Swiss army man

Hay traducciones que no tienen sentido. Otras sí. En México esta película se titula Un cadáver para sobrevivir, algo más concreto que su título original, Swiss army one. 

Swiss Army Man es una extraña película que he visto en parte por haberme fijado por el cierto éxito en el Festival de Sitges el año de su estreno, allá por 2016. 

Filme firmado a dos manos por Daniels que viene a ser la suma de dos directores que responden al nombre de Dan Kwan y Daniel Scheinert, siendo su ópera prima, que ganó el premio a la mejor película de la 49ª edición del certamen. , y el actor para Daniel Radcliffe por su interpretación por su papel de muerto descompuesto, flatulento por sus problemas con los gases y con erecciones a "tutti plein". Una película en la que las crónicas hablaban de como consiguió aplausos y vítores al cerrar su proyección entre el público del Festival de Sitges.

Lo curioso es que Swiss army man', se impuso a 'Grave (Crudo') de Julie Docournau (premio a la mejor ópera prima, Carnet Jove y Méliès de Plata), y sobre todo a la enorme 'Train to Busan',  de Yeong Sang-Ho.

La película fue escrita y dirigida por los ya citados Dan Kwan y Daniel Scheinert. La película no fue estrenada comercialmente pero entre la crítica obtuvo una buena aceptación, elogiando la retorcida actuación de Radcliffe y su carismático y extraño personaje. 

La película es una producción de Miranda Bailey, Lawrence Inglee, Lauren Mann, Amanda Marshall,  Eyal Rimmon y Jonathan Wang caras visibles de las productoras Cold Iron Pictures, Tadmor, Astrakhan Film SB, Blackbird Films manejando un presupuesto de $ 3 millones. Fue distribuida por A24 . 

Cuenta con la música de Andy Hull y Robert McDowell y la fotografía de Larkin Seiple así como la edición de Matthew Hannam.

En cuanto a los protagonistas absolutos están Paul Dano como Hank, Daniel Radcliffe como Manny.  Junto a ellos aparecen Mary Elizabeth Winstead como Sarah, Timothy Eulich como Preston, Marika Casteel como la reportero,  Richard Gross como el Padre de Hank,  Antonia Ribero como Chrissy, Aaron Marshall como Oficial de Policía y Andy Hull como Hombre de la cámara. 

Hank (Paul Dano), es un joven náufrago que está tirado en una isla del Pacífico. Tras pasar sus calamidades, no vistas , pero apreciables en su cara, está a punto de ahorcarse. Mientras procede a colgarse de la cuerda descubre un cadáver en la orilla de la playa. Se trata del un cadáver (Daniel Radcliffe). 

Hank se acerca e intenta reanimarlo, pero el cadáver flatulento por la descomposición lo mira sin dejar de soltar gases. Mientras la marea comienza a lavar el cadáver, Hank observa, mientras intenta nuevamente ahorcarse ahora con la correa del cadáver, ve como que sus flatulencias lo impulsan para el mar tras realizar unas extrañas convulsiones. 

Hank que se ha fijado detenidamente en eso inmediatamente corre para la orilla y se sube al cadáver y sobre el mismo cruza el océano como si fuese una moto acuática, aterrizando en una costa continental, pero lejos de la civilización. 

Esa noche, Hank y el cadáver que lo acompaña y que ha recogido y llevado junto a él, lo portea hasta en una cueva durante una tormenta. El agua que fluye por el techo cae sobre la boca del cadáver. 

A la mañana siguiente Hank se da cuenta de que el cadáver puede ser utilizado como un surtidor y depósito para almacenar agua que después se puede beber en una vaso que ha encontrado junto a la cueva en un depósito de basura. 

Casi de inmediato, el cadáver también comienza una lenta transición al habla y la comprensión del idioma adoptando el nombre de Manny. 

Hank y Manny continúan su búsqueda de la civilización. Con Hank siempre portando al cadáver va poco a poco hablando con él y explicándole una situación que el cadáver no entiende. De hecho se va reactivando en todos los sentidos llegando incluso a percibir las erecciones de Manny tras ver y hablar de las chicas que aparecen en  una revista de trajes de baño. 

Manny no recuerda nada acerca de su vida anterior, y Hank trata de enseñarle varios conceptos sobre la vida, pero las interpretaciones infantiles y desvergonzadas de Manny están en conflicto con lo que Hank considera comportamiento socialmente aceptable. 

En el transcurso de su viaje, Hank le enseña a Manny las alegrías de comer fuera, ir al cine y salir de fiesta, usando escenarios y juegos de rol construidos con plantas y la mucha basura que encuentran. 

Utilizando estos, entre ellos un móvil, Hank lleva a Manny a creer que Manny está enamorado de una mujer llamada Sarah (Mary Elizabeth Winstead), que monta en autobús sola todos los días. Manny se enamora de Sarah, realmente de la foto que tiene en el móvil y que tomó secretamente mientras viajaba en autobús, como fondo de pantalla en su teléfono y la sigue en redes sociales. y es este amor lo que lo motiva a tratar de encontrar la civilización con Hank.  

Mientras mira las fotos, se descubre que Sarah está felizmente casada y tiene una hija. Hank se disfraza de Sarah para ayudar a Manny a aprender a hablar con las mujeres, pero terminan interrelacionándose  y besándose especialmente cuando Hank llega hasta simular ser una mujer. Otro beso se repite cuando ambos, mientras se desplazan caen de una tubería desde una considerable altura al río.

Poco después tienen un momento crítico cuando Hank le cuenta a Manny que nunca conoció a Sarah durante su vida. Sintiéndose traicionado por la hipocresía de Hank y el autocontrol, Manny afirma que desea estar completamente muerto otra vez. En este momento, Hank experimenta flashes mentales extraños de imágenes surrealistas que recuerdan su viaje y sugiere que uno de los poderes de Manny es leer su mente. 

A pesar de la tensión existente entre ellos mientras la noche se pone y están ante una hoguera aparece un oso. Hank y Manny ven que el oso no tiene buenas intenciones. Ambos pretenden huir aprovechándose de la capacidad pedorreica del Manny, así que saltan a la copa de un árbol , pero Hank cae y el oso le ataca en una pierna. Manny, que sigue en el árbol,  se desplaza por sí mismo por primera vez y ayuda a su amigo herido y usando el metano de sus "peos" aprovecha la fogata para asustar al oso. 

Hank pierde la conciencia y cuando se despierta, Manny la ha llevado a la casa de Sarah, a pesar de las protestas de Hank. Mientras Sarah está en la casa, Manny habla en el jardín con la hija de Sarah, Chrissy. Esperando que se impresione, demuestra varios de sus poderes, sin darse cuenta de que la asusta. 

Desde la ventana de su cocina, Sarah es alertada por el llanto de su hija y llama a la policía al ver el cadáver de Manny, ya en modo inanimado. 

Hank se recupera, pero los policías descubren las fotos de Sarah en su teléfono y se convierte en un extraño sospechoso. 

El padre de Hank aparece, manifestando que no quiere ver  el cadáver, pensando que el de Manny realmente es el de su hijo, Hank. Mientras éste lo observa desde el coche de las urgencias. 

Al ser entrevistado por las noticias locales de la televisión, sale en directo y muestra de forma delirante su gratitud hacia Manny y sus poderes mágicos. Su padre que se queda de piedra al descubrirlo, le dice que está tarado y Hank huye con el cuerpo de Manny adentrándose en el bosque cercano a la casa de Sarah.

Mientras la policía y la televisión persiguen a Hank, descubren las estructuras que construyó, que en realidad parece que siempre estuvieron muy cerca de la casa de Sarah, como si hubiese estado allí algún tiempo en vez de viajar por el bosque. 

La policía, Sarah, su marido, su hija, una reportera y su cámara junto al padre de Hank lo siguen hasta una playa. 

Acorralado, Hank deja escapar un largo pedo mientras se lo lleva la policía. Poco después, ante la conmoción y horror de todos los demás, y en el caso de Chrissy, sonrisas, Manny comienza a tirarse "peos" violentamente y comienza a aproximarse al mar.  Hank lo introduce en el océano y se aleja rápidamente, impulsado por su propia flatulencia como ocurrió al principio. La última imagen es Manny y Hank compartiendo una última sonrisa, acabando así la película. 

