encierran en su vieja habitación para que se enfrente a la adicción y se preparan para pasar el "mono". Cuando Renton trata de dormir en su cama, empieza la etapa severa de los síntomas de la abstinencia: delira y ve a Begbie en su cama, a Diane cantándole, a su amigo Tommy hablándole drogado, a su amigo Spud encandenado en lo alto de la puerta y al bebé muerto de Allison gateando en el techo.

En esos está cuando su padre y su madre, en medio de una epidemia de SIDA que atacaba a gran parte de los "yonkis" , lo llevan a hacerse un análisis. Así que en esa abstinencia de la heroína  el siente que ha entrado en un extraño e imaginario programa de televisión de juegos en vivo en donde el presentador, Dale Winton, pregunta a los padres de Renton sobre el VIH. Renton es finalmente despertado de las pesadillas y alucinaciones por sus padres, quienes le dicen que debe hacerse la prueba. Aún con los años que llevaba compartiendo jeringas con otros adictos, el examen de Renton sale negativo. Ya recuperado , y pese a estar limpio de todo ,  Mark se siente aburrido y algo angustiado, creyendo que su vida no tiene propósito.

Un día va de visita al piso de  Tommy, quien ahora ha caído mucho más en la adicción, viviendo solo, triste, con VIH, en una habitación oscura y mugrienta. Cuando Tommy le pregunta a Renton si lleva algo este le dice que está limpio. Ahora Tommy le pide dinero y es el momento en que le dice a éste, No hay problema Tommy.

Más tarde Diane decide visitar a Renton. Ella termina siendo la voz de la razón en toda esta historia, ya que gracias al consejo que le da a Renton se muda a Londres y empieza a trabajar como un agente de alquiler de propiedades.

Comienza a disfrutar su vida de sobriedad y ahorra un dinero, mientras le manda cartas a Diane. Su felicidad no dura mucho. Pues Begbie que ha cometido un robo a mano armada es buscado en Edimburgo así que busca refugio en la habitación londinense de Renton para  esconderse de la policía.

Poco después es Sick Boy, quien ahora trabaja como un proxeneta bien informado y vendedor de drogas, también aparece en la puerta de Renton.

Los «amigos» de Renton empiezan a arruinar su nueva vida, robándole todo, incluida su televisión alquilada, y destrozando su habitación. Para poder deshacerse de ellos, éste les da una propiedad de la que él es responsable pero que ellos la usarían para robar. No tardaría mucho para que los echen de allí.

De pronto, llega una noticia lamentable: Tommy acababa de morir por toxoplasmosis por culpa de un gato dada sus nulas defensas y viajan de vuelta a Edimburgo para asistir a su funeral. En el responso se encuentran con Spud, quien ya había salido de prisión tiempo antes.

Terminado el funeral Sick Boy propone a los muchachos restantes una provechosa -pero peligrosa- transacción de heroína en Londres. Éste necesita la ayuda de Renton para suministrar la mitad de las 4.000 libras esterlinas necesarias para llevar a cabo el negocio.

Después de la adquisición, y mientras van en  autobús camino a Londres, Renton se inyecta una dosis de heroína para verificar su pureza. Luego, los cuatro venden la heroína a un traficante por 16.000 libras esterlinas.

Tras el éxito de su misión, aunque les han tomado, van por la tarde a un bar a celebrarlo, y en eso momento hablan de posibles planes para el dinero. Cuando Begbie da a la orden de pedir otra ronda de cervezas y Sick Boy va al baño, Renton sugiere a Spud tomar juntos el dinero y largarse.

A Spud le atemoriza la idea de querer robarle a sus amigos,  pero Renton cree que Sick Boy y Begbie no se merecen el dinero. Terminatodo,  de pronto, cuando Begbie se desquicia y protagoniza nuevamente una riña en el pub, dejando incluso herido a Spud.

Mientras  todos están durmiendo  en la misma habitación del hotel donde hicieron la transacción, Renton decide tomar sigilosamente el dinero y marcharse solo. Spud, con vendajes en la mano, lo ve irse pero no se lo dice al resto.

Tras darse cuenta de que le robaron, Begbie enloquece de ira y destroza la habitación del hotel donde estaban alojados, lo que   atrae a los policías. Spud y Sick Boy sólo estaban afuera oyendo todo, por lo que también optan por irse y dejarlo solo.

