El valle de la furia

Cuando en 2025 estuve en Montana, no dudamos en ir a Yellowstone, un espacio impresionante en el que pasamos tres días absolutamente inolvidables. Los espacios que  vimos , los animales con los que nos cruzamos, osos incluidos, y los espacios que recorridos fueron espectaculares. No nos alojamos en el parque sino en el perímetro del mismo. A pesar de que estuvimos principalmente en Yellowstone en el estado de Wyoming, realmente dormimos en Montana, en un espacio natural impresionante, en el que solo pensar en el él, me emociona como era Shoshones National Forest. Lo hicimos en una casa de madura a la que teníamos que llegar andando desde dónde dejábamos los coches y que estaba tras una hora de camino rodeado de bosque y cerca de una cascada de gran altura que te quitaba el hipo. El espacio absolutamente único y teniendo la sensación de un pionero, especialmente carecía de agua corriente, tomábamos el agua de un arroyo cercano, el mismo que yo use para bañarme como Dios me trajo al mundo, mientras mi hijo mayor vigilaba para que no me sorprendiera un oso. Ese era el ara alojarnos en el Shoshone National Forest , que he vuelvo a ver en esta película. 

Y es que para el año 1980 todavía se hacían western. No era lo común, de hecho era un género en declive y sin embargo algunas joyas se hicieron. Este es el caso del valle de la furia que en inglés tuvo el título de The Mountain Men, Los hombres de la montaña. 

La película producida por Martin Shafer y Andrew Scheinman para Polyc International BV y la Columbia estuvo dirigida por Richard Lang y contó con dos pesos pesados de la interpretación como Charlton Heston y Brian Keith, quien en esos años sobre todo en los 70 participaba en muchísimas películas como la inolvidable Tom Sawyer como en serie igualmente inolvidables.. En la película participa también en John Glover, Seymour Cassel y Victoria Racimo. 

La película nos cuenta la historia de Bill Tyler y de Henry Frapp, dos experimentados tramperos que llevan una complicada vida en las montañas y que, con frecuencia, deben de enfrentarse a los indios y a la naturaleza mientras buscan pieles. 

Al primero que conocemos es a Bill Tyler (Heston). Se trata de un hombre de montaña, uno de los pioneros en estos territorios de las Rocosas. Un hombre gruñón y pero de buen corazón. Casi de inmediato conocemos a Henry Frapp (Keith). Como el anterior fue uno de los pioneros en la zona. Es un buen amigo de Tyler y , en ocasiones, su compañero trampero. Juntos, atrapan castores, luchan contra los nativos americanos y , si pueden beben. 

Mientras Bill se dirige a un punto de encuentro de compra / venta de pieles, se  encuentra con Henry con su cargamento y que parece acompañado de un hombre de negocios de Massachussetts que quiere traer caravanas al Oeste, especialmente, a Oregón. 

Uno y otro han ido percibiendo pisadas de nativos americanos, tanto de los más amistosos Crow como los belicosos , Pies negros o Black Foot. De hecho mientras están acampados , primero aparecen los cree que son amigos de Bill y casi de inmediato aparecen los Pies negros que les roban los caballos. Como no pueden sobrevivir sin sus monturas Bill decide atacar a los Pies negros en su campamento. Tras el ataque, que casi acaba como su jefe, Águila poderosa, su esposa, Luna Blanca o Running Moon (Victoria Racimo),  se marcha con los blancos, muy a pesar de Bill.  

Bill , Henry y su compañero Nathan Wyeth ( John Glover) van a punto de encuentro y allí además de beber y bailar, pues se reúnen los "hombres de montaña" mientras intentan vender sus "plews", o pieles de castor,  Bill intenta negociar con un comerciante francés llamado Fontenelle (Ken Ruta) que les paga mucho menos de lo esperado 2 dólares por piel puesto que en Europa ahora está de moda la seda. 

Bill Tyler busca un valle legendario, en territorio Blackfoot, "tan lleno de castores que simplemente saltan en las trampas" y allí se encuentra con Pecho de metal o Iron Belly (Victor Jory) que le cuenta que la leyenda es cierta y le dice aproximadamente donde lo puede encontrar, en pleno espacio habitado por los Pies negros . 

Al campamento llega Luna Blanca pues dice que no tiene donde ir, puesto que quiere dejar a su marido, un hombre abusivo, el despiadado jefe guerrero Blackfoot llamado Aguila Poderosa  / Heavy Eagle (Stephen Match ) , y se suma a los dos tramperos - pues Nathan se va con una caravana a Oregón- que comienzan a admitir que se encuentran en los últimos días de la era de las trampas de pieles. 

Si bien al principio Bill solo quiere llevarla a un lugar seguro en el punto de encuentro, ella se niega a irse y finalmente se convierte en su mujer. 

Mientras cazan, Bill y Henry son atacados por Blackfeet y Heavy Eagle le corta el cuero cabelludo a Henry delante de Bill. Tyler corre de regreso al campamento y él y Running Moon huyen, pero tras varios días, son atrapados. 

Bill Tyler es llevado al campamento. Allí Águila Poderosa le ha contado que Luna Blanca murió durante su ataque - él vio como ella caía- , pero el consejo de ancianos, muy a pesar de Águila Poderosa, decide dar una oportunidad a Bill para que corra por su vida  siendo perseguido por guerreros a quienes inicialmente elude escondiéndose en una madriguera de castores. 

Allí aunque uno lo descubre logra huir, pero por poco tiempo ya que los pies negros lo persiguen hasta que él y Heavy Eagle luchan cuerpo a cuerpo en el río y , finalmente, caen en un río embravecido hasta encontrar una catarata. Heavy Eagle llega a la orilla y Bill cae por una cascada. 

Águila poderosa regresa a su campamento e intenta hacer de Luna Blanca que sigue viva, que sea su mujer nuevamente, violándola, pero ella se niega a someterse a él. Él sospecha que Bill Tyler sobrevivió y vendrá a por ella, tal como lo había hecho él. 

En su viaje de supervivencia, Bill sque lucha contra los lobos por conseguir la piel de un búfalo muerto , se dirige al campamento de los Crow, con los que Bill mantiene una buena relación, pero se encuentra el campamento de los crow destrozado con todos los niños, guerreros y mujeres muertos; y mientras deambula por un nevado Yellowstone se encuentra con Henry, que había sobrevivido al la pérdida de parte de su cabellera cortada. 

Sabemos que el jefe de los Crow fue llevado al campamento de los Pies Negros ya que Águila Poderosa sospechaba que le podían dar cobijo a Bill. El blackfoot optó por masacrar a la gente del poblado y llevarse a su campamento al jefe como rehén. Está medio muerto, pero Luna Blanca lo alimenta y le pregunta por Bill, pues conocía la amistad entre ambos. No lo ha visto, pero ella lo libera con el fin de que si lo ve le diga que ella está viva. 

Finalmente,  se encuentran Bill y Henry con el moribundo jefe de los Crow y a través de sus últimas palabras se entera de que Running Moon todavía está viva. Él y Henry - a pesar de que al principio es reacio- se disponen a rescatarla; mientras los siguen otro par de tramperos, La Bont (Seymour Cassell )  y Jim Walters (William Lucking ), que también están buscando el valle de los castores.

Nunca antes Bill y Henry se habían tenido que enfrentar a un líder indio tan enérgico y perverso como Águila poderosa, el jefe de los pies negros. Los montañeros se han ganado su ira . Y aunque ambos son excelentes luchadores, saben que Águila poderosa tendrá que emplearse a fondo para lograr que su mujer vuelva con él.

Después de que Le Bont y Walters sean asesinados por Heavy Eagle y sus guerreros, los pies negros acosan a Bill y Henry  cerca de un río. Allí Henry recibe un disparo en el pecho con una flecha y muere en los brazos de Tyler. 

En un descuido, Tyler se cuela en el campamento de los Blackfoot y encuentra a Running Moon, pero antes de que puedan escapar, Heavy Eagle llega. Tyler y Heavy Eagle  inician un brutal combate cuerpo a cuerpo, y justo cuando Heavy Eagle está a punto de matar a Tyler con un cuchillo, Running Moon le dispara con un mosquete, matándolo. 

Tyler construye una plataforma de entierro celestial tradicional de los Blackfoot junto a un río y coloca el cadáver de Henry en ella, antes de que él y Running Moon se alejen hacia las tierras altas, en busca del valle de los castores. 

Se trata de una película escrita por el hijo de Charlton Heston, Fraser Clarke Heston, y contó con la fotografía de Michel Hugo - desgraciadamente, he visto una mala copia, y ya no sé si por el Metrocolor usado o la coipa en sí los colores estaban muy desdibujados- , el montaje de Eva Ruggiero y la buna banda sonora de Michel Legrand. 

La película que al principio pudiera tener conos casi cómicos se transforma en un drama brutal. Y , a más de uno le habrá recordado a Las aventuras de Jeremías Johnson de Sidney Pollack, protagonizada por Robert Redford, rodada ocho años antes. En conjunto resulta mucho más modesto que la cinta de Robert Redford pero tiene suficiente acción y sobre todo alta dosis de violencia como para mantener el interés del espectador hasta el final. 

Comentar que uno de los aspectos que más me ha gustado ha sido los espacio de rodaje, algunos de los cuáles he podido conocer personalmente. El rodaje tuvo lugar, mayormente en Wyoming en concreto en el Bridger-Teton National Forest, el Grand Teton National Park, en Jackson Hole, en mi añorado Shoshone National Forest y en mi también añorado Yellowstone National Park.  

La película que consiguió unos 6 millones de dólares en taquilla, tuvo críticas mixtas , especialmente, cuando el western estaba de capa caída y los espectadores y críticos le habían dado ya la espalda al género. 

Com,o muestra un par de botones. Para Michael Blowen, del Boston Globe, la película "es, simplemente, la peor película del año"; mientras que en Variety calificó la película como "cargada de vulgaridades, sangrienta y que lleva mucho tiempo pasar de un desarrollo de la trama a otro"

Los habituales en la prensa de Chicago, Tanto Gene Siskel como Roger Ebert dieron críticas negativas a la película, seleccionándola como uno de sus "perros del año" en un episodio de 1980 de Sneak Previews. Siskel agregó: "Heston simplemente no ha logrado crecer, esta es una película de los años 50 en su apariencia, su comedia y en su actitud racista hacia los indios. Los retrata en algunas escenas de batalla como monstruos arrastrando los pies con la cara pintada de rojo".

Leonard Maltin calificó la película como "BOMBA" y la describió como "western crudo, sangriento y aburrido de buenos contra indios" 

Por su parte, Linda Gross, del diario Los Angeles Times, hizo una crítica parcialmente favorable, escribiendo que "en su mayor parte, la película... es una historia agradable".

En The New York Times, Janet Maslin elogió el paisaje de Wyoming. 

Charlton Heston dijo más tarde: "...la película que vieron no era la que habíamos concebido o filmado. Llegamos a un acuerdo. El guion de mi hijo era mucho más oscuro. Enfatizaba el tipo de reconocimiento otoñal que se ganaron como tramperos. Confieso que extraño mucho ese aspecto. A mi hijo le resultó difícil de aceptar. Volcó todo en el guion y se resintió de los cambios. Pero todos los artistas hacen concesiones. Cada una de mis películas podría haber sido mejor. Cada una de ellas. Mi hijo aprendió que la gente que pone el dinero controla la película. Cuando vimos el corte final, se le rompió el corazón... Podría haberme ido. Podría haberlo puesto todo en juego, pero no me gusta hacer eso. Era el primer largometraje del director (Richard Lang) y no me gusta hacer alarde de mi autoridad. Pero tal vez debería haberlo hecho. Tal vez cometí un error". 