El 29 de junio del año 2015 Daniel Radcliffe, Mary Elizabeth Winstead y Paul Dano se unieron al reparto de la que iba a ser la ópera prima de los "Daniels", los cineastas, Daniel Kwan y Daniel Scheinert , un dúo más conocido por sus videos musicales. En 2016 saltaron al largometraje, escribiendo y dirigiendo esta película. 

El rodaje comenzó el 14 de julio de 2015 y terminó el 7 de agosto de 2015. Tuvo lugar el mismo a lo largo de 22 días en California , en el área de San Pedro y el condado de Humboldt para desarrollar los trabajos submarinos y los exteriores.  

En 2017, se anunció que los Daniels dirigirían una película de ciencia ficción entonces anónima, producida por la compañía de los hermanos Russo.  Desde entonces, la película se ha titulado Everything Everywhere All at Once / Todo en todas partes, todo a la vez interpretado por un grupo de actores y actrices asiáticos. 

Sobre los actores señalar que Radcliffe definió la película como una "comedia/aventura de acolegas" y una película sobre "aceptar nuestras propias rarezas". Y añadió que "Hay una cosa muy rara, un tríangulo incestuoso que ha ocurrido ahora entre mi novia y la de Paul. Mi novia Erin, interpretó a la mujer de Paul en 'Love & Mercy'; y la novia de Paul, Zoe, estuvo conmigo en 'Amigos de más', y ahora Paul y yo nos hemos besado en la pantalla". También dijo el actor que asumió el papel de su vida, Harry Potter que "la música de la película se reproducía en el set" ya que "Robert - por Robert McDowell de Manchester Orchestra- compuso música antes de que comenzara el rodaje, lo que nunca sucede en la película. Podíamos escuchar la música en el set para ciertas escenas". ".

'Swiss army man', recibió el premio a la mejor dirección en el último Sundance, donde se estrenó a principios de año en 2016, donde muchos espectadores, con la piel fina, desertaron de la sala.

En los Premios Independent Spirit la película fue nominada a mejor montaje y ópera prima, aparte de los ya obtenido en el Festival de Sitges. En los  Premios Gotham fue nominada a mejor guión.

El soundtrack de la película fue realizado por Andy Hull y Robert McDowell de Manchester Orchestra, y el primer sencillo se titula Montage. En el video de la canción, podemos apreciar no sólo la letra del tema, sino un montaje con las mejores escenas del film junto a Daniel Radcliffe y Paul Dano, quienes también aportaron sus voces al track. 

En cuanto a la crítica señalar lo que dijo de la película Peter Debruge en Variety al decir de ella que era "Una comedia existencial absurda (...) La película a concurso más singularmente única en presentarse en Sundance en años" Y añade que "Por un lado, el título de competencia más singularmente único que debutará en Sundance en siglos, mientras que, por el otro, un proyecto que aún necesita un desarrollo drástico (a pesar de una gira por cinco Laboratorios del Instituto Sundance, incluido uno para mezclar todos esos efectos de pedos en Dolby Atmos ), esta película luce su rareza como una insignia de honor, como debería ser ".

Leslie Felperin en The Hollywood Reporter dijo de ella que "Es absoluto mérito de los directores y los dos actores principales que lo que suena como un puñado de gags sobre humores corporales de la variedad más juvenil evolucionen (...) en algo bizarramente poético y extrañamente emocionante" y añade que "formando un contrapunto a todas las funciones corporales, Dano y Radcliffe, ambos plenamente comprometidos con un celo delicioso, proyectan una cierta fragilidad trágica que agrega peso al proceso". 

Joshua Rothkopf de Time Out señaló que era una "Una película ridículamente infantil (...) Simplemente, no creerás lo que estás viendo (...) " 

Jeannette Catsoulis del The New York Times sondidera que la película es "Imposible de clasificar, esta mezcla increíblemente original de lo macabro y lo mágico combina comedia, tragedia, fantasía e historia de amor en un envoltorio totalmente singular que no sigue más reglas que las propias" 

Russ Fischer en  IndieWire sostenía que "La película no es extraña porque sí; hay una idea palpable en juego, pero una que siempre está fuera de alcance. El batiburrillo nunca se consolida y muchas veces parece un sketch de comedia disperso y muy largo" 

Peter Travers en Rolling Stone defendió que "Hay momentos en que este impresionante bromance logra realmente una ternura retorcida. Hay también momentos en los que uno desea que los pedos de Manny salgan por la salida más cercana. Tú decides. (...)" 

En el Reino Unido Jordan Hoffman en las páginas del The Guardian señaló que "Nunca podría prepararte lo suficiente para el grado en el cual los pedos juegan un rol esencial en 'Swiss Army Man' (...) " 

Ya en España en las páginas de Cinemanía se defiende de que se trata de "Una emotiva y amable comedia indie, con espacio para el autodescubrimiento y el romanticismo." 

Julián Garcia en El Periódico señala " ante una propuesta única, bizarra, extravagante, capaz de brincar alegremente entre lo más soez -las continuas flatulencias, las erecciones incontroladas- y la poética más emotiva en forma de fábula existencial sobre la soledad, el vacío y el amor". "el filme, en su gozosa bizarría, acaba siendo una hilarante y emotiva reflexión existencial sobre la soledad, el desamparo y el aprendizaje en la que, a ratos, se hace imprescindible sacar el pañuelo del bolsillo. Y añade que "Es una película fuera de lo común, con grandes interpretaciones y una dirección exquisita. La decisión fue de consenso total", aseguró el miembro del jurado Geoffrey Gilmore, director del festival de Tribeca. Sobre el premio a Radcliffe, el jurado valoró la decisión "jodidamente atrevida, tan de riesgo" de interpretar “nada menos que a un cadáver” tomada por quien fuera Harry Potter. ".

Gerard A. Cassadó en Fotogramas dijo de ella que era "Una de las historias de amor homosexual más extravagantes que hayamos visto en el cine en mucho tiempo. Ahí radica el principal valor, quizás el único (...) " 

En México Adrián Ruiz Villanueva del Excélsior escribió que "El filme se sale del molde de lo convencional y se arriesga a hacer cosas en su premisa, tal vez su desarrollo es más tradicional, sin embargo y en definitiva esta propuesta “loca” no es apta para paladares tradicionales." 

Daniel Krauze de El Financiero sostiene que "A mí, 'Swiss Army Man' no me enganchó. Su humor, inclinado hacia lo escatológico, me resultó adolescente. Sus misterios no me envolvieron, y sus cambios y contrastes de tono me dejaron frío; su ímpetu, aparentemente desmadroso, tiene la artificialidad calculada de un comercial de perfume." 

Sergio López Aguirre de Cine Premiere escribe que "En un 2016 donde el cine comercial está plagado de secuelas, precuelas, remakes, reboots, adaptaciones de libros o una infinidad de cómics, 'Swiss Army Man' llega para demostrar que puede contarse una historia única. (...) "

Alonso Díaz de la Vega de Excélsior considera que "Usa un estilo de edición que permite exagerar algunos movimientos físicos y darle un dinamismo de caricatura a los personajes. En ocasiones la película se parece más bien a alguna serie animada (..) con su ingenio creativo y su estética tan endeudada con el diseño gráfico contemporáneo." 

Y por último,  Jorge Ayala Blanco Diario El Universal "Redefine la noción de escatología(...), en un sentido fisiológico-material(...), y en un sentido filosófico-religioso a través de un cadáver que acomete con éxito la doctrinal apropiación de los fines últimos de la humanidad." 

Por cierto, la película que consiguió en taquilla unos  $ 5,8 millones.el título juega con la idea de navaja suiza ya que es con ella como se consigue iniciar la amistad entre el suicida y el cadáver tras manipularlo y como una navaja suiza. 

A mi por mi parte reconozco que la película no me ha cautivado. Es original, surrealista, las interpretaciones son brillantes, pero no...  Sinceramente la película se ha parecido un humor negro, a veces destilado, bien presentado, siempre original, pero no me ha llegado he tenido la impresión de sentor que era un auténtico "peo". 

Aquiles y la tortuga

 

Esta semana parace que estoy tras Takeshi Kitano, tras haber visto Dolls hace un par de días. A esteste Aquiles y la tortuga he llegado como suelo llegar desde mi ignorancia, por casualidad. No ha sido por el título sino por quien lo firmaba. Ni tan siquiera el título que me remitía a alguna discusión en clase de filosofía de hace varias décadas. No recordaba el nombre de Zenón de Elea, pero sí de que iba su aporías, una palabra de origen griego que significa “dificultad para el paso”

Zenón de Elea fue un filósofo griego perteneciente a la llamada “escuela eleatica” nacidp en la Magna Grecia, vamos, en el sur de Italia, paisano de Parménides, su maestro. Zenón destacara por su se hizo célebre por una de sus “aporías” , la de Aquiles y la tortuga.