La película finaliza con Renton caminando por un puente londinense mientras está amaneciendo, hablando de  su futuro , de lo malo que es , y Renton reitera su promesa de vivir una vida estable y tradicional, pero que no tiene remordimientos , mientras suena la música. Finalmente, Renton deja un fajo de dinero en la taquilla de una consigna.

En la última escena vemos  Spud recogiendo el dinero (4.000 libras esterlinas) que Renton le dejó en una consigna de la estación de autobuses.

Trainspotting se rodó a mediados de 1995 y aunque ambientada en Edimburgo , casi toda la película se filmó en Glasgow, salvo  las escenas de apertura, que se filmaron en Edimburgo, y las escenas finales que se rodaron en Londres,  durante siete semanas con un presupuesto de £ 1,5 millones con el elenco y el equipo trabajando en una fábrica de cigarrillos abandonada en Glasgow . Debido a limitaciones de tiempo y un presupuesto ajustado, la mayoría de las escenas se hicieron en una toma, lo que contribuyó al aspecto sucio de la película. Por ejemplo, cuando Renton se hunde en el piso después de una sobredosis de heroína, el equipo construyó una plataforma sobre una trampilla y bajó al actor. Las heces en la escena 'Lo peor del baño en Escocia' estaban hechas de chocolate.

La escena de apertura de Renton y Spud siendo perseguido por la seguridad por el robo en las tiendas sí se filmó , cosa que he reconocido a la perfección, en Edimburgo, en Princes Street y Calton Road bajo Regent Bridge.

El parque donde Sick Boy y Renton discuten sobre James Bond , Sean Connery y The Name of the Rose es Rouken Glen Park en Giffnock , cerca de Glasgow .  La estación de trenes Corrour es el escenario de la escena "al aire libre" en la película, donde Tommy sugiere que el grupo suba Leum Uilleim .

Las escenas donde hacen su negocio de drogas tienen lugar en Bayswater y es una escena en la que parodian la portada del álbum de los Beatles Abbey Road se lleva a cabo cuando salen de Smallbrook Mews cruzando Craven Road hacia el Royal Eagle, 26-30 Craven Road, Bayswater . La escuela a la que asiste Diane es Jordanhill en el West End de Glasgow.

El productor Andrew Macdonald leyó el libro de Irvine Welsh en un avión en diciembre de 1993 y consideró que podría convertirse en una película. Se dirigió al director Danny Boyle y al escritor John Hodge en febrero de 1994.  Boyle estaba entusiasmado con su potencial de ser la "película más enérgica que hayas visto jamás", sobre algo que finalmente termina en el purgatorio o peor ".

Hodge lo leyó y se propuso como objetivo "producir un guión que pareciera tener un comienzo, un desarrollo  y un final, y que duraría 90 minutos y transmitiría al menos parte del espíritu y el contenido del libro".

Boyle convenció a Welsh para que les dejara los derechos de su libro al escribirle una carta que decía que Hodge y Macdonald eran "los dos escoceses más importantes desde Kenny Dalglish y Alex Ferguson ".  Welsh recordó que originalmente las personas que querían optar por su libro "querían hacer una pieza real de realismo social como Christiane F o The Basketball Diaries ".  Le impresionó que Boyle, Hodge y Macdonald desearan que todos vieran en ella una película y "no solo la audiencia artística".

En octubre de 1994, Hodge, Boyle y Macdonald pasaron mucho tiempo discutiendo qué capítulos del libro se traducirían y no se traducirían en película.

Hodge terminó el primer borrador en diciembre de ese año y Macdonald , mientras tanto buscaba financiación, obteniéndolo del Channel 4 , una estación de televisión británica conocida por financiar películas independientes.

La preproducción comenzó en abril de 1995. Lo primero fue el casting. El primero en ser elegido fue Ewan McGregor  tras impresionar a Boyle y Macdonald con su trabajo en su película anterior, Shallow Grave .

Según Boyle, para el papel de Renton, querían la calidad del personaje de Michael Caine en Alfie y el personaje de Malcolm McDowell en A Clockwork Orange , "repulsivo ... con encanto" que te hace sentir profundamente ambiguo sobre lo que está haciendo. " McGregor se rasuró la cabeza y perdió 12,7 kilos para la película.