Por mi parte destacar el hecho de estar rodada íntegramente en escenarios naturales de las Montañas Rocosas y en los Parques Nacionales de Grand Teton y Yellowstone  que aparecen magníficamente fotografiados , aunque con el pero de la copia vista, y con una gran banda sonora de Michel Legrand. Como película me ha parecido un gran western, crepuscular tanto por el momento elegido, el fin de una etapa, la de los tramperos, como la edad de los protagonistas como el tono empleado como western,  naturalista por el espacio pero casi crepuscular por el ánimo y el fin de una era, con actores en plena madurez , que está a medio camino entre el western y el cine de aventuras e incluso con una gran historia de amor. Un gran western. 

The dogs of War

Los ingleses son como son, como los españoles son como son. Si nuestras referencias literarias muchas veces están en nuestros escritores del Siglo de Ooro y sobre todo en Cervantes y en El Quijote para los ingleses están en la obra de William Shakespeare. Y parece ser que está en Julio César la aparición de este término, "Perros de guerra" con "Grita:... y suelta a los perros de la guerra".

The Dogs of War es una película de bélica estadounidense de 1980 producida por Larry DeWaay, Norman Jewison y Patrick J. Palmer para la United Artist, en la que invirtieron $8 millones de dólares, basada en la novela homónima de 1974 de Frederick Forsyth. Aquí con un guion adaptado por Gary DeVore, George Malko y un no acreditado Michael Cimino, la película fue filmada en gran parte en Belice, fue dirigida por John Irvin y protagonizada por Christopher Walken y Tom Berenger junto a Collin Blakely, Colín Friels, George W. Harris, Hugh Millais y Paul Freeman.

Nos cuenta la historia del mercenario Paul ¿o es Jamie? Shannon (Christopher Walken) un profesional de la guerra que tras escapar de Centroamérica con sus camaradas Drew (Tom Berenger) , Derek (Paul Freeman), Michel (Jean François Stevenin) , Terry y Richard,  recibe una oferta de Roy Endean (Hugh Millais) , un empresario británico que trabaja para un importante magnate. 

La empresa de Endean está interesada en "ciertos recursos" en la pequeña nación africana de Zangaro, gobernada por el brutal dictador, el presidente Kimba. 

Shannon emprende una misión de reconocimiento a Clarence, la capital de Zangaro, y conoce a un documentalista británico llamado North, quien le informa sobre la situación política en Zangaro. Sin embargo, las actividades de Shannon despiertan las sospechas de la policía (especialmente un presunto coqueteo con una mujer que resulta ser una de las amantes de Kimba) y es arrestado, brutalmente golpeado y encarcelado. 

Sus heridas son tratadas por el Dr. Okoye (Winston Ntshona ) , un médico y prisionero que anteriormente fue un líder político moderado. North hace campaña por la liberación de Shannon y dos días después es deportado. 

Cuando Shannon le dice a Endean que no hay posibilidad de un golpe interno, Endean le ofrece 100.000 dólares para derrocar a Kimba invadiendo Zangaro con un ejército mercenario. 

El empleador de Endean tiene la intención de instalar un gobierno títere liderado por el coronel Bobi, el codicioso ex aliado de Kimba, permitiendo al empleador de Endean explotar los recursos de platino recién descubiertos del país, un acuerdo garantizado por el coronel Bobi. Shannon rechaza la oferta y, en cambio, le propone a su ex novia Jessie que comiencen una nueva vida en el oeste de los Estados Unidos, pues le han hablado muy bien de los paisajes de Colorado y Montana. 

Cuando ella rechaza su propuesta, él acepta el contrato de Endean con la condición de que tendrá el control total de la operación militar. Provisto de un millón de dólares para gastos, Shannon contacta a algunos de sus socios de Centroamérica y se reúnen en Londres para planificar la invasión. 

El grupo se abastece ilegalmente de metralletas Uzi, municiones, lanzacohetes, minas y otras armas a traficantes de armas. North (Colin Blakely) se encuentra con Shannon por casualidad en Londres y sospecha que es un agente de la CIA. Shannon le pide a Drew que asuste a North sin lastimarlo, pero North es asesinado por un sicario contratado por Endean para seguir a Shannon y su tripulación. Drew captura al asesino, y cuando Shannon, furioso, se entera de que Endean había enviado al sicario pero que el sicario había matado a North por su propia iniciativa, mata al asesino a su vez y deja el cuerpo en la casa de Endean durante una cena celebrada para el coronel Bobi. 

Para transportar al grupo y el equipo a la costa de Zangaro, Shannon contrata un pequeño carguero y una tripulación. En el mar, al equipo se une una fuerza de exiliados Zangaran entrenados como soldados por un ex colega mercenario. 

Una vez en tierra en un ataque nocturno, los mercenarios y sus tropas usan su variedad de armas para atacar la guarnición militar donde vive Kimba. Drew irrumpe en una choza en el patio del cuartel y sólo encuentra a una mujer joven con un bebé; cuando él se da vuelta para irse sin hacerles daño, ella le dispara por la espalda con una pistola. 

Después de que los mercenarios asaltan las ruinas de la guarnición en llamas y marcadas por las balas, Shannon se abre camino hacia la mansión de Kimba. 

Allí encuentra al dictador metiendo fajos de billetes en un maletín; Cuando Kimba, que llora, le ofrece a Shannon parte del dinero para perdonarle la vida, Shannon lo mata. 

A la mañana siguiente, Endean llega en helicóptero con el coronel Sekou Bobi (George Harris) y entran a la residencia presidencial, donde encuentran a Shannon y al Dr. Okoye esperando su llegada tardía. Shannon presenta al Dr. Okoye como el nuevo presidente de Zangaro, y cuando Endean protesta ("¡Todo este país está comprado y pagado!"), Shannon le dice: "Vas a tener que comprarlo todo de nuevo", y lo silencia diciéndole disparando a Bobi. 

Shannon, Derek y Michel cargan el cuerpo de Drew en un Land Rover, de acuerdo con el brindis que brindaron al planificar la operación: "Todos vuelven a casa". La película concluye con los mercenarios conduciendo por las calles desiertas de Clarence hasta que quedan fuera de cuadro. 

Parece ser que la United Artists compró los derechos de la novela en 1974 y que Don Siegel iba a dirigir pero no le gustó el guión. Abbey Mann escribió un nuevo guión. Luego Michael Cimino escribió otro borrador. Norman Jewison se incorporó como productor y director, y Gary Devore reescribió el guion. Jewison decidió producir, no dirigir, y buscó otro director. 

Inicialmente, Jewison contrató a Michael Cimino para dirigir con Clint Eastwood y Nick Nolte como protagonistas, pero abandonó la película para trabajar en Heaven's Gate. 

John Irvin se convirtió en director. Este fue sólo el segundo largometraje internacional del director John Irvin, quien anteriormente trabajó como realizador de documentales durante la Guerra de Vietnam y que hace nada puede ver Hamburger Hill. 

La película cuenta con la fotografía de Jack Cardiff, el montaje de Antony Gibbs y la múysica de Geoffrey Burgon. El director de fotografía Jack Cardiff había dirigido anteriormente un relato sobre mercenarios en África titulado Dark of the Sun conocido aquí como ültimo tren a Katanga. El compositor Geoffrey Burgon concluye la película con el Epitafio de un ejército de mercenarios de A. E. Housman cantado sobre los títulos finales. 

El rodaje comenzó el 18 de febrero de 1980. y la primera escena centroamericana se filmó en el Miami Glider Port, al suroeste de Miami, Florida. Posteriormente, se filmaron escenas de países africanos en la ciudad de Belice, Belice y sus alrededores, ya que Irwin decidió filmar las escenas en África en la vida real sería demasiado arriesgado. El puente giratorio manual que se muestra durante el ataque es uno de los más grandes de su tipo en el mundo. 

La película presenta varias armas que fueron prominentes en la cultura popular durante la década de los ochenta, y aunque no triunfó en taquilla, quedando muy por debajo de lo invertido, si obtuvo cierto éxito entre los interesados del cine bélico. No obstante, el concepto de perro de guerra se popularizó para identificar a los mercenarios.

El país africano ficticio inspirado parece estar inspirado en distintos países que en esa década no dejaban de ser Gobiernos militares y corruptos como Guinea-Bissau, Guinea-Conakry, Guinea Ecuatorial y Angola. Mirando hoy el mapa, parece que poco ha cambiado y esos perros de presa no serán británicos o americanos o incluso españoles - algunos fueron a las guerras coloniales portuguesas en los años 70)  y franceses sino rusos del grupo Wagner. El mundo no ha cambiado tanto. La guerra y sus perros persisten. 

El liguero mágico

Uno, que es hijo de la transición, no puede quedarse ojiplático viendo productos como este de Mariano Ozores trufados de chistes políticos del momento - estaba Adolfo Suárez en el poder apoyado ( es un decir) por su partido la UDC- chascarrillos, retruécanos y picante - es lo que tuvo nuestro destape- que hoy no pasarían un filtro pudoroso de la nueva inquisición estaban tan  en moda en el cine español de finales de los 70 y primeros 80 y que llevó a la gran pantalla y a despelotarse a buena parte de las azafatas del 1, 2, 3...

*EC: En construcción  

Caído del cielo

 

Cine independiente con sabor a auténtico con una jovencísima Linda Manz que hace el papel de su vida. Una película que ha sido presentada como la última película punk rock.

*EC: En construcción

La gran pelea

Si hace unos seis meses comentábamos Duro de pelar , una película que llevaba por título  en inglés de Every Which Way but Loose  ahora lo hacemos de otra que es continuación de esta y que tiene elementos en común con la anterior . Su título es Any Which Way You Can  aquí presentada como La gran pelea.

Lo cierto es que el gran éxito de "Duro de Pelar" (Every Which Way But Loose, 1978), una cinta que se convirtió en la segunda con mayor recaudación del año 1978 en USA -por delante de "Rocky II" y "Alien"-, provocó esta secuela, que también obtuvo buenos resultados de taquilla -la 6ª mejor recaudación del año 1980-, a pesar de obtener unas críticas notablemente peores. 

Vemos que repite y difiere  en el título algunas expresiones; mantiene el Which Way pero sustituye el Every por el Any ; y el but Loose por el You Can. De cualquier manera el tono, la historia , los personajes son los mismos , al fin y al cabo han pasado solo los años , una es del 78 y la otra del 80, para esta secuela, aunque aquí las victorias o las derrotas tienen como fin mostrar una historia de acción combinada con una comedia con buenas intenciones y algún toque de buen humor. 

La película fue estrenada en 1980 y tenía a gran parte de los protagonistas de la Every Wich Way ..., es decir, a Clint Eastwood, Sondra Locke, Geoffrey Lewis y Ruth Gordon con un Orangután, solo que ahora entrará en la historia otro actor con el que se ha enfrentar Eastwood , William Smith que pasará a la historia de la televisión como el malvado Falconetti.

En este caso la película fue dirigida por Buddy Van Horn y es la quinta de las seis películas realizadas por la pareja de la vida real Clint Eastwood y Sondra Locke y la octava película de Clint Eastwood para la Warner Brothers.

Buddy Van Horn hizo con ella su debut  como director , un hombre formado como integrante y director de segunda unidad y en la que será la primera de sus tres películas donde este coordinador de especialistas dirigió Clint Eastwood. En otras películas posteriores como fueron El cadillac rosa (1989) y La lista negra (1988) todos  hechas durante la década de 1980. 

En este caso la película cuenta con la producción de Robert Daley y  Fritz Manes para la productora de Eastwood, The Malpaso Company , y con la distribución de la Warner Bros y manejando un presupuesto de   $ 15 millones de dólares. 