En la aporía o paradoja de Zenón, éste hablaba de una carrera en la que compiten uno de los héroes caídos en Troya con una tortuga. El planteamiento era el siguiente: si a una tortuga le damos una ventaja,  Aquiles nunca podrá alcanzarla, porque aunque corra muy rápido y avance, la tortuga habrá avanzado también. Por lo tanto, Aquiles tiene una infinita cantidad de espacios que recorrer antes de alcanzar al animal. Esto se debe a que en el momento en que Aquiles empiece a correr, la tortuga estará ya a cierta distancia, en el punto A. 

Cuando Aquiles llegue al punto A, la tortuga habrá avanzado hasta el punto B. Cuando Aquiles llegue a B, la tortuga estará ya en C. Aquiles tardará en alcanzar a la tortuga la suma de los tiempos que necesite para alcanzar los puntos A, B, C… Y así sucesivamente, hasta el infinito. El tiempo total será, por lo tanto, la suma de una serie infinita de números. El problema es que Zenón piensa que la suma de una serie infinita de números tiene que ser infinita, por lo que Aquiles jamás conseguirá alcanzar a la tortuga

Pues así comienza como una tiras animada la película que en el año 2008 fue escrita, dirigida y editada por Takeshi Kitano. La película era la tercera y última parte de la trilogía autobiográfica surrealista de Kitano, que comenzó con Takeshi’s y continuando con Glory to the Filmmaker! 

En este caso Achilles to Kame o Achilles and the Tortoise es una producción de Kitano junto a Masayuki Mori caras visibles de las productoras  Bandai Visual , Tokyo FM , TV Asahi , WOWOW distribuida por Media3 Estudios.

La película cuenta con la música de Yuki Kajiura y la fotografía de Katsumi Yanagishima, además de la posición onmipresente de Kitano.

El elenco lo encabeza Takeshi Kitano como Machisu,  Kanako Higuchi como Sachiko,  Yurei Yanagi como el joven Machisu,  Kumiko Asō como el niño Sachiko , Akira Nakao como el padre de Machisu , Mariko Tsutsui como la madrastra de Machisu , Ren Osugi como el tío de Machisu , Susumu Terajima como un Yakuza proxeneta,  Eri Tokunaga como la hija de Machisu , Nao Omori como un comerciante de arte, Masato Ibu como distribuidor de arte . 

Tras el relato de Ulises y la tortuga, conocemos en una noche de farras al padre de Machisu (Akira Nakao) industrial de la seda y banquero de una familia acomodada, que se divierte junto a unas geishas y unos amigos, un marchante de arte y un pintor que acab de triunfar en Paris. 

El padre es un enamorado del arte así que celebra los encuentros con los supuestos entendidos con sake y diversión. Tras llegar a casa el dueño de la misma presenta a sus amigos a su hijo Machisu y les comenta que su sueño será ser pintor, una actividad que le obsesiona incluso en el colegio. Allí vemos que no atiende las explicaciones de matemáticas ni otras indicaciones que marque el profesor. A veces, aparece delante de un autobus y un tranvía al que parar para reflejar con sus lápices la realidad.

Sin embargo, una noche, de golpe, el padre se arruina al pedre toda la producción de capullos de seda y los fondos de us entidad bancaria. Ante el desastre y la ruina, el padre se suicida junto a una de las geishas, dejando al niño en manos de su madrastra (Mariko Tsutsui) que, tras la pérdida de su marido, lo envía a vivir con una tía y un tío que viven en el campo.

Ni la madrastra ni el chico son bien recibidos ya que el heramano de su padre (Ren Osugi ), nunca se consideró atendido cuando el hermano nadaba en dinero. Así que muy a su pesar tanto él como su mujer admiten su presencia, aunque les molesta la misma. 

Además degolpearlo y zarandearlo, al muchacho de ordenan limpiar y barrer el patio así como dar de comer a las gallinas. Pero como su obsesión está en la pintura, deja sus "obligaciones" para ponerse a dibujar unas gallinas. Cuando lo descubre su tira destroza los colores.

Tras decirdir no enviarle a la escuela dejan al niño encargado de la casa. El tras encontrarse un "vecino" con el que jugar, vuelve a dejar de lado sus quehaceres para pintar grandes gallinas.

Aunque esto molesta al tío y a la tía, finalmente acceden a que el niño vaya esos dos meses al colegio. Pero a Machisu no te intersa ni el chino ni las matemáticas. Ünicamente la pintura, al igual que a otro señor, un retrasado, con el que sale a pintar.

Mientras esto ocurre, la madrastra de tira por un acantilado, durante el entierro Machisu ve la cara ensangrentada de su madrastra y la dibuja. Al ser descubierta la pintura por sus tíos todo ello desemboca en el decisión de abandonarlo en un orfanato - uno que financiaba su padre- al chico. 

Una vez tomada la decisión y despedido de su familia, el chico se desplaza en autobus al centro de atención el autobus mata al anciano con el que pintaba ya que su propuesta de parra trenes , tranvias y autobuses para reflejar en una pintura todo lo que está en moviento éste la lleva a la práctica costándole la vida. 

Ha pasado el tiempo y un joven Machisu (Yurei Yanagi) además de trabajar en una imprenta, asiste a la escuela de arte y mientras trabaja para pagar la escuela de arte donde entabla amistad con una compañera de trabajo, Sachiko (Kumiko Asō), que inicialmente estaba celosa de la chica que le servía de modelo al pintor. Es ella la que parece comprender su visión y su vocación desenfrenada por el arte. 

En la escula de arte descubre que el pintor del que su padre compraba obras pensando que eran cuadros para inversión es su desencantado profesor de dibulo, la persona que le regaló la gorra de la que es inseparable. 

Por otro lado, con sus compañeros experimenta en la creación. Parecen divertirse, especualan, teorizan y experimentan especialmente cuando deciden abandonar la pintura académica para apostar por la pintura expresionista y la "painting actions" de moda. 

Ahora se lanza a una loca  carrera experimental con lienzos de grandes formatos, globos cargados de pinturas diversas, bicicletas con cubetas de pinturas de varios colores y por último con un coche cargado de pintura. La actuación con el coche acaba en tragedia puesto que el compañero muere en la experimento artístico.

La consecucuencias no se hacen esperar, mientras alguno como el "mohicano" deserta, otro no soportan su fracaso y acaba en su suicidio. 

Con todo Machisu persiste en su idea de creación artística. Con el tiempo Machisu y Sachiko se casan y tienen una hija. 

A medida que envejece, la obsesión de Mashisu con el arte contemporáneo controla toda su vida, dejándolo insensible ante todo lo que lo rodea. De hecho tiene una hija (Eri Tokunaga), y como la pareja vive por y para el arte, permiten que los únicos ingresos de la casa sean los que consigue su hija mientras se prostituye.

Un día mientras ellos viven con su obcecación artística su hija, a la que él le pide dinero, pues una y otra vez fracasa a la hora de vender sus pinturas, muere. 

Cuando la están velando en la morgue, Machisu intenta experimentar con el limpialabios para conseguir una obra de arte, pero Mashisu no puede con la situación y lo abandona. 

Intenta complacer a los distintos críticos de arte con los que se entrevista, pero el resultado siempre es el mismo. Sin dinero, sin futuro, sin expectativas, siempre experimentando con la muerte un día lo hace además con el fuego, un fuego que se extiende y se transforma en un incendio. Del mismo casi muere.

Al perder todos sus trabajos anteriores, se queda con una sola lata de refresco medio quemada, que evalúa en 200,000 yenes e intenta vender. Lógicamente no lo consigue y acaba deambulando por la ciudad cuando su esposa lo recoge de la calle. Se alejan juntos aunque no sabemos si sigue con su obsesión artística. 

El título Aquiles y la tortuga se refiere a la paradoja del movimiento que como señalé al inicio fue planteada por el filósofo griego Zenón de Elea.

La película se estrenó en el 65 ° Festival de Cine de Venecia el 28 de agosto de 2008 donde fue nominada al León de Oro  a la mejor película.

En cuanto a las críticas uns son positivas y otras nada. Para Dan Fainaru de Screendaily lo mejor es "La buena escenificación, el sentido irónico del humor de Kitano y la sutil ironía no pueden enmendar el tedio que implica el hecho de que todo esto ya se ha contado antes." 