Para su papel McGregor leyó libros sobre crack y heroína para prepararse para el papel. También fue a Glasgow y conoció a personas del Calton Athletic Recovery Group, una organización de adictos a la heroína en recuperación. Le enseñaron a cocinar heroína con una cuchara usando glucosa en polvo. 

Ewen Bremner que hecho de Renton en una adaptación teatral de Trainspotting acordó desempeñar el papel de Spud, diciendo que sentía que los personajes "eran parte de mi herencia".

Para el papel de Sick Boy Boyle que había oído que Jonny Lee Miller interpretaba a un estadounidense en la película Hackers   quedó impresionado cuando audicionó haciendo un acento de Sean Connery . 

Para el papel de Begbie, Boyle consideró elegir a Christopher Eccleston por su parecido con la forma en que se imaginaba el personaje en la novela, pero en cambio le preguntó a Robert Carlyle . Carlyle dijo: "Conocí a muchos Begbies en mi época. Paseé por Glasgow el sábado por la noche y tienes muchas posibilidades de toparte con Begbie".

Para el papel de Diane, Boyle quería una actriz desconocida para que el público no se diera cuenta de que un joven de 19 años estaba interpretando a un joven de 15 años. Los cineastas  visitaron clubes nocturnos y boutiques y se acercaron a la gente en la calle, eventualmente contratando a Kelly Macdonald . Ella es la conciencia de Mark es Diane. Ella teme que él tire su vida por la borda y sólo le hará ver que hay que creer en el cambio de la vida y del destino de todas las cosas.

Kevin McKidd (Tommy) que debutó con este film, se fue de vacaciones apenas terminado el rodaje. Por lo visto fue inubicable y no supo del gran éxito de la película hasta meses luego del estreno, por lo que se perdió toda la promoción y es el único de los actores principales que no aparece en pósters y demás material promocional.

El escritor de Trainspotting, Irvine Welsh,   aparece como Mikey Forrester, un punk que vive en una habitación con tan solo un colchón.

Danny Boyle hizo preparar a sus actores haciéndoles ver películas antiguas sobre jóvenes rebeldes como The Hustler y A Clockwork Orange .

Muchas de las historias y personajes del libro se eliminaron para crear un guión coherente de longitud adecuada.  La historia pivota sobre Mark Renton que considera que una vida supuestamente normal es complicado y aburrido. El adicto no trabaja, no tiene pareja, no tiene responsabilidades ni moral, solamente tiene que preocuparse de conseguir algo que vender para costear su adicción. No se estresa, no tiene problemas amorosos y es bastante individual. Pero  al tocar fondo  con las drogas y alucinaciones decide ser útil aunque sea a costa de una vida monótona, aburrida y predecible.

La película se rodó en poco más de siete semanas y su presupuesto  fue de unos 2,3 millones de euros.

La película causó controversia en su tiempo, ya que se decía que fomentaba el uso de drogas entre la juventud y fue un auténtico bombazo tanto por su estética como por su contenido, pues rara vez se había tratado de un modo tan crudamente humano el tema de las drogas.

La controversia se extendió por Gran Bretaña, Australia y Estados Unidos ya que se acusaba de banalizarla. El senador estadounidense Bob Dole  acusó a la película de depravación moral y de glorificar el uso de drogas durante la campaña presidencial estadounidense de 1996 , aunque más tarde admitió que no había visto la película.

El productor de la película Andrew Macdonald respondió a estas afirmaciones en una entrevista de la BBC que decía "estábamos decididos a mostrar por qué la gente tomaba drogas ... había que demostrar que era divertido y horrible", a lo que Boyle agregó " Es la música y el humor lo que hace que las personas sientan que es una droga glamorosa ".

Además la película fue todo un bombazo en taquilla con unos ingresos superiores a los $ 72 millones , unas £ 48 millones. La recaudación a nivel mundial rondó los 59 millones de euros todo un éxito en la distribución de la PolyGram Filmed Entertainment.

Trainspotting tiene un 90% de "Fresh" en Rotten Tomatoes  y una valor de  8.4 sobre 10. El consenso crítico del sitio dice: "Una imagen brutal, a veces divertida, otras veces aterradora de la adicción a las drogas en Edimburgo. No es para los débiles de corazón, pero vale la pena verlo como un recordatorio realista y entretenido de los horrores del consumo de drogas ". Cifras similares tiene en Metacritic . La revista Time clasificó a Trainspotting como la tercera mejor película de 1996.