La película parte del guión escrito por Stanford Sherman y Jeremy Joe Kronsberg  creador de los personajes.

La película contiene una variada música en la que participan Steve Dorff, Ray Charles, Clint Eastwood, Glen Campbell, Jim Stafford, Fats Domino y John Durrill.

La fotografía fue labor de David Worth, mientras que el montaje lo es de Ron Spang y Ferris Webster. 

En cuanto el elenco está integrado por Clint Eastwood como Philo Beddoe , Sondra Locke como Lynn Halsey-Taylor,  Geoffrey Lewis como Orville Boggs , Ruth Gordon como Zenobia 'Ma' Boggs,  William Smith como Jack Wilson , Barry Corbin como "Fat" Zack Tupper , Harry Guardino como James Beekman , Michael Cavanaugh como Patrick Scarfe, y entre los viudas negras se encuentran Roy Jenson como Moody, Bill McKinney como Dallas, William O'Connell como Elmo, John Quade como Cholla, su líder . Aparecen igualmente Al Ruscio como Tony Paoli Sr., también conocido Big Tony, Dan Vadis como Frank, Jack Murdock como Little Melvin, George Murdock como sargento Cooley, Dick Durock como Joe Casey, Camila Ashland como Hattie, Anne Ramsey como Loretta Quince, Logan Ramsey como Luther Quince y Jim Stafford como Long John. 

Philo Beddoe (Clint Eastwood) y su inseparable amigo el orangután Clyde siguen dedicándose a las peleas clandestinas. Vemos como una multitud se desplaza por carretera hasta un punto indeterminado  de una ruta en la que se han juntado camioneros, policías, apostadores, obreros, macarras y todo tipo de personas para ver una nueva pelea de  Philo Beddoe , ahora, con un policía que ha ganado a todos sus contrincantes anteriores. Philo Beddoe todavía está luchando en combates de boxeo clandestinos para ganar dinero.

Como es normal Philo Bedoe está acompañado por su orangután Clyde y asistido por su amigo y "promotor" Orville Boggs ( Geoffrey Lewis ). La pelea tiene lugar y tras un duro combate y muchas apuestas Philo gana al policía, no sin antes no poder impedir que Clyde haga sus necesidades en el espacio que más le gusta , en un coche patrulla de un capitán presente y que ha sido derrotado en sus apusetas.

Tras eso vemos como que este combate se ha desarrollado dos años después de  su pelea con Tank Murdock. Philo, ahora , ha decidido y así se lo dice a Orville que es el momento de retirarse cuando se da cuenta de que ha comenzado a disfrutar del dolor.

Tras eso los tres amigos - incluyendo en eso a Clyde- se van a tomar una cerveza a un bar en el que , curiosamente, está actuando Lynn Halsey-Taylor (Sondra Locke) , la ex de Philo y que rompió con éste hace tiempo para dolor de Phylo.

Tras su actuación Lynn se toma algo junto a su excompañero y se entera que ella ahora se encuentra en una residencia que es una casa de acogida para mujeres , donde no se permite la entrada a los hombres.

Una vez en casa de Orville se reencuentra con  Zenobia 'Ma' Boggs (  Ruth Gordon) pues Phylo la sigue tratando como una madre a pesar de que ella sigue protestando por todo lo que hace Phylo, su hijo Orville y Clyde.

Mientras en Nueva York también hay peleas clandestinas, en este caso contraladas por la mafia. Se trata de peleas realizadas por gente de mucho dinero y en los que se enfrentan son animales ales como serpientes  de cascabel contra mangostas. Son mucho más crueles y en las que se mueve mucho más dinero.

Tras una victoria por parte de uno de los mafiosos James Beekman (Harry Guardino )  y su sicario Patrick Scarfe (Michael Cavanaugh) , viendo que hay un mercado sin desarrollar al oeste del país y con un luchador que jamás ha sido derrotado, Philo, ponen sus ojos sobre el luchador de California pues sería la mayor atracción en la historia del boxeo a puñetazos.

Patrick Scarfe el sicario de la mafia se desplaza a casa de los Orville a ofrecer la pelea entre Phylo y uno de sus hombres, en concreto, Jack Wilson (William Smith)  , el campeón de la costa este, al que patrocina la Mafia.

El ofrecimiento es rechazado abiertamente por Phylo y ante la insistencia del representante de la Mafia el luchador ordena a Clyde que desmonte su coche , algo que hace con suma facilidad y eficacia.

Tras eso sale a correr y durante se carrera Philo se encuentra con Wilson que también está haciendo ejercicio. Durante la carrera pasan por una cantera y Philo salva a Jack Wilson. Éste ahora le debe la vida y un favor a Philo. Esa noche quedan para ir a tomar algo al bar en el que canta Lynn.

En el bar Wilson le comenta y lo demuestra cuando una pelea tiene lugar  que pertenece a un nuevo tipo de luchadores de la costa este que combina las artes marciales con el boxeo . Es tan efectivo para acabar con sus oponentes que no pueden encontrar peleas para él.

Al salir del bar deja Philo a Lynn en la casa de acogida y tras eso tiene un nuevo encuentro con la tradicional banda de moteros conocidos como  Las Viudas Negras, que sigue guardando un rencor enorme contra Philo . Este vuelve a deshacerse de ellos con su astucia como antes lo había vuelto a hacer con un puñetazo de Clyde "a la derecha".

Tras el nuevo incidente esa noche Philo  decide ir a por Lynn a la residencia , la saca de allí , Clyde vuelve a hacer unas de sus "gracias" en el vehículo policial y pasan la noche juntos reanudando su relación.

Tras varios días disfrutando con Lynn  Halsey-Taylor,y con el convencimiento de que no va a luchar . la Mafia decide intervenir, pues no puede dejar esa oportunidad, y secuestra a su novia para obligarlo a participar en el combate cuando la pareja está alojada en un motel.

La intención de la mafia es obligar a Philo Beddoe  a aceptar la pelea. Wilson, sin embargo, es un hombre con la moral y tras enterarse de lo ocurrido decide ir en ayuda de Philo y Orville a rescatar a Lynn,

Philo y Wilson unen sus fuerzas para liberar a la chica aparentando seguir adelante en la pelea. Tras activarse las apuestas  y atraer a personas de todo el país al Oeste para presenciarlas, como ambos están convencidos de no pelearse para satisfacción de nadie pues  no necesitan pelear para ganarse su respeto mutuo lo simulan todo hasta liberar a la chica.

Una vez liberada , sin embargo, el orgullo personal de ambos luchadores les hace preguntarse quién habría ganado así que fuera de todo atención deciden enfrentarse en una pelea entre los dos personajes marcada por pausas y reflexiones personales sobre su admiración mutua.

A pesar de que la decepción es absoluta entre todos los que se habían desplazado y entre los muchos apostadores , la pelea tiene lugar en un granero de la localidad en la que estaba previsto enfrentarse. Durante la lucha sin cuartel que es descubierto por unos niños, pero también por la policía , y tras ellos por los camioneros, los mafiosos y los apostantes  Wilson rompe el brazo de Philo y le ofrece terminar la pelea, pero los dos hombres continúan luchando.

Mientras tanto, las Viudas Negras apuestan todo lo que tienen a Philo porque, a pesar de su rivalidad, saben que él es el mejor luchador. Cuando los mafiosos deciden matar a Philo una vez que toma  la delantera ya que ellos habían apostado por Wilson, las Viudas Negras protegen su inversión golpeando a los hombres de la Mafia.

Después de una larga pelea, Philo noquea a Wilson el tiempo suficiente para poner fin a la Gran pelea y con ella a la película en la que todos , salvo la mafia, salen ganando.

La secuela de "Every Which Way But Loose" (1978). Any Which Way You Can comenzó a filmarse en el verano de 1980.  La película se rodó  en las comunidades de California de Sun Valley , en San Fernando Valley,  en el interior del "Palomino Club" en Lankershim Blvd. en North Hollywood y en el Zoo de Bakersfield , también se rodó en  el interior de otro bar en este caso Million Dollar Cowboy Bar, 25 North Cache Drive, en Jackson Hole , Wyoming, donde toca Glen Campbell  y en un establo de esa localidad de Jackson Hole, para la lucha final. Aparece igualmente el Jackson Hole Airport, que aunque se usó para algunas tomas exteriores, la mayoría de las escenas del avión que sale del aeropuerto y las personas que salen del aeropuerto corriendo por el asfalto hacia la carretera fueron tomadas en California. El "jet" que se detuvo en el centro de Jackson fue simplemente una cubierta frontal con ruedas con personas que salían de los escalones del otro lado. n la película e incluida en la banda sonora,

Se rodó igualmente en las Carretera U.S. 101 & Interstate 405, en Los Angeles,  así como en New York City,

Como ya lo hemos citado Glen Campbell interpretó la canción principal de "Any Which Way You Can" en la escena final de la película, y la canción fue un éxito Top-10 en las listas de música country. Clint Eastwood canta un dúo con el legendario Ray Charles, titulado "Beers to You" y en la película además de las canciones interpretadas por Sondra Locke aparece una breve actuación de Fats Domino.

Según la autobiografía de Sondra Locke, Clint Eastwood tomó megadosis de vitaminas y comió papas hervidas como palomitas de maíz para aumentar su papel como boxeador callejero.

Al principio, la compañía de producción quería usar el auto de la Patrulla de Carreteras de Wyoming y sus uniformes para la escena de la película cuando la pandilla de motociclistas llega por primera vez a Wyoming, pero el Estado se negó. La oficina del alguacil del condado de Teton se apresuró a ofrecer felizmente su automóvil y sus uniformes a los actores para la toma.

Las escenas con el Departamento de Policía de Jackson en el granero también son del departamento. reales cedidos  en préstamo, así como los uniformes. Sin embargo, los policías son actores.

La escena final de la pelea alrededor de la plaza del pueblo en Jackson tomó dos días para filmar cerrando las calles durante la temporada turística de junio. Los comerciantes alrededor de la plaza no estaban contentos y muchos fueron compensados ​​principalmente por su señalización apareciendo en la película.En la escena de lucha se utilizaron hasta 300 extras locales a veces como fondo.

Tras la película el turismo a Jackson Hole aumentó un 30% después del lanzamiento de la película el siguiente verano.

La película fue la quinta película más taquillera de 1980 y uma de las películas más exitosas de Clint Eastwood en la taquilla alcanzando una taquilla $ 70.7 millones frente a los apenas 3 millones que consigue con Cazador Blanco, corazón negro. 

Hay críticas por parte de aquellos que vieron en ella una actuación cruel con los animales. Lo cierto es que ningún animal resultó herido en esta película. Por lo pronto, el Clyde original, que ya  había crecido demasiado en los dos años transcurridos desde la primera película fue sustitutido por otro. Según el libro "Clint Eastwood: Hollywood's Loner" (1992) de Michael Munn, Clint Eastwood dijo de su compañero  Clyde  "¡Clyde fue uno de los actores más naturales con los que trabajé! ¡Pero tenías que conseguirlo! en la primera toma porque su nivel de aburrimiento era muy limitado ".

En cuanto a la crítica profesional destaco la del crítico del Chicago Sun Times Roger Ebert que dij de la película "encontró difícil no sentir un afecto a regañadientes por ella".

En FilmAffinity se dice de ella que es  "Divertida en su conjunto, pero rodada con poca inteligencia."