Ray Bennett en The Hollywood Reporter sostiene que es "Un retrato entretenido, aunque algo sentimental en su recta final, de un hombre que se ha vuelto loco por su pasión por el arte." 

Ya en España Oti Rodríguez Marchante en las páginas del ABC destaca que "Cuenta con el estilo y con la gracia de Kitano (...) mezclando búsqueda, extravagancia, extremo, lo que sea con tal de ligar esos dos conceptos tan fructíferos y también mortíferos como la originalidad y el arte." 

Carlos Boyero en El País reconoce que "No me sirve para reconciliarme con Kitano pero es más digerible. (...) logra que sientas comprensión y ternura por este alienígena, por alguien suicida que siempre tuvo pavorosamente claro lo que quería hacer." 

Yo, por mi parte, reconozco aspectos que se señalan en las críticas profesionales. La película que nos narra los tres momentos de toda una vida obsesionada con la creación pictórica que representa Mashisu es entretenida, nos lo muestra con lo que es, un hombre que intenta alcanzar un imposible, el éxito artístico que tanto gustaba a padre e hijo. Pero eso hombre alienado por el arte es y ha sido un esclavo de una pasión que en su etapa de joven y de persona madura es realmente ya una condena. 

Presagios de este fin lo había desde el principio, la inversión en el arte que acaba en suicidio, la falsedad del valor de lo creativo, la muerte con la que acaba los sueños nos conseguidos o ese camino por atrapar la tortuga y un éxito que ni está ni se le espera. Vemos que de la inicial ternura de Mashisu por conseguir la verdad artistica en su infancia se pasa a una desorientación, que culmina con la pérdida del sentido de la realidad en la madurez. Todo queda arruinado por una obsesión que le lleva a despreciar lo de los demás y a su propio fracaso como artista, pero lo que es peor como hijo, como padre o como esposo.

Sin embargo, a pesar de que la aporía de Zenón se nos presenta como un dilema irresoluble, ciertamente como un falso dilema, pues la verdad es  que lo que la intuición y el sentido común nos dicen:  la tortuga no  gana nunca pues a pesar de su ventaja, no hace otra cosa sino retroceder en la vida. Todos sabemos que Aquiles realmente alcanzará a la tortuga, porque como demostró el matemático escocés James Gregory (1638-1675) una suma de infinitos, puede tener un resultado finito. Los tiempos en los que Aquiles recorre la distancia que lo separa del punto anterior en el que se encontraba la tortuga son cada vez más y más pequeños (hasta el infinito más pequeños), y su suma da un resultado finito, que es el momento en que alcanzará a la tortuga. Eso sí, el pintor no alcanzará el éxito, pues no depende de un número sino de otra circunstancias.

Es triste pero un número, el que corresponde al año 2020 parece ser la paradoja de Aquiles y la tortuga de Zenón de Elea. Cada vez que nos acercamos a la solución de la pandemia, algo nos dice que nos alejamos más de la solución. ¿Quién y cuándo la encontraremos? Aquiles, Ulises, ¡qué más da! Lo importante es atrapar a esta tortuga vírica. 

Yesterday

¿El mundo que conocemos sería igual sin los Beatles? ¿La música que conocemos hoy sería lo mismo sin las canciones de los Beatles?  ¿Podríamos vivir sin la música de los Beatles? Tras ver Yesterday, le hice una de estas preguntas al director del programa Días de cine por Twitter, Gerardo Sánchez, y me respondió lo que yo creía y esperaba: imposible.

Para mi generación escuchar el término Yesterday y es remitirnos a esta canción, puede que la más icónica del cuarteto de Liverpool, aquellos que tocaban en The Cavern, aquellos que nos cantaron sobre un Largo y tortuoso camino,  de esa callejuela que es Penny Lane o The Lucy in the Ski with Diamond o crearon esa genialidad que es Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. 

La banda sonora de nuestra vida está llena de sonidos y de canciones que nos remiten a The Beatles Yesterday no fue ayer. Es y será siempre.

Pues bien esta es la tesis de la película británica que dirigida por el británico de Manchester , Danny Boyle un hombre que ha sido premiado en múltiples ocasiones con premios diversos como el oscar que consiguiço por Slumdog Millonaire, los dos entregas de Trainspotting con más de veinte años - 21 en concreto- de diferencia entre la primera y la segunda. Un hombre con sentido del espectáculo como se vio en la Ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012 (2012), 28 Days Later (2002) , el descubridor del actor Ewan MacGregor y director de Yesterday, una película de 2019 que habla del amor a la música y de los sueños de sus artista por alcanzar el éxito.

Durante el estreno Paul McCartney y su esposa Nancy Shevell se colaron en un teatro en The Hamptons para ver la película y llegaron a "amarla".

La película de Danny Boyle, nace de un guion escrito por Richard Curtis y de una historia ideada por Jack Barth. 

La película es una producción de Bernie Bellew, Tim Bevan,  Danny Boyle, Richard Curtis , Eric Fellner y Matthew James Wilkinson con el respaldo de la productora Decibel Films, Dentsu, Etalon Film, Perfect World Pictures y Working Title Films y la distribución de la Universal Pictures y la United International Pictures (UIP). Contó con un presupuesto de $26.000.000 en el que $10 millones se pagaron para obtener los derechos de las canciones de los Beatles para la película, aunque ninguno de los Beatles estuvo involucrado. Con todo  Danny Boyle recibió bendiciones de ellos y sus familias. 

La película cuenta con la música de Daniel Pemberton , la fotografía de Christopher Ross y el montaje de Jon Harris. 

Está protagonizada por Himesh Patel como Jack Malik, Karma Sood como el joven Jack Malik, Lily James como Ellie Appleton, Jaimie Kollmer como la joven Ellie Appleton, Kate McKinnon como Debra Hammer y  Ed Sheeran como él mismo. 

Junto a ella están en la película Lamorne Morris como el jefe de marketing, Sophia Di Martino como Carol, Joel Fry como Rocky, Ellise Chappell como Lucy, Harry Michell como Nick, Camille Chen como Wendy, Alexander Arnold como Gavin, James Corden como él mismo, Sanjeev Bhaskar como Jed Malik, Meera Syal como Shelia Malik,  Karl Theobald como Terry, Michael Kiwanuka como él mismo y Robert Carlyle como Celso Piña (no acreditado). 

Aparecen igualmente Ana de Armas , Maryana Spivak , Vincent Franklin, Gus Brown, Justin Edwards,  Javone Prince, Camilla Rutherford, Sarah Lancashire, Elizabeth Berrington y Jennifer Armour.  

Jack Malik (Himesh Patel ) es un cantante y compositor con problemas para insertarse en el engranaje musical, pues no pasa de tocar en pequeños garitos. 

Su mánager y amiga de la infancia, Ellie Appleton (Lily James ), lo alienta a no renunciar a sus sueños. Un día le consigue meter en un festival, pero en el Festival, mastodóntico, pasa totalmente desapercibido.

A la vuelta del mismo, Jack está convencido que ha de dejar el mundo de la música. Cuando le pide a Ellie que la deje en su casa para recoger su bicicleta, al poco de montar en ella para ir a casa es  atropellado por un autobús cuando éste no le ve al producirse un apagón global.

Salva la vida, aunque pierde alguno de sus dientes. Como durante el accidente se ha quedado sin guitarra, sus amigos le regalan una. Él como agradecimiento y para estrenarla decide cantar "Yesterday" para sus amigos , pero todos se quedan absortos por la canción concluyendo que es maravillosa. Cuando él pide que no le vacilen , pero descubre ante su sorpresa que ninguno de ellos han oído hablar de los Beatles. 

Después de ir a casa y reflexionar sobre el tema decide copiar todas las canciones de los Betles que recuerda que son casi todas y tras probar con sus padres y un vecino se da cuenta de que la banda nunca existió para ellos, 

Desde ese momento Jack comienza a interpretar sus canciones, haciéndolas pasar por las suyas. A lo largo de la película, Jack se da cuenta de que varias otras piezas de la cultura pop han desaparecido junto con los Beatles: como la Coca-Cola, la serie de Harry Potter, la banda Oasis y los cigarrillos. 

Ellie hace que Jack grabe una demo con un productor musical local, Gavin ( Alexander Arnold). En ella graba alguna canción de los Beatles . 