En Gran Bretaña, Trainspotting recibió la aclamación generalizada de los críticos. En su reseña para The Guardian , Derek Malcolm dio crédito a la película por aprovechar la subcultura juvenil de la época y sintió que se "representó con una libertad de expresión que a menudo es asombrosa".

La revista Empire la describió  como "algo de lo que Gran Bretaña puede estar orgullosa y Hollywood debe temer. Si los británicos podemos hacer películas tan buenas sobre temas tan horrorosos, ¿qué posibilidades tiene Tinseltown?" Y concluyó diciendo que era "Una obra de entretenimiento sin precedentes, inigualable (...) Esta película no ensalza a las drogas, ensalza al cine (…) "

En The Telegraph se dijo que  "Apoyada por cinco actuaciones principales firmes, mola sin ni siquiera intentarlo, es divertida pero profundamente trágica, seductora pero ligeramente aterradora (…) .

Peter Bradshaw en The Guardian escribe que "Se mantiene espectacularmente bien. Esta película fue el primer, quizás el único intento británico de los 90 capaz de responder a películas como 'Goodfellas' o 'Pulp Fiction' (…)

El crítico de cine estadounidense Roger Ebert  delm Chicago Sun Times alabó su descripción de las experiencias de los adictos y en "rogerebert.com " comentaba que "Usa un vocabulario colorido, tiene mucha energía y eleva a sus miserables héroes al estatus de iconos (…) . 

En otro diario de Illlinois, Jonathan Rosenbaum , en su reseña para el Chicago Reader , escribió: "Como Twister e Independence Day, esta película es un paseo en un parque temático, aunque es mucho mejor, básicamente una serie de emociones juveniles, derrames, escalofríos y desvíos en lugar de una historia destinada a decir mucho ".

Para Michael Wilmington de otro diario de Illinois, el  Chicago Tribune , era "Una obra cinematográfica extraordinariamente viva, una serie de subidones animados, provocativos e impactantes (...) Te ves atrapado entre una carcajada y un grito"

En su reseña para Los Angeles Times , Kenneth Turan escribió, "en McGregor ... la película tiene un actor cuyo magnetismo monopoliza nuestra atención pase lo que pase".

En Entertainment Weekly  Owen Gleiberman escribió: "Al igual que Scorsese y Tarantino , Boyle usa canciones pop como potenciadores del estado de ánimo rapsódicos, aunque en su propio estilo rave e hypnótico. (...) Trainspotting nos mantiene conectados al pulso de las pasiones de sus personajes ".   Y añade "Es difícil imaginar una película sobre drogas, depravación y mal comportamiento en general, más electrizante que 'Trainspotting'"

En su reseña en el The New York Times , Janet Maslin escribió " Trainspotting no tiene mucha narración (...) unido. Tampoco tiene realmente el alcance dramático para hacer frente a tales extremos salvajes. La mayoría se ajusta al mismo tono moderado, con un valor de entretenimiento mejorado por el uso inteligente del Sr. Boyle de ángulos amplios, colores brillantes, composiciones atractivamente limpias y un música  pop dinámico ".  Finalmente, Janet Maslin  escribe que "La irreverencia visual de 'Trainspotting' mimetiza ese subidón de drogas y ofrece su propio chute potente"

En la revista  Rolling Stone Peter Travers escribió que "'Trainspotting' causa una sensación singular, una obra formidable y visionaria plagada de profundidad, invención salvaje e ingenio impactante (...)  " y añadió que "la película no puede disimular el vacío de estas  vidas" Y Peter Travers finalmente dijo "que son 90 minutos de energía cruda que Boyle y una inyección en  vena"

En  el Washington Post , Desson Howe escribió: "Sin lugar a dudas, esta es la experiencia cultural más provocativa y agradable desde Pulp Fiction ".  Una opinión con la que está de acuerdo , mi hijo mayor que el día de antes había visto Pulp Fiction y en esas mismas páginas del Post concluye que es "Un cóctel de encanto cutre, nervio y desesperanza que seduce y repugna en igual medida"

Derek Elley de Variety recalca que la película de Boyle es "Escabrosa, brutal y actual, 'Trainspotting' es la 'A Clockwork Orange' de los 90"

En España Carlos Boyero en  El País reconoce que   "Junto a 'Drugstore Cowboy', la película más veraz que se ha hecho nunca sobre el mundo de la droga."