Para Fernando Morales en El País se trata de una "  Inevitable secuela de "Duro de pelar", uno de los mayores y más incomprensibles éxitos comerciales de la carrera de Clint Eastwood. La cinta, que volvió a funcionar de cara al público, repite la mayoría de los elementos de la primera entrega, pero deja la mayoría de los momentos cómicos en manos de Clyde, el orangután que acompaña a Eastwood a todas partes. Memorable, en todo caso, la pelea a puñetazos final entre el protagonista y William Smith (el inolvidable Falconetti de "Hombre rico, hombre pobre")".

Alberto Abuín en Espinof, antes blog de cine, en un análisis de todas las obras de Clint Eastwood comentó que La Gran pelea "fue la respuesta de la Warner al fracaso de ‘Bronco Billy" y añade " Van Horn se limitó a realizar una secuela en toda regla, esto es, idéntico reparto" idéntica historia, idéntico humor, idénticas peleas, e idéntico orangután, aunque el simio encargado de dar vida a Clyde no era el mismo que en la anterior entrega, pues éste había engordado demasiado (sic). Una vez más, el peludo intérprete se convierte en lo mejor de una función aburrida y previsible."

A Abuín no le gusta al decir que se basa en un humor chusco y dice además "Las peleas son eso, peleas, en la mayor parte bien planificadas, pero quizá demasiado largas, y siguiendo la tónica general del film, repetitivas. "‘La gran pelea’ supuso el fin de la relación de Eastwood con Daley, quien además no estaba de acuerdo en cómo se llevaban las cosas en la Malpaso".

Yo recuerdo haber visto esta película en la primavera de 1992 y , como su antecesora Duro de pelar me sorprendió de una manera absoluta, aunque no hay duda que la primera es la más interesante. Se deja ver , y si no las has visto , te sorprenderá, aunque es chusquera y escatológica por momentos.

Por la travesía / traverse del Sena

Una película en base a tres secuencias y con transiciones obtenidas mediante el seguimiento de la cámara a una de las protagonistas. Y como hilo conductor una historia de amor transversal o diagonal como la productora. Una película actual hecha hace cuarenta años, para una vez sacada del baúl de los recuerdos, descubrir que está sin polvo, pues la historia podría ser actual. De ayer.

Son tres historias, tres. Las historias de dos amigas, la historia de amor no consumada de dos mujeres; la historia de un hombre y una mujer que se necesitan para hablar y descubrirse. En definitiva una bonita historia del año 1980 , sin etiquetas , con ambiente,  "avec ambiance".

Una gran historia casi sin historia,  pero con un hilo conductor, en la que la protagonista, que , parece todo, menos protagonista no lleva a una historia humana, y sin embargo, plena de humanidad.

Todo un descubrimiento esta Simone Barbès ou La Vertu de una desconocidísima directora Marie-Claude Treilhou, natural de Toulouse y que hoy cuenta con 70 años por los que ha pasado por todo: actriz, profesora, directora documentalista, guionista, ayudante de dirección, y eso una vez que se graduó en Filosofía e Historia del Arte, y colaboró ​​con las revistas Cinéma et Art Press desde 1974 hasta 1977.

Después de ser  asistente de dirección en 1978 con Paul Vecchiali en Corps à cœur , se embarcó en la producción, en 1979 , con su primer filme titulado Simone Barbès ou la virtue , una película que, sin ser biográfica, sí habla de ella, al menos, de sus experiencia como trabajadora   en diversas actividades (  vendedora, mensajera, investigadora, cajera, ...) para hacer una película que  se mueve entre la ficción y el documental.

La directora formaba parte de aquellos directores/as que al inicio de los ochenta no se vinculaban ni con la nouvelle vague ni con la rivière gauche. Habían bebido del cine francés de los años treinta y querían recuperar su estilo y la forma de narrar historias de escritores ignorados por la ola y la ribera que formaron parte del cuerpo cinemátográfico francés anterior a la invasión alemana a partir de 1940. Además, gran parte de este grupo alterativo y sin vínculos a corriente alguna tenían el común denominador de trabajar para una productora, Diagonal, realmente un laboratorio experimental que daba cobijo a los mismos, un grupo heterogéneo pero cercano al mundo de la intelectualidad y de la cultura homosexual.

Simone Barbès ou la vertu, de Marie-Claude Treilhou, se rodó a lo largo de 1979,y se estrenó al año siguiente, en 1980.

Partía de una historia escrita por Marie-Claude Treilhou y  Michel Delahaye y que contaba en el apartado técncio como director asistente con Gérard Frot-Coutaz en este trabajo para una productora alternativa  a todo el sistema de producción francés: Diagonale. Esta productora fue fundada por Paul Vecchiali en 1976, un hombre que en esta película participa como editor. En una entrevista con el periódico Libération en 2007, Serge Bozon cita a Diagonale como la "última gran escuela de cine francés después de la Nouvelle Vague".

En ella , además de Vecchiali, se integran otros directores como Jean-Claude Biette, Jean-Claude Guiguet, Noël Simsolo, que en la película de Treilhou, trabaja de actriz en un pequeño papel o Gérard Frot-Coutaz , y que desarrolló su actividad desde 1976 a 1994 con la película de Paul Vecchiali , Wonder Boy. En 1983 los integrantes del grupo publicaron una serie de cortos titulado "Archipel des amours" con cortos de Jean-Claude Biette, Cécile Clairval, Jacques Davila, Michel Delahaye, Jacques Frenais, Gérard Frot-Coutaz, Jean-Claude Guiguet, Marie-Claude Treilhou y Paul Vecchiali.

Marie-Claude Treilhou ganó el premio Jean-Vigo por su cortometraje Lourdes, l'hiver . Después del burro que bebió la luna , la adaptación de los cuentos del sur, atrae excepcionalmente a los actores profesionales con El Día de los Reyes , o al loco equipado con tres ancianas encarnadas por Danielle Darrieux , Paulette Dubost y Micheline Presle acompañadas por Robert. Lamoureux y Michel Galabru .

La cineasta hizo algunas apariciones en películas de amigos como las de Vecchiali y, a la inversa. Los héroes y heroínas de Marie-Claude Treilhou son a menudo personas simples atravesadas por los grandes trastornos de la historia llevados por una obra que los transforma y que ella quiere  comunicar entusiasmo, perfeccionismo y gracia.

Para la película que nos ha traído Simone Barbès, cuenta en la fotografía con  Jean-Yves Escoffier, como responsable de arte con Bénédicte Beaugé, siendo el sonido responsabilidad de Yves Zlotnicka y la edición al líder de diagonal: Paul Vecchiali, quedando como distribuidora la empresa MK2.

La música está interpretada por Matho que interpreta Ca tourne Saturnin , Oh papa, oh mama, Etrange amour , Serenita , J'entends , así como un fragmento de la ópera Night On Bald Mountain del músico ruso Modest Mussorgsky .

El reparto lo encabeza Ingrid Bourgoin como Simone Barbès,  Martine Simonet como su amiga y compañera de trabajo Martine, Raymond Lefebvre, Sonia Saviange, Michel Delahaye . Nöel Simsolo , Max Amyl , Pascal Bonitzer como una cliente de la discoteca lesbiana , Pierre Belot , Denise Farchy , Véronique Fremont , Paulette Bouvet , Nella Barbier, Hélène Banville , Alexandre Rignault y Elli Medeiros como cliente del club nocturno lésbico.

La película que se desarrolla en tres espacios y que está básicamente presentada en tres grandes secuencias intercalas por algunas transiciones que apenas se desplazan por la calle nos llevan al barrio de Montparnasse , cerca del Hotel Sheraton , en cuyas cercanías se encuentra un Cinevog que presenta películas pornográficas.

En la recepción del cine recordando las entradas compradas conocemos a una chica menuda  vestida de negro , Simone Barbès (Ingrid Bourgoin) , pero emponderada que maneja con soltura y seguridad a los clientes que entrar a ver las distintas películas del programa de este cine porno. Es una mujer abierta y valiente que espera la legada de su compañera Martine ( Martines Simonet) que, como otros días llega tarde. La excusa que presenta siempre es la misma, ha tenido un problema con su novio.

Simone le abronca en los primeros minutos por su falta de responsabilidad con el trabajo y su tardanza, pero casi al momento vemos que son buenas amigas, que se ríen , que comparte la cena, un bocadillo, y que saben quitarse a los pesados de turno que ven en  ellas a dos posibles objetos de deseo. Vemos como se quitan del medio a tres jóvenes, a hombres enchaquetados, trabajadores , mirones y toda esa fauna que, en los ochenta, acudía a estas proyecciones. Algunos se quejan de que en la película de la sale a la que asisten sea homosexual, otros de que ya la han visto, otros de cualquier cosa. Algunos de los clientes , son raros, otros son ya viejos conocidos del barrio como el marqués que recita poesías o un amigo mayor y desdentado que les hace un chiste de conejos  con contenido sexual, pero les ríen las gracias pues son de la familia.

Simone sale un  momento a un bar cercano y trae dos copas de vino. Describe una situación cómica que acaba de vivir en el bar con una chica que parecía estar loca que se había metido en el baño. Después dispensan algo de ambientador y al llegar a las doce Simone se despide amablemente de su amiga y sale a la calle para ir a un bar en las esquina.

El bar o la boîte es un local de ambiente. Está al final de una empinada escalera y tras entrar vemos que es un bar de ambiente femenino. En el mismo es bien recibida por el camarero que sirve y las chicas que atienden. Ella busca a su chica, una de las que atienden, con la que parece mantener una relación informal.

Vemos que allí las chicas se entretienen , en parte , bailando al son del grupo que interpreta canciones para amenizar la noche, en parte, con la fauna humana presente de diverso pelaje en la que unas van a mirar y otras a ser vistas , y algunas a disfrutar del champán , el whisky o el combate a través de un espectáculo.

En un momento dado el grupo informa que va a subir al escenario una rockera que cantará una canción para animar el cotarro. Mientras vemos que Simone no se siente del todo cómoda , primera por estar , cansada, segundo, porque su chica no le hace mucho caso.

Poco antes de marcharse se produce un incidente en la puerta en la que uno de los que la custodían, unos señores con extraño aspecto, similar al de otros del interior, recibe un ¿disparo?. No tengo claro que sea o no sea parte del espectáculo, lo cierto es que en ese momento Simone abandona cansada la sala y se desplaza hacia su casa.

Durante el desplazamiento por la solitario calle vemos que un coche se pone en paralelo y reclama su atención. El conductor que invita a subir a Simone le dice de ir a tomar una copa, algo que ella rechaza, pero poco después prosigue en su empeño.

Sin embargo, el conductor cambia de asiente y le dice que si no le importa que lo puede llevar , que estaría encantado de invitarle a una copa. Ella acepta, pero le dice que el sitio lo elige ella y que ella paga.

Descubrimos que el que la ha invitado a subir es un señor mayor con bigote. Parece que , únicamente, pide hablar con ella y ella , amablemente lo hace. A ella le llama su atención su bigote y bromea con él sobre su capacidad sexual.

Sin embargo, en un momento dado el hombre , solitario y desesperado, comenta que es suizo, que trabaja de croupier en la actualidad en Berna y descubrimos que su bigote es postizo. Tras eso lo vemos llorando conforme el coche avanza por la ciudad. Simone no encuentra local ninguno abierto y , cansada, lleva el coche hasta su casa. Le dice que no lo invitará a subir ya que se siente agotada. Tras esto se baja del vehículo y va a su casa.

Mientras vemos como las luces de la ciudad se apagan y con el albor del día la película va terminando presentando los títulos de crédito.

He leído que para descubrir a esta directora es mucho mejor ver "Le Jour Des Rois" (1990), una de las comedias francesas más ingeniosas de la década de los noventa, que lamentablemente no ha sido reconocida. Pero "Simone Barbès", es otra cosa. No digo que sea una gran película , pero sí que es una película como el tema que toca: diferente, alternativa.