Después de una actuación en una radio que pone su disco y en una televisión local, Jack es invitado por la estrella del pop Ed Sheeran que primero visita su casa y luego, tras escucharlo otra vez, lo convence para actuar como su acto de apertura en Moscú. 

Ellie, al enterarse de la nueva dimensión de su amigo,  se niega a unirse a él, diciendo que debe trabajar en su trabajo diario como maestra de escuela, por lo que el amigo de Jack, un descerebrado de nombre Rocky (Joel Fry ), viaja con él a Moscú en su Jet. 

Tras ser telonero de Ed Skeeran y tocar Back In The U.S.S.R. vuelve locos a los asistentes. Después del concierto, Sheeran desafía a Jack a un duelo de composición; él pierde ante Jack que compone "El camino largo y sinuoso". Tras el concierto vemos como uno de los asistentes lo mira con atención, mientras que otra, una representante de artistas le invita a ir con ella a los Estados Unidos. 

En Los Ángeles, la despiadada agente de Sheeran, Debra Hammer (Kate McKinnon ) , lo firma en su sello y dirige su ascenso a la fama mundial. Las composiciones de Jack comienzan a revolucionar el mercado de la música y se posición comienza a ser dominante a  escala mundial. Sin embargo, el éxito no le llena de alegría. 

Jack regresa a Los Ángeles y comienza a grabar el álbum en EastWest Studios, pero no logra encontrar la letra de las canciones. 

Con la esperanza de buscar inspiración y provocar recuerdos a través de la asociación, Jack va a la ciudad natal de los Beatles, Liverpool, visitando lugares de interés como Strawberry Field, Penny Lane y "La tumba de Eleanor Rigby".  

A la ciudad del oeste de Inglaterra llega Ellie. Con ella pasa un día y Ellie confiesa que siempre ha estado enamorada de él. Jack se acaba de dar cuenta de que Ellie desde el colegio era la única persona que le apoyaba en esa loca idea sobre la música. De hecho como en un flashbacks los vemos en la promesa de que ella llevaría su carrera mudical. Pero a ella ese mundo en el que está Jack no le gusta. 

Con Ellie pasa una tarde bebiendo y por la noche en la habitación se besan, pero Ellie le dice que no está interesada en una aventura de una noche. 

A la mañana siguiente, Jack y Rocky persiguen a Ellie a la estación de tren, donde felicita a Jack por su carrera pero le dice que no puede ser parte de su vida de celebridad. 

Jack regresa a Los Ángeles con el corazón roto. El sello discográfico se prepara para lanzar el álbum debut de Jack. 

Los productores rechazan sus títulos sugeridos, tomados de los discos de los Beatles, y nombran el álbum One Man Only, impulsando su talento. 

Jack los persuade para lanzar el álbum con un concierto en la azotea en su localidad natal de Gorleston-on-Sea como hicieron los Beatles con el albun de Let it be. 

En el backstage, dos personas se acercan a él y le dicen que saben que plagió las canciones, pero les dan las gracias, temiendo que la música de los Beatles se hubiesen ido para siempre. Es más deciden darle una dirección de uno de los Beatles. Se trata de John Lennon, que ha sobrevivido hasta la vejez, fuera del foco público. 

Jack le pregunta a Lennon si ha llevado una vida exitosa; Lennon responde que ha vivido feliz con su esposa. Le aconseja a Jack que busque a la persona que ama y que siempre diga la verdad. 

Por último, Ed Sheeran hace arreglos para que Jack actúe en el estadio de Wembley. En el estadio Jack confiesa a la multitud que plagió la música y que ama a Ellie, y que Rocky está en ese momento subiendo las canciones gratis a Internet, saboteando el lanzamiento del disco y a la productora Hammer que le amenaza con llevarlo a los tribunales. 

Por ultimo en el tramo final vemos a Jack y Ellie que se han casado y que ahora tienen una familia . Vemos que Jack es a día de hoy profesor de música y ...parace disfrutar. 

El proyecto de esta película se anunció en marzo de 2018 y ese mismo mes se anunció que el director Danny Boyle y el escritor Richard Curtis se unirían a esta comedia musical que se desarrollaría en los años 60 o 70 y se centraría en "un músico con problemas que cree que es la única persona que puede recordar a los Beatles" con Himesh Patel contratado en el papel principal.

Poco después se informó que Lily James y Kate McKinnon se habían unido al elenc al igual que Ed Sheeran que demás también escribiría nueva música para la película, que también incluiría canciones de los Beatles Ana de Armas y Lamorne Morris poco  después se integraron en el reparto. En mayo de 2018, Sophia Di Martino, Joel Fry y Harry Michell se incorporaron a la película. 

El rodaje comenzó el 21 de abril de 2018, en el Reino Unido con escenas filmadas en distintos puntos de Essex como Clacton-on-Sea, de Norfolk como Gorleston on Sea, Cantley, Great Yarmouth, Buckenham, en Suffolk como en Lowestoft, Ramsholt, Woodbridge, pero también en Liverpool como en Penny Lane en Mossley Hill, al igual que en otros puntos del Reino Unido como Gales rodando en el Millennium Stadium de Cardiff para recrear el Wembley Stadium. También en Los Angeles, y en su playa de Malibu, y en Moscú. 

Hubo un  casting para los extras de escenas nocturnas tomadas inmediatamente después de los cuatro conciertos consecutivos de Sheeran en el Principality Stadium en Cardiff, Gales, en mayo de 2018.

Otros 5,000 extras también fueron reclutados para aparecer en escenas que se rodaron en Gorleston Beach en Norfolk en junio de 2018. 

En febrero de 2019, se anunció que el título de la película sería Yesterday y que se estrenaría en septiembre de 2019, pero  tuvo su premier en el Festival de cine de Tribeca el 4 de mayo de 2019  y fue lanzado en el Reino Unido y los Estados Unidos el 28 de junio de 2019 por Universal Pictures. 

Tras su estreno la película recaudó unos $153.712.84 en todo el mundo contra un presupuesto de producción de $26 millones.

La película recibió críticas mixtas de los críticos, con elogios por la premisa, las actuaciones y las secuencias musicales, pero la crítica  no le gustó que no avanzara en su concepto. 

En los Premios Goya fue nominada a la Mejor película europea 

En cuanto a la crítica de su país Peter Bradshaw de The Guardian escribió sobre ella que  "aunque esta película puede ser un poco cursi e incierta sobre el desarrollo narrativo, el entusiasmo y la diversión de los cachorros convocados por Curtis y Boyle se sobrelleva". Además dice que es "Una comedia alocada y satisfactoria (...) Está dirigida con energía y elegancia (...) Tiene mucho humor y momentos que te ponen la piel de gallina (...) " 

Laura Snapes también en The Guardian conideró que Yesterday era "la última película de "jukebox" para silenciar a sus mujeres". 

Robbie Collin en The Daily Telegraph, dijo de la película que "se une con estilo para un final bellamente juzgado y sorprendentemente conmovedor, lo que debe mucho a la química de Patel y James".  Y añade que "Se desarrolla con elegancia hasta llegar a un final muy inteligente y conmovedor (...) Puede que esté hecha con éxitos del pasado, pero es capaz de crear su propio ritmo genial y contagioso (...)" 

Fionnuala Halligan en Screendaily entiende que "La energía cruda que impulsó a 'Slumdog Millionaire' se ha disuelto en sidra de Suffolk, pero tiene bastantes cosas interesantes (...) Es un film que todos conocemos, para bien y para mal" 

Ian Sandwell de Digital Spy formula en sus páginas que "Es probable que se convierta en el éxito comercial del verano. Esto se debe en parte a las atractivas actuaciones de Himesh Patel y Lily James (...) " 

Dave Calhoun en Time Out defiende que "La gran ternura que hay en los covers de los Beatles y las encantadoras interpretaciones de James y Patel la hacen irresistible (...)" 

Geoffrey Macnab en The Independent escribe que "Los Beatles habrán aprobado la película, que al menos es un buen escaparate para su música. Por desgracia, 'Yesterday' no tiene la energía de los mejores trabajos de Boyle." 

Ya en los Estados Unidos Owen Gleiberman, de Variety, por su parte, estaba menos entusiasmado, alegando que la película tenía poca alma y calificándola como un "mural de comedias románticas con la grandeza de los Beatles". Y añade que  "Es encantadora y entretenida, pero no ofrece la magia de descubrir [a los Beatles] (...) Una experiencia directa, caprichosa, rutinaria y prefabricada."