En México Lucero Solórzano del Excélsior afirma que "Tiene numerosas virtudes en su lenguaje cinematográfico, guión, edición, banda sonora, ritmo, actuaciones, que ya la hacen un clásico."

Trainspotting es considerada una de las películas de culto de fin de siglo.  Su éxito se debió a que hablaba directamente a los miembros de la Generación X, un grupo de jóvenes que vivió los cambios políticos de finales de los 80 y principios de los 90 y que asistía impasible a la evolución de la sociedad de consumo y a los movimientos que ocurrían a su alrededor. De hecho relata de forma humorística la vida cotidiana de estos jóvenes que se enfrentan a situaciones realmente trágicas por culpa del alcohol y las drogas. Renton vive fuera de las normas, que se niega a seguir lo que todos consideran una "vida normal". Una postura nihilista en la que solo importa drogarse y conseguir algo de dinero para sobrevivir y mantener su adicción.

En 2017 se estrenó la secuela de Trainspotting, que tiene lugar veinte años después de la película original.

Como dije al principio un elemento que engancha en la película es la música. Suena desde el Lust for life o Nightclubbing, de un Iggy Pop del 1977, hasta temas de Lou Reed con "Perfect Day" (1972) , - ambos  músicos que dedicaron canciones al mundo de la droga- y canciones del Pop británico de la década de los 90 como  el "Sing" de Blur, el "Mile End" (1996) de Pulp ,  el "Deep Blue Day"de Brian Eno o de New Order  y su "Temptation" (1987) , y hasta la música tecno-dance de "For What You Dream Of" Bedrock del año 1993 y Ice MC o el "Atomic" (1996) de  Sleeper  , dando lugar a una de las bandas sonoras con mayor éxito de ventas  con canciones de la primera banda sonora y las adicionales que inspiraron a los realizadores durante la producción. La banda sonora de Trainspotting se ha convertido en un fenómeno de cultura pop.

En 2007, Vanity Fair,  Entertainment Weekly o  Rolling Stone la califican como una de las mejores  bandas sonoras de todos los tiempos.

La película ganó £ 12 millones en el mercado nacional y $ 72 millones a nivel internacional y fue la película británica de mayor recaudación de 1996, y en ese momento era la cuarta película británica con mayor recaudación de la historia.

Se llevó múltiples premios. Fue nominada al Oscar al  mejor guión adaptado para Hodge , pero perdió frente a Sling Blade de Billy Bob Thornton;  y en los Premios BAFTA fue premiada al mejor guión adaptado para  John Hodge y nominada a la mejor Película y Mejor Película Británica.

En los Satellite Awards obtuvo  3 nominaciones incluyendo Mejor película drama y en los Independent Spirit también fue nominada a la mejor película extranjera

Hodge también ganó el premio al Mejor Guión de los premios de cine británicos Evening Standard. La película ganó el Space Needle de Oro (el premio a la mejor película) en el Festival Internacional de Cine de Seattle en 1996.

Ewan McGregor fue nombrado el mejor Actor por parte de los London Film Critics Circle, BAFTA Escocia  y la revista Empire.

La película tuvo un impacto inmediato en la cultura popular. En 1999, Trainspotting ocupó el décimo lugar en el British Film Institute (BFI) en su lista de las 100 mejores películas británicas de todos los tiempos,   mientras que en 2004 la revista Total Film la nombró la cuarta película británica más grande de todos los tiempos. .

The Observer encuestó a varios cineastas y críticos de cine que lo votaron como la mejor película británica en los últimos 25 años.

En 2004, la película fue elegida como la mejor película escocesa de todos los tiempos por el público en una encuesta para la revista The List .

Trainspotting desde el principio ha estado considerada una película de  culto.  También apareció en el documental Live Forever: The Rise and Fall of Brit Pop.

Para terminar diré que queda pendiente su secuela  T2: Trainspotting, estrenada en 2017 que como dije al principio había sido estrenada cuatro semanas antes en Edimburgo , y que me quedé con las ganas, pero que me estimuló para revisar esta joya del cine británico. Joya , por todo, por su música , por su estética, por su historia, por sus encuadres- magnífico ese desde el suelo o el homenaje a la portada de The Beatles. Lo dicho, una joya.