Lo interesante es la distribución en tres secuencia, perfectamente delimitadas y desiguales. La valoración que podemos hacer de la misma es tan variable como las historias. Para mi la más emotiva es la tercera, en la que hay un ejercicio de contención precioso entre Simone y el señor; la primera es algo altamente una comedia con tintos de excelencia dada la "fauna" masculina que visita el local que es representada por "microrretratos" de los usuarios y la reacción positiva y valiente de las chicas  o los sonidos guturales , afirmaciones de placer y jadeos que salen de la sala cada vez que alguien abre la puerta que contrastan con las caras impasibles de las acomodadoras ; frente a la segunda, la más grotesca y la más cercana a lo Tinto Brass que he visto en muchos años, en la que percibe la tranquilidad de Simone frente a la inestabilidad del entorno , la atmósfera de la "boîte" lesbiana, que , por momentos, me ha recordado por la estética de la mascarada el Salon Kitty del director italiano.

Eso sí, frente al drama hay comedia , algo al parecer del gusto de  Treilhou, responsable de sus guiones, en ocasiones casi ridícula como vemos en la muerte del portero, la lucha entre las mujeres , la intervención de la borracha o ese monumento a lo bizarro que es la versión rockera de "Si je suis Une Nana, Mec" (Si soy una chica, chico).

Esta atmósfera de la segunda escena es valiente , eso sí, dado que nos encontramos en los primeros años ochenta , y rara vez este ambiente -digamos- transversal o tendente a una sonrisa vertical, para aquel entonces casi un tabú, apenas se había reflejado en el cine ,salvo por alguna valiente como la directora rompedora ¿y feminista? Jacqueline Audry, una directora que falleció en los años 70, en concreto en 1977, y que empezó como ayudante de directores como Jean Delannoy, G. W. Pabst y Max Ophüls  responsable de   su " Olivia" (1950) o de "La Garçonne" (1957), obras en las que no ocultaba el lesbianismo,  y en las que si bien se acercó a los postulados de los "nouvelle vague" lo hizo desde  una perspectiva o tamiz feminista desde una óptica transversal o diagonal.

La injusticia en el cine

Dice en su libro Guillermo Cabrera Infante en su Cine o Sardina que el género estadounidense por antonomasia, el western nació de la mano de Edwin S. Porter en su película El gran robo del tren cuando el protagonista con un Colt del calibre 45 dispara apunta al fotógrafo y dispara sobre el espectador seis balazos. Varias líneas después el escritor cubano señala que este género se mantiene hasta que otro director, Michel Cimino, decidió que los géneros se destruyen como una forma perecedera de la materia.  Y prosiguen diciendo que "Las puertas del cielo se abrieron a la destrución como si fueran las del infierno".

Esta afirmación que parece, en principio, muy concluyente y categórica, no sólo fue defendida por el que fuera Premio Cervantes de las Letras, sino que , durante muchísimos años, se ha considerado a este director y a esta película como las causantes de la destrucción de la segunda época de Hollywood. 

Lo cierto es que desde 1980  esta película fue colocada en el disparadero del final de lo que se llamó el "Nuevo Hollywood" Y aunque existen discrepancias entre los historiadores cinematográficos sobre dónde situar el arranque de la última edad de oro del cine estadounidense. Unos hablan de Bonnie & Clyde (Arthur Penn, 1967), mientras que otros hablan de Easy Rider (Dennis Hopper, 1969)casi todos culpan del fin de este momento álgido de Hollywood a la película del neoyorkino  Michael Cimino , responsable del entierro que provocó el fin del un momento en que  directores emergentes que apostaban por la combinación entre el arte, el espectáculo y el negocio - ¿por qué no?- habían puesto fin a la "dictadura" de los productores cinematográficos a finales de los años sesenta. 

Sin embargo el fracaso en pantalla de esta película de Cimino que hablaba de las luchas entre campesinos, colonos y terratenientes en el Wyoming de 1889,  decantó la lucha de poder entre directores y productores,  a favor de estos últimos y  que  desde entonces volvieron a hacerse dueños del cine, apostando por lo que algunos han llamado infantilización o cine  comercial de los ochenta, modelo aún en vigor.

Hasta el fiasco en las carteleras de Las puertas del cielo , los "enfants terribles" de la dirección habían conseguido montar macroproyectos de autor con presupuestos más que holgados para hacer sus películas. 

No hace mucho un escritor Peter Bisking, jefe de redacción de la revista Premiere y director de American Film,y redactor adjunto en Vanity Faircon múltiples artículos publicados en The New York Times, Los Angeles Times, The Washington Post y Rolling Stone, escribió para la editorial Anagrama un par de libros Sexo, mentiras y Hollywood y, el que aquí nos trae, Moteros tranquilos, toros salvajes en el que se dice que “Inflado por sus Oscar, tozudo y tan megalómano que a su lado Coppola parecía Mary Poppins, Cimino había ganado todas las refriegas previas al rodaje de La puerta del cielo, incluido un reparto en el que figuraban, en lugar de grandes estrellas, Kris Kristofferson, Isabelle Huppert, Christopher Walken y John Hurt, y, lo que es más importante, el derecho, establecido por contrato, a pasarse de presupuesto en caso necesario”, explica Biskind en el libro.

En el se hace mención lo imperdonable que es en Hollywood el fracaso comercial, el flop, o el fiasco. Desde entonces usando términos soviéticos ¡Todo el poder a las Productoras"

En julio de 2016 cuando falleció el director Michael Cimino, se recordaba una y otra vez como 'La puerta del cielo', ,uno de los mayores fracasos de Hollywood y que su flop supuso para su productora, United Artists, su fin. Es curioso pero en el mundo del cine hay caminos de ida y vuelta y lo que fue un fiasco absoluto, como el que comentaba en su artículo Cabrera Infante, hoy se ve como una auténtica obra maestra.

Lo cierto es que el rodaje del film dejó para la posteridad en mala posición el 'perfeccionismo' de los directores para ceñirse a lo que estaba programado. Y aunque es innegable que acabó con dos productoras, una la que asumió en nombre de Cimino el trabajo, la Partisans Productions, también lo hará con otra de las históricas empresas del cine , encargada en este caso de la distribución de la misma, la creada con esfuerzo el 17 de abril de 1919 por cuatro grandes de Hollywood por Charles Chaplin, Douglas Fairbanks, Mary Pickford y David Wark Griffith , con la intención de controlar sus propios intereses en lugar de depender de estudios comerciales, desaparerá tras una compleja venta engullida por una de la major.

Lo que sorprende es que a pesar de que la UA, como se le conocía integrada en la "A Transamerica Company" desde 1968 , tuvo su año más exitoso con cuatro éxitos en 1979 como Rocky II, Manhattan, Moonraker y El corcel negro, todas ellas realizadas   bajo la presidencia de Andy Albeck como presidente de la UA la decisión de dar vía libre a Cimino en Las Puertas del Cielo supondría no sólo la dimisión de Albeck sino su substitución por Norbert Auerbach, y lo que es peor, la destrucción de la reputación de UA con Transamerica. Auerbach aunque pudo salvar el nombre de United Artists,  antes de la venta, no impidió que la Transamerica decidiera abandonar el negocio de la producción de películas, y que United Artists fuese puesta a la venta, pasando inicialmente a Kirk Kerkorian de Tracinda Corp. que compró la compañía, pero como Tracinda también era propietaria de Metro-Goldwyn-Mayer, ésta finalmente la adquirió United Artists en 1981.

La puerta del cielo (Heaven's Gate)  efectivamente supuso graves perdidas para la United Artists debido a la diferencia entre los costos de producción y las ganancias en taquilla, pues de los 44 millones de dólares que costó, solo consiguió recaudar en taquilla en Estados Unidos 3 millones de dólares, llevando a la bancarrota a la productora. También significó un duro golpe para la carrera de Cimino, quien dos años antes había dirigido la muy premiada The Deer Hunter ( El cazador en España) y también hizo que la película apareciera con frecuencia en las listas de las peores películas de la historia- Algunos hablan de pérdidas que alcanzaban los 76,2 millones de euros. La taquilla desde su lanzamiento apaenas llegó a los 3,5 millones de dólares.

La película de Michael Cimino fue producido por Joann Carelli , productor con quien Cimino había realizado El cazador y que no lo abandonará más tarde estando presente igualmente en El Siciliano (1987).

La historia se fundamenta en un guión del mismo Michael Cimino siendo la música de David Mansfield , la fotografía de Vilmos Zsigmond y el montaje, hay que señalar que hubo varios, lo fue de Lisa Fruchtman , Gerald Greenberg , William Reynolds y Tom Rolf.

El reparto estuvo integrado por Kris Kristofferson como James Averill,  Christopher Walken como Nathan D. Champion, Isabelle Huppert como Elle Watson, John Hurt como William Billy C. Irvine,  Brad Dourif como  Mr. Eggleston, Joseph Cotten como el reverendo Gordon Sutton, Jeff Bridges: como John L. Bridges,  Sam Waterston como Frank Canton, Mickey Rourke como Nick Ray,  Willem Dafoe como un extra sin acreditar de nombre Willy,  Geoffrey Lewis como el trapero Fred , Paul Koslo como el alcalde Charlie Lezak , Richard Masur como Cully , Ronnie Hawkins como el Mayor Wolcott,  Terry O'Quinn como el capitán Minardi,  Tom Noonan como Jake , Roseanne Vela como una de las chicas y  Nicholas Woodeson como el hombre pequeño.

La película que empieza con unos tres minutos de la banda sonora de David Mansfield, músico acompañante de Bob Dylan en algunas de sus giras y compositor estadounidense que aparece en varias ocasiones en la película tocando el violín y en una ocasión montado sobre patines, en una obertura que contiene toda las cortes que irán apareciendo a lo largo de la película sobre un fondo negro del que finalmente aparece un rectángulo en blanco que cuando se acerca descubrimos que es el anagrama de UA qu va gurando hasta mostrase completamente. Parece desde luego un canto del cisne para la compañía.

Después la película se traslada a Harvard al año 1870. Descubrimos como dos amigos, James Averill (Kris Kristofferson) y William Billy C. Irvine (John Hurt),  hijos de la élite gobernante, concluyen sus estudios universitarios y se preparan para la vida adulta no sin antes cumplir con viejas tradiciones universitarias como una parada musical  por el recinto universitario que culmina en el recinto religioso de la misma en la que es recibido por el reverendo Gordon Sutton (Joseph Cotten) y en el que es invitado a hablar como portavoz de los estudiantes el joven Irvine. El reverendo habla a los graduados sobre "la importancia de la mente cultivada" y el valor de la educación. Irvine, brillante pero obviamente intoxicado, lo sigue con   puntos de vista opuestos e irreverentes.

Tras el insonoro discurso comienza el baile final de los estudios en la Universidad de Harvard, el Danubio Azul de Strauss en el que bailan chicos y chicas que han participado y visto la graduación respectivamente en los jardines del recinto universitario así como la ceremonia y lucha para conseguir un ramo de flores. Averill que lo consigue, no sin esfuerzo, se lo entrega a una chica.

Tras esto descubrimos a Averill montado en un tren. Han pasado veinte años de aquella ceremonia y  viven en circunstancias muy distintas. Ambos se han desplazado al oeste, en concreto a Wyoming. Ahora Averill, más serio y visiblemente más viejo, se ha convertido en un "marshall" federal. Por su parte, Irvine, destruido y arruinado por la bebida, pero todavía en su sano juicio, es miembro de la Asociación de Agricultores y Ganaderos, que está involucrada en un conflicto.