John DeFore en The Hollywood Reporter sostiene que la película "Es agradable y entretenida, pero es bastante tonta si te paras a pensar en ella (...) Patel está bastante bien en el papel protagonista" 

David Ehrlich de IndieWire consideró que "Ni siquiera los Beatles podrían salvar esta fantasía musical genérica (...) Una película comercial tan convencida de que 'Todo lo que necesitas es amor' que pierde de vista lo básico" 

A. O. Scott en las páginas del The New York Times escribió que la película "Es atractiva y accesible de una manera que no lo fueron los Beatles. Si se hubiera tomado a sí misma —y al grupo— un poco más en serio, habría sido más entretenida. Pero no fue hecha para durar." 

Dan Callahan en The Wrap destaca la labor de guionistas y director al decir que "Curtis y Boyle ofrecen justo lo que esperarías de esta premisa, esto es, a Patel cantando versiones de karaoke de canciones famosas y poco más." 

Stephanie Zacharek de la revista Time destaca que es "Una comedia romántica perfectamente encantadora si no profundizas demasiado. (...) una fantasía que funciona como una carta de amor de los Beatles, pero que se queda corta en cuanto a la historia de amor" 

Sheila O'Malley en la web de cine rogerebert.com defiende que la película "Explora algunos aspectos de su premisa, pero por desgracia se salta otros (...) Dedica mucho tiempo a la relación de Jack y Ellie, que en el fondo no es tan interesante (...) " 

David Crow en Den of Geek dice que es un "homenaje, funciona y está bien ejecutado. Una obra adorable que tiene todas las papeletas para convertirse en la película del verano (...) " 

Peter Travers en Rolling Stone comenta que la película es una " ... brisa refrescante de diversión escapista (...) Boyle otorga vida a una obra que bien podría haber sido algo inane (…) " 

Sandra Hall Sydney en el Morning Herald sostiene que "La extraña pareja de directores logra ofrecer una fantástica premisa (…)" 

En Canadá Ryan Porter en el Toronto Star dice que "Tiene canciones de los Beatles, pero necesita un guion más depurado y un cantante algo mejor (…) " 

En España Víctor Esquirol en FilmAffinity sostiene que "El recopilatorio termina en mareo, en lo que casi podría considerarse como una muestra de justicia divina. (...) Queda lo que queremos; lo que nos merecemos: el confort que proporciona la hermandad reverencial en torno a ese estribillo tantas veces tarareado. (...) " 

Carlos Boyero en El País escribe "Durante gran parte del metraje me aparece una sonrisa en la boca y en los ojos (...) Su idea [de Curtis] para crear el argumento de Yesterday me parece muy original, extraordinaria, rozando el surrealismo."

Alberto Luchini en El Mundo dice que "Es más una película de su guionista, Richard Curtis, que de su realizador, Danny Boyle. (...) una deliciosa comedia con todas las papeletas para ser uno de los grandes fenómenos del verano. (…) " 

En el ABC  Oti Rodríguez Marchante escribe sobre ella que "Las reflexiones sobre la fama, el legado, la honradez y la memoria del mundo son cortitas, pero la película es una delicia. (…) " 

Nando Salvá en El Periódico considera que "En lugar de sacar punta a esa estupenda idea de partida, la película prefiere convertirse en una comedia romántica muy boba (…) " 

Marta Medina en El Confidencial escribió que era "Comedia romántica con una premisa no del todo aprovechada (...) ¿Qué es lo que hace que una canción o una película sean imprescindibles? En esta ocasión, parece que ni Boyle ni Curtis lo saben. O no les interesa. (…) " 

 Sergi Sánchez en La Razón consideró que partía de "Una premisa atractiva, si Danny Boyle y el guionista Richard Curtis no la aprovecharan para hacer un desafortunado «riff» de «Notting Hill». 

Andrea G. Bermejo en Cinemanía considera que "El guionista sostiene la trama amorosa de 'Yesterday' sobre valores profundos, chistes ingeniosos y personajes secundarios que pretenden ser (...) divertidos. Y, seamos justos. Lo pretende y no lo consigue (…) "

En Fotogramas por su parte Manuel Piñón escribe que  "El punto de partida es sensacional (...) Lo que la aleja de ser el hit instantáneo al que aspira no es su desinterés por sostener una premisa insuperable, sino su incapacidad para continuarla (…) " 

Por mi parte decir que esta comedia romántica despega de forma espectacular como punto original pero en su desarrollo descarrila a la hora de mostrar el medio musical ya que la productora es presentada como una bruja perdiendo los más elementos de humanidad que son los que fluyen a lo largo de la mayor parte de la película. Al principio y al final, la película te va dejando un buen sabor de boca en parte trufando las canciones inolvidables del cuarteto de Liverpool, canciones que nos han invitado a enamorarnos , a  bailar y a cantar desde que tenemos uso de razón o a perderla , al menos , para toda una generación.

La historia de amor es lo de menos, pues sabemos que para que funcione la película, al menos, por un rato tiene que naufragar aunque luego se recompoga la pareja formada por Hamish Patel y Lilly James. Como dice un crítico de cine de Uruguay, Guilherme de Alencar Pinto , es una película dirigida para los que tenemos "un corazón beatle." Por eso sueñan las composiciones de John Lennon & Paul McCartney como When I'm 64, Yesterday, Eleanor Rigby, Maxwell's Silver Hammer, Nowhere Man, A Day In The Life, Let It Be, I Want To Hold Your Hand, She Loves You, I Saw Her Standing There o In My Life. 

Es simpática y entretenida, tiene burnos gags, juega con la realidad que no lo es, por lo tanto, con una ficción, aunque para algunos puede resultar hueca, surrealista  y facilona. Pero como dije al principio como yo al menos soy de esa generación en la que la música de los Beatles ya sea interpretada por ellos o por Ray Charles o por los Bee Gees siempre nos aportará frescura, además de buena música.

Revisión de Lincoln

Lo que son las cosas. Uno no recuerda, nada o casi nada de algunas películas. Eso fue lo que me hizo iniciar este blog que no deja de ser una guía de lo que he visto. No hay sentido crítico alguno, ni deseo queno sea recordar lo que he visto. De ahí el nombre. Y , sin embargo, me encuentro títulos que además me gustaron como Lincoln, ese drama histórico dirigido por Steven Spielberg y protagonizado por Daniel Day-Lewis como el Presidente de los Estados Unidos, Abraham Lincoln , y Sally Field como Mary Todd Lincoln. 

Y tengo decir que no recordaba prácticamente nada de lo visto. Como ya señalé en su momento destacar el magnífico guion de Tony Kushner inspirado en la biografía escrita por Doris Kearns Goodwin, Team of Rivals: The Political Genius of Abraham Lincoln, y cubre los últimos cuatro meses de la vida de Lincoln, centrándose en los esfuerzos del presidente en enero de 1865 para que la Decimotercera Enmienda a la Constitución de los Estados Unidos fuera aprobada por la Cámara de Representantes de Estados Unidos. 

Destacar de la misma la pericia y la maestria con la que Steven Spielberg ruedas escasas escenas bélicas, que aparecen tanto al principio como al final de la película. 

Destacar igualmente el trabajo brillante, brillantísimo, de los dos directores artísticos como son Rick Carter y Jim Erickson en la recreación de escenarios, a los que se suma la fotografía de Janusz Kamiński, el montaje de Michael Kahn y el vestuario de Joanna Johnston, la calidad de cualquier producción en la que intervienen esa "pareja de hecho" cinematográfica que es Kathleen Kennedy y Steven Spielberg, así como la magistral actuación de este nuevo Abraham Lincoln que no es otro que Daniel Day-Lewis, su actuación le valió su tercer Premio de la Academia al Mejor Actor , al que dan réplica Sally Field como su inestable mujer - ambos como pareja infeliz- así como Joseph Gordon-Levitt como el hijo mayor de Lincoln, David Strathairn en el papel de Secretario de Estado William H. Seward, un tremendo Tommy Lee Jones como el congresista republicano Thaddeus Stevens de Pensilvania. Líder de los republicanos radicales y un casi imperceptible Adam Driver como telegrafista como Samuel Beckwith. 