Descubrimos igualmente que en el condado de Johnson ( Wyoming), 1890 hay un enfrentamiento abierto en los miembros de esta asociación y los colonos que en su mayoría son inmigrantes de Europa del Este (Rusia, Serbia, Polonia o Alemania) que han llegado al este estado con la esperanza de un reparto equitativo de tierras que no se produce y que condena a  muchos de  estos inmigrantes a la pobraz más absoluta y a plantear como solución ante la hambruna el robo  de ganado.

Ante esto los miembros de la Asociación han apostado por contratar a mercenarios que disparan sin piedad sobre los ladrones siguiendo las directrices de los terratenientes.

Cuando llega Averill a una ciudad en auge Casper (Wyoming) se entera por un amigo ferroviario que hay una reunión de los miembro de la asociación de los terratenientes, la Wyoming Stock Growers Association ,  en su club social. Entre los integrantes está Billy Irvine, ahora muy degradado que le da información y un listado con la propuesta para asesinar a 200 hombres y mujeres de Sweetwater y del condado de Johnson vinculados de una u otra manera en los robos de ganado.

Nos enteramos que el sheriff Jim Averill,  desde hace un tiempo y por principios lo que pretende es que impere la ley en el condado , por lo que ha sido colocado en el centro de las críticas de la Asociación que le acusa de defender a  los inmigrantes  que son acusados de robo y amenazados por mercenarios contratados por terratenientes.

En una reunión formal del consejo, el jefe de la Asociación, Frank Canton (Sam Waterston ) le dice a los otros miembros, incluyendo a un borracho Irvine, su plan para matar a 125 colonos, alegando que son ladrones y anarquistas.

Irvine sale de la reunión, se encuentra con Averill, y le habla de los planes de la Asociación. Cuando Averill se  dispone a marchar intercambia duras palabras con Canton. Canton intenta golpear a  Averill pero es él, Canton, el que acaba golpeado en el suelo. Esa noche, Canton recluta hombres para matar a los colonos apuntado en esa infame lista.

Entre los que han sido contratados por la Asociación se encuentra Nate Champion (Christopher Walken) , un antiguo colono al que le duele lo que está pasando, pero que cumple sin miramientos su cometido, como ocurre con Kovacs , un inmigrante que ha robado un ternero, aunque persuade a otro del robo cuando está a punto de sacrificar al animal, pues se sabe que es - y ha sido- uno de ellos.

La intención de Nate es la de casarse con una prostituta inmigrante de origen francés o quebecois, pero de la que también Averill está enamorado.

De hecho descubrimos que viene de comprarle una carreta de paseo para celebrar su cumpleaños que ha sido embarcada en el tren y con la que pasean públicamente una vez que se ha llegado a verla, han hecho el amor , exhibiéndose por el pueblo.

El problema para Averill es saber que en la lista está Elle Watson por aceptar ganado robado como pago por el uso de sus prostitutas.

A pesar de todo, Averill y Watson patinan en una multitud, y luego bailan solos, en una enorme pista de patinaje denominada "Heaven's Gate", una enorme carpa, que ha sido construida por el empresario local John L. Bridges (Jeff Bridges) , dueño de un bar y de un espacio de juegos.

Averill obtiene una copia de la lista de posibles víctimas de la Asociación gracias a  un capitán del Ejército de EE. UU. con el que juega en el béisbol y más tarde lee los nombres en voz alta a los colonos, quienes se quedan aterrorizados.

Cully, el trabajador de la estación y amigo de Averill, ve como en el tren se han montado los pistoleros contratados por Canton  y decide salir hacia el norte con el fin de avisar a los colonos, pero es asesinado en el camino .

Más tarde, un grupo de hombres llega al burdel de Watson y la viola. Todos menos uno son asesinados por Averill. Averill con horror descubre que antes el grupo ha matado a todas las chicas y al chico que se hacía cargo del burdel.

Champion, al darse cuenta de que sus patrones  trata de eliminar a Elle Watson, va al campamento de Canton y dispara al violador que queda, luego se niega a participar en la masacre.

Canton y sus hombres encuentran a uno de los amigos de Champion, un trapero de nombre (Fred  Geoffrey Lewis) saliendo de la cabaña de Champion , en la que vive unos días junto a Nate y su amigo Nick(Mickey Rourke) asesinándolo a su salida e iniciando un tiroteo que acaba con las vidas de los otros dos tras forzar la salida de Nick y Nate por medio de un carro envuelto en llamas quemando la cabaña..

Por su parte Elle, intentando salvar a Champion,  llega en su carro y recibe un disparo con uno de los cañones contratados antes de escapar a caballo.

Watson visto lo visto va a la carpa y advierte a los colonos, que están en una asamblea discutiendo qué es lo que han de hacer, sobre las intensiones de exterminarlos a todos por parte de Canton. La reunión ahora resulta enorme y caótica "Heaven's Gate". Pero los colonos agitados deciden luchar;.

Bridges lidera el ataque contra la gente  de Canton. Con los sicarios contratados ahora rodeados, ambos lados sufren víctimas (incluyendo a un Irvine borracho, poético) mientras que Canton rscapa para pedir  ayuda al ejército.

Watson y Averill vuelven a la cabaña carbonizada y humeante de Champion y descubren su cuerpo junto con una carta escrita a mano que documenta sus últimos minutos vivos.

Al día siguiente, Averill se une a regañadientes a los colonos y con su conocimiento de la historia decide usar una técnica de ataque de época romana. Con sus máquinas de aserrar  y cargas explosivas, inicia un ataque contra los hombres de Canton y sus fortificaciones improvisadas.

Nuevamente hay fuertes bajas en ambos bandos, antes de que llegue el Ejército de Estados Unidos, con Canton en cabeza, para detener la lucha y salvar a los mercenarios restantes sitiados.

Más tarde, Watson y Bridges, son informados de que han de marcharse por Averill. Ambos se preparan para irse para siempre. Pero son emboscados por Canton y otros dos que disparan y matan Bridges y Watson.

Después de matar a Canton y a sus hombres, Averill afligido sostiene el cuerpo de Watson en sus brazos.

Tras esto el tiempo pasa. Y , una década después, en el año 1903, descubrimos a un Averill bien vestido, sin barba, pero de aspecto envejecido, que recorre la cubierta de su yate en  Newport, Rhode Island .

Tras estar en cubierta va abajo, donde es recibido por una atractiva mujer de mediana edad que está durmiendo en una lujosa cama. La mujer, la antigua novia de Averill, en Harvard (tal vez ahora su esposa), se despierta y le pide un cigarrillo. En silencio, él  cumple la petición, lo enciende y regresa a la cubierta, acabando así la película.

La película se rodó en Wallace, Idaho como Casper , y su calle principal, Kalispell,Deer Lodge, Blackfeet Indian Reservation, Painted Teepee Peak y Two Medecine Lake en el Parque Nacional Glacier, donde se recreó Sweetwater, en Montana, Estados Unidos Se rodó igualmente en Gran Bretaña, en concreto en Hertford Bridge, en el Mansfield College, Tom Tower, Cuadrilátero de Tom Quad, , Teatro Sheldonian, en el New College Lane de la Universidad de Oxford, al igual que en una de sus calles, la de Broad Street, También se rodó en Newport, en Rhode Island, en su Rosecliff Mansion en el 548 Bellevue Avenue, y en Cambridge, Massachusetts.

Algo algo real en lo que cuenta la película.  Los elementos básicos de la trama de la película fueron inspirados por la Guerra del Condado de Johnson de Wyoming en 1892, el conflicto entre ganaderos-colonos que también sirvió como referencia a Raices Profundas o  Shane y El Virginiano o The Virginian .

La mayor parte de los personajes principales de la película llevan los nombres de figuras claves reales en la guerra, pero los acontecimientos retratados en la Puerta del Cielo tienen poca semejanza con los acontecimientos históricos reales.  Mientras que los "homesteaders" comenzaron a instalarse en el norte de Wyoming en la década de 1890, reclamando tierras bajo los recientemente promulgados Homestead Acts , no había  hubo inmigrantes europeos hambrientos de tierras que acabaran matando el ganado de los hombres ricos para alimentar a sus familias, como  muestra  la película.

Nate Champion , que es retratado como un asesino y "ejecutor"  era en realidad un pequeño ranchero del condado de Johnson , apodado "rey de los rustlers" por los stockmen porque él resistió su táctica de reclamar todo el ganado joven sin marca como su propio.

Jim Averell era otro homesteader que vivió cerca de 100 millas (160 kilómetros) al sudoeste del condado de Johnson.

Dos años antes de que comenzara la Guerra del Condado de Johnson, él y su esposa, Elle Watson, fueron asesinados por sicarios pagados que  falsamente acusaron a Watson de intercambiar favores sexuales por ganado robado. Nunca hubo pruebas de que Watson fuera una señora del burdel, como se retrata en la película, ni que Watson o Averell conocieran a Nate Champion.

En 1971, el director cinematográfico de Hollywood, Michael Cimino, presentó un guión original para Heaven's Gate (entonces llamado The Johnson County War ), pero el proyecto fue archivado cuando no consiguió atraer a grandes nombres.

En 1979, después de dos películas   seguidas de cierto éxito como  Thunderbolt y Lightfoot de 1974 (rodadas en Montana), y en vísperas de ganar dos premios de la Academia (el mejor director y el mejor cuadro ) para 1978 el Cazador , Cimino era , en esos momentos, uno de los grandes directores de Hollywood, utilizó su "poder  " para convencer a United Artists de resucitar el proyecto con Kris Kristofferson , Isabelle Huppert y Christopher Walken como los tres personajes principales.

Al principio se le asignó un presupuesto inicial de 11,6 millones de dólares,  pero también se le dióo carta blanca  y una fecha de estreno, el 14 de diciembre .

El rodaje comenzó el 16 de abril de 1979, en el Parque Nacional Glacier , al este de Kalispell, en Montana , con una gran mayoría de  escenas de la ciudad filmadas en el área de Two  Medicine , al norte del pueblo de East Glacier Park. El rodaje también incluyó la ciudad de Wallace, Idaho .

La película sufrió desde el principio incontables y contables contratiempos en la producción que , casi siempre supusieron un aumento en el coste y en el tiempo de rodaje. A ello se sumo además un servicio de prensa mal gestionado y  acusaciones de abuso de animales en el set, así como rumores sobre el supuestamente autoritario carácter y estilo del director neoyorkino.

Lo extraño es que cuando asumió el proyecto la reputación de su director, Cimino, estaba en todo lo alto una vez que dos años antes, en 1978,  había impactado y mucho su película The Deer Hunter o El cazador, ganadora de cinco  premios de la Academia entre ellos el de mejor película y al mejor director en 1979.

Desde el primer momento la producción se complicó. Antes de que se rodase un solo plano de la película, Kris Kristofferson, Jeff Bridges, Christopher Walken y Isabelle Huppert tuvieron que estar varias semanas aprendiendo diferentes aspectos  imprescindibles para sus papeles tales como  montar a caballo, luchar, aprender un dialecto yugoslavo y, como vemos en una de las primeras escenas del film, bailar sobre patines.

El actor Jeff Bridges bautizó a este periodo de entrenamiento exhaustivo "Campo Cimino o Camp Cimino".

Cimino invirtió muchísimo tiempo en seleccionar a los extras en las escenas de baile, al igual que lo hacía con cada uno de los planos y localizaciones.

El proceso que seguía consistía en ponerlos en filas de doce y clasificarlos según su aspecto y altura. "Quería encargarse de la selección de los extras y ponerlos en su lugar correcto", aseguró su director de fotografía, Vilmos Zsigmond. "Igual se pasaba dos horas para seleccionar y colocar a 50 personas".

Al sexto día de rodaje ya llevaban cinco días de retraso. Uno de los motivos que retrasaba de tal manera todo el plan de producción era la necesidad del director de hacer decenas de tomas de un mismo momento. De escenas como la de Kris Kristofferson borracho, que apenas dura unos segundos en la película, se rodaron 50 tomas, todo un día de grabación sólo para ese momento. "No estoy acostumbrado a hacer un mínimo de 32 tomas: hacíamos la versión contento, la versión enfadado, la versión triste...", recuerda uno de los miembros del equipo, Brad Dourif.

La batalla entre los colonos y los mercenarios requería docenas de caballos, extras, vagones de madera y explosiones. Coordinar todos esos elementos llevó semanas de planificación y hasta un mes entero de rodaje.

El equipo y los actores se levantaban cada mañana a las 3.30h para llegar al punto de rodaje, donde les esperaba una jornada agotadora. Además de la dureza de la situación, el peligro de la escena era más que evidente para los miembros del equipo. "No sé cuánto tiempo duraban esas escenas, pero era aterrador", recordaba uno de ellos. "A cada toma le pedía a Dios que ninguno saliéramos lesionados".

Cuando los productores de la película visitaron por primera vez el set de rodaje, las primeras alarmas comenzaron a sonar. Era evidente la obsesión de Cimino por ver cumplidos todos y cada uno de sus deseos, hasta el punto de protagonizar anécdotas como la siguiente. Contratar el campo donde tenía lugar una de las batallas de la película no sólo costó una fortuna, sino que además el director quería que tuviera un aspecto exuberante, con hierba verde y salvaje. Para ello, mandó instalar en todo el lugar un sistema de riego y retirar todas las piedras que pudieran impedir el crecimiento de la naturaleza. "Por aquí pasarán cientos de personas y caballos y carros y explosivos... ¿Quién se va a parar a mirar la hierba?", comentó uno de los productores, Steven Bach.

Algunas de las anécdotas del rodaje del film hablan de caprichos de Cimino que se materializaban en acciones millonarias. Es el caso del tren que aparece en la película tan sólo unos minutos, y que el director hizo trasladar desde un museo en Colorado hasta el lugar de rodaje en Montana. Pero claro, la locomotora era demasiado antigua como para circular por las modernas vías del tren, así que tuvo que ser remolcada por otro vehículo para poder llegar al lugar de destino.

Cimino obligó también a la destrucción de un decorado, una calle entera que ya estaba preparada para el rodaje, porque la distancia entre los edificios no era de su agrado. Toda la calle tuvo que ser reconstruida de nuevo porque supuestamente "no se veía bien". La calle en cuestión tenía que ser seis pies más ancha. El jefe de la construcción del set dijo que sería más barato derribar un lado y moverlo de nuevo seis pies, pero Cimino insistió en que ambos lados se desmantelaran y retrocedieran tres pies y luego se volvieron a montar.

A  Cimino le preocupaban hasta las nubes. Cuando el director no estaba contento con la luz o la posición de los elementos en el cielo, todo el rodaje se detenía para esperar. Cuentan que uno de los trabajadores fue a preguntarle al director cuándo podrían comer. Él contestó una ya frase célebre: "¿Comer? ¡Esto es más importante que la comida!".

Un árbol entero fue cortado, movido en pedazos, y trasladado al patio para rodar la escena de la graduación de Harvard.

Parte del equipo , como los músicos que tenía que trabajar en Montana para trabajar en la película  por un periodo de sólo tres semanas terminaron pasando seis meses. La experiencia, como declaró alguno a la Associated Press , "fue increíblemente aburrida" y para paliarlo hubo " jam sessions" , que sirvieron para el inicio de numerosas colaboraciones musicales entre Bridges y Kristofferson.

El actor John Hurt pasó tanto tiempo esperando en la producción para algo que hacer, se fue y hizo The Elephant Man (1980) para David Lynch en el ínterin, y luego volvió a rodar más escenas en Heaven's Gate .

Del rodaje se tiene mucha información, en parte, por la participación como extra de un periodista,  Les Gaspay. Al haberle sido denegada la visita oficial al set, Gaspay entró como extra para ver cuáles eran los motivos de los retrasos de la producción y el aumento descomunal de su presupuesto. El periodista salió horrorizado después de vivir la escena de la batalla. "Hay extras haciendo un trabajo que deberían hacer especialistas", aseguró. "Debido a la loca carrera con caballos, muchas personas resultaron heridas mientras se repetía una y otra vez durante varios días. Algunos de los inmigrantes, en su mayoría extras, son arrojados al barro por sus caballos. Hasta un niño menor de edad fue atropellado por los caballos", contó el periodista.

A medida que avanzaba la producción, United Artists consideró seriamente despedir a Cimino y reemplazarlo con otro director.

Heaven's Gate terminó de rodarse en marzo de 1980, habiendo costado casi 30 millones de dólares. Al final del rodaje se emplearon 165 días , más de 200 horas de metraje en 70 mm y alguna que otra amenaza de muerte por parte de sus productores tras dilapidar 44 millones de dólares (cuatro veces más de lo previsto).

Una vez acabado el rodaje en 1979, la gran odisea era el proceso de montaje. Y es que fueron un total de 220 horas de material las que se acumularon tras haber roto completamente los planes de rodaje superando al rodaje de 'Apocalypse Now'.

Una vez iniciado el proceso de montaje, y viendo que el material existente era inabarcable, los productores del film pusieron dos condiciones inapelables a Cimino: que la película tenía que tener una duración viable para su comercialización y que debía estar terminada para la Navidad de 1980.

Según se informa, durante la postproducción Cimino cambió la cerradura a la sala de edición del estudio, prohibiendo a los ejecutivos ver la película hasta que completara su corte,

Cimino trabajó con el editor ganador del Oscar William H. Reynolds ,y éste acabó diciendo que "Michael no quería respeto, quería temor, la idea era que el hombre mágico estaba en su taller haciendo su magia, y todos debíamos dejarlo solo y dejarlo terminar."

El 26 de junio de 1980, pese a que la productora del film le pidió un montaje de tres horas, o preferiblemente menos, Cimino presentó la primera versión de 'La puerta del cielo'. Duraba sobre 5 horas y 25 minutos. "Como mucho podría recortarle 15 minutos", les dijo un agotado Cimino.

Empezó entonces una nueva obsesión para Cimino: que nadie viese, modificase o influyese en su montaje. "Fue bastante divertido en realidad", recordaba la asistente el editor, Penélope Shaw. "Tenía barras puestas en las ventanas de la sala de montaje y había cambiado todas las cerraduras para que nadie pudiese entrar". Incluso se dice que contrató a un hombre de seguridad armado para que custodiase el material.  Cimino se pasaba 18 horas al día en aquella pequeña sala.

Los ejecutivos se negaron rotundamente a lanzar la película en esa duración. Sin embargo, Cimino les prometió que podría volver a editar la película y pasó todo el verano y el otoño de 1980 haciéndolo, finalmente se extendería en su duración original de estreno a 3 horas y 39 minutos (219 minutos).

Existen diferentes versiones en cuanto a duración de la película: el 26 de junio de 1980, Cimino enseñó un montaje a los ejecutivos de United Artists cuya duración era de 325 minutos. Los directivos de United Artists la redujeron hasta dejarla en 149 minutos. La edición más larga estrenada fue de 219 minutos. El corte final finalmente se estrenó en el cine en Nueva York  el 19 de noviembre de 1980. Durante el intermedio en día del estreno  parece ser que Cimino fue preguntado por su publicista "¿Porque odian la película, Michael?".

Al ser presentada a la prensa, el 18 de noviembre de 1979, cuando la cinta duraba tres horas y treinta y cuatro minutos, el crítico de The New York Times  , Vincent Canby, dijo esto al día siguiente: “La puerta del cielo es un desastre tan absoluto que podríamos sospechar que el señor Cimino vendió su alma al diablo para obtener el éxito que obtuvo con El cazador y que ahora el diablo ha vuelto para cobrar”.

Tras esa crítica   Cimino y United Artists sacaron la película del circuito de cualquier lanzamiento más, posponiendo completamente un lanzamiento mundial .

En abril de 1981 en Los Ángeles , la película resurgió en una versión de "director's cut" de dos horas y veintinueve minutos (149 minutos) que Cimino había montado por tercera vez.

La siguiente visualización de la cinta estaba ya mutilada hasta quedarse en dos horas y media.  El público dio la espalda a un trabajo que costó 44 millones de dólares (presupuesto, copias y publicidad) y recaudó 1,3 millones.

A partir de este corte, el crítico del Chicago Sun-Times , Roger Ebert, criticó las opciones formales de la película y sus inconsistencias narrativas e incredulidades, concluyendo que la película era "el más escandaloso desperdicio cinematográfico que he visto y recuerde.

Kevin Thomas, del Los Angeles Times, emitió una opinión disidente al revisar la película acortada, convirtiéndose en uno de sus pocos críticos norteamericanos que la valoraron positivamente y calificándola de "una verdadera epopeya de la pantalla".

El coro de indignación no tardó en transformarse en un ataque al estudio que hizo la película y luego al sistema que lo había permitido.

En lo tocante a la ambición y el presupuesto, Cimino no había hecho nada que hubieran hecho antes Friedkin, Coppola, Spielberg y Beatty. La puerta del cielo era un producto de los setenta, igual que Toro salvaje. El resultado, por un lado, del poder otorgado a los directores –mejor dicho, del endiosamiento de los directores– y, por otro, de la consiguiente y congruente demonización del productor”, resume Biskind.

Tras los excesos del gasto y el notorio fracaso de la película , los ejecutivos de Hollywood procedieron a celebrar su vuelta al poder gastándose millonadas absurdas en blockbusters ochenteros de dudoso gusto. “Fue el título que concentró toda la inquina contra el poder y la soberbia de los directores. La puerta del cielo, de Michael Cimino, sirvió para que los estudios cerraran la suya a sus colegas más ambiciosos. Triste ironía, si Hollywood había cambiado debido a los excesos cometidos por los estudios a finales de los sesenta, una década después volvía a hacerlo por culpa de los excesos de los cineastas”, explica Antonio Weinrichter en el ensayo Dentro y fuera de Hollywood.

Biskind, para quien Coppola y Scorsese fueron, quizás,  los dos directores más perjudicados con el retorno de los productores en los ochenta llegó a la siguiente conclusión:  “La sensación predominante era que un director enloquecido había acabado con un estudio y transformado el clima en que hasta entonces se hacía cine”

El mismo Scorsese declaró que : “La puerta del cielo nos debilitó a todos. Yo supe entonces que esa película señalaba el final de algo, que algo había muerto”. Para Coppola, por su parte, “Lo que tuvo lugar después de La puerta del cielo fue como un golpe de Estado. Fue una época en que los estudios se indignaron porque los costes de las películas subían a una velocidad de vértigo y porque los directores ganaban unas sumas increíbles y tenían todo el control. Por eso, los estudios decidieron recuperar el control”. Biskind concluye: “Scorsese y Coppola no se equivocaban. A principios de los años ochenta tuvo lugar una contrarrevolución, pero La puerta del cielo fue una mera excusa, una manera práctica para designar los cambios”.

Con todo hay quien piensa que la película de Cimino también fue víctima del cambio de ciclo político en EEUU. Los tiempos estaban cambiando definitivamente. “La puerta del cielo llegó a las salas dos semanas después de la elección de Ronald Reagan, cuya promesa de un ‘nuevo amanecer en América’ contrastaba profundamente con la visión del filme de Cimino sobre el 99% siendo aplastado sin piedad por el 1%”, explica el periodista Scott Foundas en una  entrevista a Cimino publicada en The Village Voice durante el Festival de Cine de Roma de 2008.