A destacar el gusto de Spielberg por acercarnos a la historia de su país o al papel de algunos de sus presidentes como pudimos ver en Amistad que nos habla de un expresidente , el sexto, como John Quincy Adams, interpretado por Anthony Hopkins o de otro Presidente como Martin Van Buren que fue el octavo presidente de los Estados Unidos interpretado por Nigel Hawthorne.  Tanto una como otra tiene en común la necesidad de presentar la larga lucha por abolir la esclavitud, primer paso para la igualdad real que debería iniciarse con la igualdad jurídica.

Al menos a Spielberg debemos de agradecer su deseo de realizar una lúcida reflexión sobre su país en base a los principios morales y filosóficos de deben regir en una nación.

Dolls o la locura de amor japonesa

Semana dedicada a Takeshi Kitano por lo que parece y hoy la película que he visto no es otra que Dolls, una película del año 2002. Si hasta ese momento Kitano se había caracterizado por ser un director que había triunfado por el humor amarillo y por sus thriller llenos de gente dura o policías en los que la Yakuza y los representantes de la ley se confunden estamos ahora ante un filme diferente más cercano a la experiencia visual que a una narración clásica uy definida. Es más la misma nos narra una historia al ritmo de las marionetas del teatro Bunraku.

Estas dolls o marionetas corresponden al teatro tradicional japonés, en la que se representa una historia de amor y muerte. Al igual que esta película, como la que está pendiente por ver la de Aquiles y la tortuga , las historias de amor y muerte se mezclan aunque con nexos no dejan de ser historias separadas. 

La primera historia que vemos es la que desarrolla con las marionetas tradicionales y con la que comienza la película y sigue en todo momento como hilo conductor. La película conduce a ella abriendo con una representación del teatro Bunraku y se cierra con una toma de muñecos. Ellos interpretan el " El mensajero del infierno " de Chikamatsu Monzaemon , una historia que alude a los temas que reaparecen más adelante en la película. Debido a que el resto de la película en sí (como el propio Kitano ha dicho) puede tratarse como un Bunraku en forma de película, la película es bastante simbólica por lo que en algunos casos, no está claro si una escena en particular debe tomarse literalmente. La película tampoco está en un orden cronológico estricto, ya que hay un fuerte énfasis visual en el cambio de estaciones y los lazos de amor sobre la progresión del tiempo .

Los principales protagonistas son Matsumoto y Sawako que pasan la mayor parte de la película conectados físicamente por una cuerda roja.Y en alguna ocasión los vemos con los mismos kimonos que las marionetas en esa confusión teatro/realidad, y con la belleza de la naturaleza en ese recorrido a lo largo de las cuatro estaciones que hace la primera pareja, unidos por el vínculo de una cuerda roja hasta la muerte. 

Visualmente potente, con la presencia simbólica del color rojo y la fotografía espléndida, de Katsumi Yanagishima, "Dolls"forma parte de la obra cinematográfica no criminal de Kitano, como A Scene at the Sea de 1991, y a diferencia de la mayoría de sus otras películas, no actúa en ella.  

En la misma Takeshi Kitano está en la dirección, en el guion y en el montaje así como en la producción junto con Mori y Takio Yoshida de las productoras Bandai Visual, Office Kitano, TV Tokyo y con la distribución de Shochiku . La música es de Joe Hisaishi, siendo su última colaboración, y la fotografía es de Katsumi Yanagishima siendo el vestuario de Yohji Yamamoto.

El reparto está integrado por  Miho Kanno como Sawako , Hidetoshi Nishijima como Matsumoto,  Tatsuya Mihashi como Hiro, el jefe , Chieko Matsubara como Ryoko, la mujer del parque , Kyoko Fukada como Haruna Yamaguchi, la estrella del pop , Tsutomu Takeshige como  Nukui, uno de los  fan , Kayoko Kishimoto como la tía de Haruna, Kanji Tsuda -como el joven Hiro , Yuko Daike como el joven Ryoko , Ren Osugicomo el gerente de Haruna.

Esta historia de amor/desamor y por lo tanto de dolor se muestra en 3 historias distintas, pero con un eje común. La historia básica que tiene como protagonistas a un joven, Matsumoto y Sawako. Antes de esta historia vemos un teatro de bunraku, al que precede una escena de una pareja unida por una cuerda, a la que apodan "los mendigos atados". 

Ambos son  una pareja feliz. Se tratan de Matsumoto (Hidetoshi Nishijima) y Sawako (Miho Kanno), pero las cosas se tuercen cuando Matsumoto es presionado por su padre, un empleado en dificultades, para casarse con la hija del jefe lo que le ayudará a reinsertarse con su estatus en la empresa. Matsumoto cede a las presiones y rompe su compromiso con Sawako. 

El día de la boda se entera de que Sawako su antigua novia ha intentado suicidarse suicidar con pastillas y su mejor amiga se presenta en la boda para decírselo a Matsumoto, indicándole que se halla "en un estado peor que la muerte". Sin pensarlo, Matsumoto decide volver con ella, pero esta ha perdido la cabeza. La joven está interna en un psiquiátrico, en estado catatónico, al que acude corriendo Matsumoto abandonando precipitadamente su boda. 

A partir de aquí, hasta el final de la película, será Matsumoto el encargado de cuidar a Sawako. Ella se pierde, se queda mirando en el hall de un hotel...  llegando al punto de atarla a su cintura con una cuerda de tender para evitarle peligros, mientras caminan juntos por parques, bosques y montañas, viviendo como mendigos y rompiendo todos los lazos con su familia y amigos. 

En la historia de ambos no faltan flashbacks a tiempos en los que Sawako conservaba su raciocinio y era feliz con Matsumoto. También conocemos cómo la joven ve el mundo a través de sus pesadillas. Pasan los meses y las estaciones del año. El entorno no para de hablar. 

La segunda historia tiene como protagonista a Hiro, un anciano jefe de la yakuza (mafia japonesa), que ayuda de forma regular a dos disminuidos, uno de ellos afirma que es hijo de su hermana, pero un día comenta a uno de sus más cercanos colaboradores que incluso mató a una persona a la que consideró su propio hermano. Por eso se siente en deuda y vive con cierta pena. Pero no siempre fue así. Treinta años antes, cuando era un pobre trabajador de una fábrica, era un joven soñador y ambicioso. Esto le llevó a abandonar a su amada novia para cumplir sus sueños de prosperidad. 

Ahora que el tiempo he hecho mella por su actuación pasada vuelve al parque donde ambos se encontraban. Ese es el punto de unión con la primera historia. En un flashback vemos como un sábado, como todos los sábados, a la hora de comer se ve un joven Hiro (Kanji Tsuda ) en un parque con una joven, la que era su novia (Chieko Matsubara) que se sienta junto a él en un banco. 

Un día el joven Hiro le dice que se marchará para prosperar y que volverá a por ella cuando tenga algo bueno que ofrecerle. Ella, llorando, le promete ir todos los sábados a llevarle la comida, promesa que cumple hasta los días presentes, otro ejemplo de locura de amor. 

En el presente tras rememorar esta historia vemos a Hiro (Tatsuya Mihashi) como hombre de edad avanzada, con poca salud, y jefe de una banda yakuza decide ese sábado ir a dar un paseo por el distrito en el que vivía durante su juventud. Tras pasear por el parque y siendo la hora de comer descubre a una mujer madura sentada en un banco reservando un asiento para comer junto a su prometido Hiro. 

Hiro descubre que su amada lleva 30 años . Aunque inicialmente ella no lo reconoce, empieza a atar cabos y concluye: "ya no estoy sola, ha venido Usted.". 

Pero su historia concluye abruptamente ya que mientras retorna con la idea de volver todos los sábados vemos como lo sigue un sicario de una banda rival que por la espalda mata al jefe Hiro, cuando se acerca a su coche, después de prometer a la mujer del parque que volvería a verla. 

La tercera historia relacionada tanto con Matsumoto (Hidetoshi Nishijima) y Sawako (Miho Kanno) como Hiro y su paciente novia , así como con los chicos disminuidos a los que ayuda , tiene como protagonista a una cantante pop de éxito de nombre Haruna (Kyoko Fukada ) hasta hace muy poco tiempo. En la cresta de la ola Haruna vivía entre shows de televisión y sesiones de venta de discos y autógrafos. Dos de esos fans viven obsesionados con Haruna. Uno de ellos es Nukui (Tsutomu Takeshige ). 

Al salir de un estudio ve desde su coche a Nukui, un fan suyo que trabaja dirigiendo el tráfico de una obra. Ella lo reconoce, ya que anteriormente le pidió autógrafos y regalado obsequios, y quiere parar. Su representante le dice que los fanes más antiguos son los más peligrosos y que debe ser precavida. Inesperadamente el coche en que viaja Haruna sufre un accidente con la consiguiente pérdida de uno de sus ojos. 

Tras el accidente Haruna decide retirarse y evitar a sus fanes para que no puedan verla con un ojo tapado. Se pasa gran parte del tiempo mirando al mar, con su bello rostro está ahora cubierto una venda que le tapa la oquedad.  Uno de sus fans, Nukui, que la adoraba y está locamente enamorado de la cantante, primero comprueba si puede guardar la imagen de la cantante en su memoria, y al descubrir que sí es capaz, se deja ciego con una cuchilla de barbero.  Tras perder la vista y poder visitarla y estar con ella en la playa a lo que ella accede por ser ciego. 

Al descubrir quién es, y que ha perdido la visión, intiman profundamente. Pero cuando él se va, prometiendo volver, muere en la carretera de vuelta a su casa mientras avanzaba por una carretera transitada de vuelta a casa. 

Tras esta tercera y triste historia que implica el paso del tiempo y por los escenarios de estas historias , ya sea por la casa de Hiro, por el parque o por los alrededores de la playa. Vemos como llega el invierno y con ella el final  de la historia. 

Como ya he señalado es invierno, la nieve lo inunda todo. Matsumoto y Sawato han abandonado la ciudad y se dirigen a una estación de esquí en uno de sus paseos. Durante el trayecto Matsumoto ve dos kimonos y los toma puesta están tendidos en un tendedero en medio de la nieve con los que se visten ambos. 

Prosiguen caminando y sus pasos le llevan al sitio donde él pidió matrimonio a Sawako. Miran por la ventana. Es en ese momento cuando Sawako comienza a recordar aunque de manera vaga , el momento en qye Matsumoto, junto a un grupo de amigos le pidio en matromonio. Ella empieza a estructurar un leve recuerdo, sacando el colgante que él le había regalado ese día, mientras sonríe y Matsumoto rompe a llorar. 

Tras dormir a la intemperie cerca del refugio, son ahuyentados a la mañana siguiente por un guardia. Se marchan del lugar y, en su camino, resbalan en la nieve. La pareja aparece muerta colgada por la cuerda que les une de un árbol en un precipicio acabando en ese momento la película. 

La película y cada una de sus viñetas giran de cerca en torno al tema del amor y  la muerte. La intención de Kitano era mostrar que la muerte no era ni buena ni mala, sino un evento relativo. 

En una entrevista, Kitano declaró: "La razón por la que los japoneses y occidentales modernos detestan tanto la noción de muerte está fuera de mí. Realmente no hay ninguna razón para detestar la muerte", y agregó: "La forma en que percibes esta película puede diferir considerablemente según el posición en la que estás parado " 

La película se rodó en diversos puntos de Japón como en la Prefectura de  Niigata Prefecture, o en la de Saitama .

La película consiguió una importante taquilla de unos $ 5.5 millones de dólares así como distintos premios.

La misma fue presentada en el Festival de Venecia siendo nominada al León de Oro. 

En cuanto a las críticas fueron en general positivas, no así en Venecia, pues allí fueron malas, aunque no de forma unánime. Meses después la película fue premiada en el Festival de Sitges, Sitges Cinema Fest.Para  Roger Ebert, columnista de Chicago Sun Times y responsable de la web  rogerebert.com considera que "No es una película para todo el mundo (...) pero creo que Kitano acierta a la hora de ofrecernos su propio ritmo y su mundo, introduciéndonos lentamente en la tristeza de sus personajes (…) "  

En otro diario de Illinois, Chicago Tribune, Michael Wilmington defiende que se trata de  "Un trabajo rigurosamente estilizado y profundamente personal (…) " 

Scott Tobias en las paginas de  AV Club consideró que "Kitano sabe perfectamente que hay poco que decir cuando son las imágenes las que hablan por sí solas." 

Ed Gonzalez de la recomendada por una amiga en Montana, la revista  Slant  defendió que "Utilizando el arte y la violencia como contraste y a modo de barómetro moral, Kitano impresiona a la hora de reflexionar sobre los límites sexual y culturales (…) " 

Para  Stephen Holden en las páginas del influyente The New York Times considera que "La melancólica alegoría de Kitano es una reflexión sobre los lazos que nos unen, y nos enseña que el amor es uno de ellos, pero no necesariamente el más fuerte." 

Ya en España, Ángel Fernández Santos en las páginas de El País defendió que era una "Asombrosa iluminación íntima. (...) portentoso ingenio visual que da alas a la insólita aventura y la hace elevarse a cine exquisito, de grande y rara nobleza." 

Menos contento por decir algo estuvo Carlos Boyero en El Mundo al decir que "Su hipersensibilidad me resulta insoportable" 

Por último, M. Torreiro en  Fotogramas sentenció de una forma contundente al decir que "Tal vez la obra maestra absoluta de Kitano".

Por mi parte señalar que la película refleja la manera de entender la locura de amor por parte de la sociedad japonesa y como es un tema recurrente en el teatro de marionetas tradicional, el Bunraku, lo que implica el manejo de símbolos que posiblemente a muchos occidentales se nos escapa. Sin embargo, el tema del amor / desamor tiene un caráctre universal así como la tragedia que muchas veces van de la mano del amor no correspondido. Si ien durante algunos momentos de la película, me he sentido descolocado, yo diría que por ignorancia, reconozco que estamos ante una gran película, nada fácil, pero llena de historias, por lo pronto tres, perfectamente enlazadas que culmina con esa locura que a veces lleva a la muerte llamada amor como diría Queen "Crazy Little Thing Called Love".  

Revisión de Mientras dure la guerra

Vista hace casi un año en el cine, concretamente en el pasado mes de noviembre y de la que publique una reseña, cutre como todas, pero es lo que hay. Poco más de lo que dije, diré ahora. 

Comentar que en una entrevista a RAC 1, en enero de 2018, su director, Alejandro Amenábar anunciaba el rodaje para la primavera de su nueva película: 'Mientras dure la guerra', una película que estaría ambientada en la Guerra Civil española y que según el director sería con un filme "de aquí y sobre aquí". 

Lo cierto es que Alejandro Amenábar no rodaba en castellano desde hace 14 años y contó con un equipo español en la parte técnica en la que junto a los actores principales ya citados en la entrada anterior como Eduard Fernández, Inma Cuevas, Karra Elejalde, Luis Bermejo, Mireia Rey, Nathalie Poza, Patricia López, y Tito Valverde, quiero destacar el papel del actor gallego Santiago Prego asumiento el rol de Franco que optó a mejor actor revelación en los Premios Goya, una de las 17 nominaciones que tuvo. Entre los no nacionales destaco el papel del cubano aquí como guionista siendo el caso de Alejandro Hernández. 

El director ante tantas nominaciones señaló que "Es muy sano pensar que no te van a dar nada. Así no te llevas luego un disgusto muy fuerte". De las 17 se llevó 5.

En la parte técnica destaca el papel de la sanluqueña Laura Millán que formó parte del equipo de arte del filme de Amenábar. 

La película fue presentada en el Festival de San Sebastián en septiembre de 2019 y junto con "Dolor y gloria" y "Buñuel en el laberinto de las tortugas" completaba la triada de películas españolas precandidatas a representar a España en los Óscar a la mejor película internacional. Finalmente no fue la elegida. 

De las 17 nominaciones a los Premios Goya obtuvo 5 premios incluyendo mejor actor secundario para Edouard Fernández en el papel de Millán Astray, junto con el Mejor diseño de vestuario, el Mejor maquillaje , peluquería y  dirección de producción. 

En los Premios Feroz obtuvo cuatro nominaciones, incluyendo mejor actor y actor de reparto mientras que en los Premios Forqué obtuvo dos nominaciones, a mejor película y actor Karra Elejalde.

En los Premios Gaudí hubo dos nominaciones consiguendo el premio al Mejor actor (Elejalde) y en los Premios Platino consiguió el premio a la Mejor dirección artística de sus 7 nominaciones.

El director presentó entre otros sitios en Valencia donde seis ultras de extrema derecha irrumpieron en una de las proyecciones. Amenábar declaró ante esto que “Han intentado boicotear la película pero están consiguiendo lo contrario, que venga más gente”. Desde luego yo fui a verla, y desde luego, mereció la pena. Y verla casi un año después con la polarización política española, más todavía. Explica en gran medida como somos y como no tendríamos que ser.