Y es que tres décadas después de que este western con lucha de clases al fondo le convirtiera en un apestado en Hollywood, la crítica alaba ahora la misma película que hizo papilla en 1980.

Cimino declaraba en aquella entrevista que “Todos estos años me he sentido como si La puerta del cielo fuera un precioso globo de colores atado tan fuerte a mi muñeca que no podía volar. Ahora, por fin, la película se ha liberado y vuela libremente camino de las nubes”.

La película estuvo nominada a la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1981,o nominada al Oscar en la mejor dirección artística  pero también  el premio del peor director en la ceremonia de los Premios Razzie de 1981

Sin embargo, en las décadas transcurridas desde el lanzamiento, la evaluación general sobre Heaven's Gate se ha vuelto más positiva, con algunos críticos describiendo ahora Heaven's Gate como una "obra maestra moderna". La recepción de la reedición de 1980 después de durísimas críticas posteriormente ha variado y hoy se considera que es "una de las mayores injusticias de la historia cinematográfica". Aunque algunas de esas críticas se mantienen como la que aparecía en The Guardian en 2008, cuando Joe Queenan declaró que Heaven's Gate la peor película hecha hasta ese momento. "Esta es una película que destruyó la carrera del director", escribió. "Esta es una película que perdió tanto dinero que, literalmente, llevó a un gran estudio estadounidense fuera del negocio. Esta es una película sobre pistoleros educados en Harvard que se enfrentan a los sodbusters de Europa del Este en una lucha épica por el alma de América. Esta es una película que protagoniza a Isabelle Huppert como una vaquera. Esta es una película en la que Jeff Bridges vomita mientras está montado en patines. Esta es una película que tiene cinco minutos de tocar violín ininterrumpido por un violinista que también está montado en patines. Esta es una película que desafía la creencia. "

La BBC clasificó Heaven's Gate 98º en sus 100 películas estadounidenses más grandes de la lista de todos los tiempos.

Los primeros en rehabilitar la película fueron los críticos europeos que la elogiaron después demostrase en el Festival de Cine de Cannes . Robin Wood dijo de ella que era "una de las pocas películas auténticamente innovadoras de Hollywood ... Me parece, en su versión original, entre los logros supremos del cine de Hollywood." Robin Wood señaló, en su revisión inicial de la película, que los críticos iniciales  tendieron a amontonarse en la película, tratando de "superar [uno a] otro con sarcasmo y desprecio".

David Thomson llama a la película "un monstruo herido" y argumenta que participa en "una rica tradición americana ( Melville , James , Ives , Pollock , Parker ) que busca una poderosa dispersión de lo que ha pasado antes. En América, hay grandes innovaciones en el arte que de repente crean campos de aparente vacío, que pueden parecer como omisiones o errores al principio, pero con el tiempo los vemos como destinados a nuestra exploración ".

Martin Scorsese dijo que la película tiene muchas virtudes pasadas por alto. En abril de 2011,  en la Time Out London incluyó a  Heaven's Gate como el décimo segundo mejor Western. En paralelo se convirtió en objeto de estudio para el libro citado de Peter Biskind  "Easy Riders, Raging Bulls" , llegando a la conclusión de  que Heaven's Gate no era diferente a otros proyectos con grandes presupuestos y problemas de fines de los años setenta y principios de los ochenta como 1941 de Steven Spielberg o Reds de Warren Beatty  , y que la reacción contra Heaven's Gate podría haber sido fácilmente dirigida a otros lugares.

Biskind especuló que la impopularidad personal de Michael Cimino fue la razón principal por la que esta película fue tan ampliamente maltratada.

En España Carlos Boyero en el diario El Mundo dijo de ella que  "Creo que es una película dispersa y mutilada. Y se nota para mal. A mi me fascina el comienzo. Tiene cosas muy bonitas pero no es de mis películas favoritas."

Augusto M. Torres en el diccionario Espasa afirma que es un "Gran western, escrito y dirigido con sabiduría, masacrado por la productora desde su estreno. Su fracaso comercial acabó con la UA y con el propio Cimino"

Para Alberto Abuín en blog de cine tras seleccionar una cita de la película -  "Si los ricos pudiesen pagar a otros para morir por ellos, los pobres se ganarían decentemente la vida." - que con ella Cimino sufrió una de las máximas de Hollywood: vales lo que tu última película.

Tras el descalabro, Cimino estuvo cinco años sin poder dirigir, hasta que de nuevo vio la luz con su inmensa ‘Manhattan Sur’ (‘Year of the Dragon’). El fracaso de esta atemporal y magna obra probablemente se debe al excesivo corte de escenas que le obligaron a hacer al director. 219 minutos rebajados a 148.

Y prosigue Abuín- del que reproduzco casi literalmente su texto escrito en blog de cine-  diciendo que  ‘La puerta del cielo’ navega continuamente sobre la eterna diferencia de clases, sobre la ley del más fuerte, aplastando al más pobre.

Para el crítico "Cimino utiliza a tres personajes centrales —en las voces y cuerpos de Kris Kristofferson, Isabelle Huppert y Christopher Walken— como ejes de un baile que dura más de 40 años.

‘La puerta del cielo’ se divide en tres partes bien diferenciadas, teniendo como protagonista central a James Averill —un Kris Kristofferson totalmente entregado, en una de las mejores composiciones de su carrera, probablemente la más sentida y llena de fuerza—, en tres momentos de su larga vida, separados por tres poderosas y sugerentes elipsis que invitan al espectador a tomar partido, a hacer ese ejercicio cada vez más denostado: pensar.

La puerta del cielo es una película que demuestra lo cíclica que es la vida, una vida nada fácil y con poco instantes para ser feliz.

La primera media hora supone una graduación, la de Averill en Harvard, en 1870. Allí, entre grandes palabras —los diferentes discursos de Joseph Cotten y John Hurt— se festeja en un gran baile alrededor de un árbol, la alegría del futuro próspero, que está por comenzar. Jóvenes, sin saber lo que ese futuro les deparará bailan sin otra preocupación. Averill se atreve a sacar a una mujer que le ha llamado la atención. El citado baile circular será reproducido más tarde en dos situaciones bien diferentes.

Una elipsis de nada menos que veinte años nos descubre a Averill en un tren, el paso del tiempo se ve esculpido en su cansado rostro. Ahora es un sheriff que defenderá a los granjeros inmigrantes de la Asociación de ganaderos, que para nada los quieren por sus tierras. La fotografía de Vilmos Zsigmond empieza a marcar esa melancolía que cubrirá el relato sobre todo en su tramo final.

Los años que han transcurrido en medio son sugeridos, la alegría del inicio se ha convertido en lucha encarnizada por los derechos de todo ser humano.  Desde ese momento, la violencia marca este tramo, el más largo del film, y la mezcla con el romanticismo de varios instantes.

También se propone un triángulo amoroso que enlaza a tres personajes fascinantes. Averill ya estaba presente en el relato. Entran en el mismo Elle (Isabelle Huppert) y Champion —Christopher Walken repitiendo con Cimino—.  Se producen también dos bailes circulares de muy diferente índole, que se hermana con las ausencias del relato, un canto a la memoria, de ahí que el film haga partícipe al espectador. El primero es el famoso baile en la carpa que da título al film.

En ella, además de ver al mismo compositor de la banda sonora, David Mansfield, sobre patines tocando el violín, vemos a los personajes de Jeff Bridges y Brad Dourif, como parte importante de la comunidad en una velada de disfrute que casi puede considerarse el único momento de verdadera fecilidad.

Cimino se vuelve un virtuoso con la cámara en esa secuencia. Siguiendo a todos bailando, no deja en ningún momento de moverse con ellos, creando una comunión entre personajes, historia y un espectador que a esas alturas se ha comprometido con lo que le cuentan.

Pasado, presente, y de nuevo futuro —¿qué sucederá con el triángulo, qué con las absurdas leyes que permiten matar a los inmigrantes?— se juntan en armonía, mezclándose. La violencia en la historia del hombre, en la historia del país, se repetirá. Pero antes de la explosión final. Cimino nos regala un momento de paz. Ese instante es, cómo no, el baile solitario entre Kristofferson y Huppert, mientras Mansfield y su banda les ponen música, con el lugar ya vacío.

La cámara se mueve en conjunción con el hermoso vals que suena, leit motiv del film. Y como todo momento de felicidad, dura una pequeña porción de tiempo. Lo que viene es muerte, destrucción, desolación, injusticia y esperanzas rotas. Cimino prácticamente se codea con Sam Peckinpah en la exposición de la violencia.

El tercer y último baile circular es el de los granjeros atacando por sorpresa y con decisión a los hombres que han sido contratados para acabar con ellos. Carretas, caballos, mucha polvareda, y terror. Hombres y mujeres contra expertos tiradores, salvados en última instancia por el gobierno.

Cimino sigue explorando la violencia, esta vez como válvula de escape para algunos de los personajes. Aterrador el plano de la mujer quitándose la vida porque ya no le queda nada.

Si la presentación del personaje de Christopher Walken es de las que dejan huella —su sombra tras una sábana tendida, un disparo, y su figura alejándose, vista a través del agujero que ha dejado—, su muerte es de lo más impactante. Con la despedida escrita del lugar que decoró para Elle —por la que logró ver la injusticia de los hombres para los que él trabaja—, y a la que amó, es acribillado sin piedad.

Cuando el film no puede ser más duro, sigue su desfile de muerte. Los de arriba siempre masacrarán a los de abajo. Averill se quedará completamente solo.

Cimino termina de coronarse con un epílogo impresionante, en el que el carácter circular de la película queda completamente cerrado. Han pasado trece años. Averill camina por la cubierta de su lujoso velero. Los años han hecho mella en su rostro. Entra en su camarote, una mujer dormida le espera.

El instante recuerda al primer encuentro que vemos entre él y Champion con el primero durmiendo una borrachera. La mujer es la del baile de graduación, y la historia que no hemos visto la sentimos. No hay palabras, la melancolía por los viejos tiempos se apodera del espectador. El baile concluye.

La memoria se impone a la historia, con sus puntos flacos, con sus huecos. Porque todos recordamos nuestro pasado a trozos, incluso mezclados. Es el baile del paso del tiempo, que en cierto modo nos lleva inexorablemente a un inevitable final físico mientras nuestra mente recorre aquellos maravillosos años de sueños y promesas. Averill sale de su camarote sin decir nada, sabemos de sobra dónde está su mente. La tristeza más desoladora nos embriaga con él.

Una obra maestra que en cada nuevo baile da nuevos pasos. Realizada además en un muy particular momento del cine estadounidense, finales de los setenta, principios de los ochenta, cuando viejos y nuevos directores proponían sus más curiosas obras. Un muy inteligente estudio, como vemos, el realizado por Abuín.

La hecatombe económica que supuso La puerta del cielo, en la que pesó tanto el perfeccionismo enfermizo de Cimino como la ineptitud del estudio , se vio afectada por otros factores, como se explica en Final Cut, documental que se une a los numerosos extras de la flamante edición.

La versión mutilada, inconexa y falta de ritmo la que se vio en los cines en el 81 fue lo que hizo que La puerta del cielo cargaría para siempre con el sello de película maldita con  una decena de secuencias memorables. Puede que costaran 50 tomas cada una, que el equipo de rodaje se pasara el día esperando el momento justo para rodar un cielo al borde del anochecer (la hora mágica capturada por el ya fallecido Vilmos Zsigmond  , pero el resultado de esta película casi musical, en muchos momentos, mereció la pena. Son las cosas de la injusticia llevada al cine. Para mi, una fantástica película.