Accidente sin huella

Tras haber visto El carnicero hace un tiempo paso a ver otra obra de Claude Chabrol, uno de los grandes del cine francés de la década de los 60. En este momento sé que es una de los grandes pertenecientes a la nouvelle vague pero por encima de todo sé que era el director que apostó por el cine negro dentro de esta corriente. Fallecido en 2010, casi octogenario, siguió realizando películas después de 50 años de profesión como la del Comisario Bellamy, ya vista. Fue uno de los últimos supervivientes de la nouvelle vague, junto a Jean-Luc Godard y Jacques Rivette. 

El inicio de la película es brutal pues vemos el atropello de un niño nada más comenzar la película por parte de una pareja que va en un deportivo. El chico venía de pescar y es atropellado en la plaza de un pueblo bretón. Todos los habitantes del pueblo quedan costernados. 

Poco después descubrimos que el fallecido es el hijo de Charles Thenier , un famoso escritor de libros infantiles y juveniles. El conductor se da a la fuga y dispuesto a encontrar el culpable, y al ver el fracaso de la investigación policial, promete encontrar al asesino y vengar a su hijo. Lleva un diario en el que describe su odio hacia el asesino de su hijo y su deseo de matarlo. Charles Thénier (Michel Duchaussoy ) decide investigar el caso por su cuenta. 

Tras unos primeros minutos de silencio lo primero que escuchamos es la voz en off del protagonista que escribe en su diario; "Voy a matar a un hombre, no conozco su nombre y su aspecto, pero lo encontraré y le mataré". 

Desde este momento comienza una investigación, primero, por toda la zona dando por ella un barrido hasta que el azar como el bien dice en un momento dado en la película le lleve a una granja donde quedó retenido un coche que acababa de tener un pequeño accidente. Un granjero ayuda al protagonista uy , mientras lo ayuda, le comenta que allí mismo quedaron varados un par de automovilistas atrapados en la carretera el mismo día que mataron a su hijo. El coche, un Ford Mustang, tenía dañado el guardabarros delantero izquierdo. En el mismo iba a una actriz acompañada de un señor desagradable según el granjero.El hijo del granjero reconoció a la actriz Hélène Lanson (Caroline Cellier ) en el coche.  

El nombre de la actriz llevará al protagonista a París a conocerla a enamorarse y desde allí trasladar en el caso Quimper en la Bretaña francesa. Es allí donde averigua quién llevo el coche, y, por lo tanto, el responsable del asesinato de su hijo. 

Charles va a París, donde conoce a la joven y se convierte en su amante. Ella le cuenta sobre su cuñado, Paul Decourt (Jean Yanne ), casado con la hermana de Hélène, Jeanne (Anouk Ferjac ) el dueño de un enorme taler mecánico del que ella era amante. Charles comprende que era Paul quien conducía el coche en ese momento. Hélène lleva a Charles a la casa bretona de Paul. 

Este último es odiado por todos, un hombre -su cuñado, Paul-  vulgar y abyecto hacia su esposa Jeanne y su hijo Philippe ( Marc di Napoli). 

Charles y Philippe se hacen amigos debido a su animosidad común contra Paul. Charles pide visitar el garaje de Paul, quien felizmente accede. Él le explica que tiene que vender su coche, un Ford Mustang. 

Durante un viaje por mar, Charles intenta matar a Paul, pero frustra su plan porque ha leído el diario de Charles. Paul ahuyenta a Charles humillándolo. 

Charles, que es expulsado de la casa de Paul, se refugia en un hotel con Hélène y, durante la cena, le confiesa la verdad. Hélène ofrece su ayuda, pero ambos escuchan por televisión que Paul está muerto, envenenado. 

Charles regresa a la casa de Paul donde se lleva a cabo una investigación legal. La policía encontró el diario de Charles y , este último, es fuertemente sospechoso del asesinato, pero Philippe se acusa a sí mismo de haber matado a su padre. 

Más tarde, Charles escribe una carta a Hélène para exonerar a Philippe, luego toma un barco y se dirige hacia mar abierto.. 

Se trata de una coproducción Franco italiana en la que están presentes Les Films de la Boétie y Rizzoli Film, basada en la novela con tintas policiacos titulada La Bestia debe morir, cuyo título en francés era Que la Bête Meure / The Beast must Die escrita en el año 1938 por el poeta británico Cecil Day Lewis que escribía bajo el seudónimo de Nicholas Blake. Ese mismo año de 1938 fue traducido al francés por Simone Lechevrel bajo "Que la bête meure". En este caso el guion está basado en lo escrito por Paul Gegauff y el mismo Chabrol. 

El título como se comenta momentos antes del final de la película está inspirado en un pasaje de Eclesiastés 3:19 de la Biblia que dice “ Porque la suerte de los hijos del hombre y la de la bestia es la misma suerte para ellos; como muere uno, así muere el otro, todos tienen el mismo aliento, y la superioridad del hombre sobre la bestia es nula; porque todo es vanidad. » 

La película se rodó en las localidades de Argol, Camaret-sur-Mer, Cap de la Chèvre en la península de Crozon, así como Quimper y Plonévez-Porzay. El garaje de Paul donde se ruedan las escenas es el garaje Peugeot (Nédélec), en la carretera de Brest a Quimper.

En el apartado técnico se sumaron Jean Rabier en la fotografía, en la música Pierre Jansen y en el montaje Jacques Gaillard. La música es un extracto de Vier ernste Gesänge (Cuatro canciones serias), op. 121 (1896) de Brahms, interpretada por Kathleen Ferrier: “Denn es gehet dem Menschen wie dem Vieh” (“De hecho, el destino del hombre y el de la bestia es el mismo”). » La última línea de la película es: “Hay una canción seria de Brahms que parafrasea el Eclesiastés y que dice: La bestia debe morir, pero el hombre también, ambos deben morir”. En alusión al título de la película inspirada en este pasaje de la Biblia. 

Esta película fue dirigida por el director guionista y actor francés Claude Chabrol quien fue considerado un maestro en el género de misterio y uno de los precursores del movimiento "nouvelle vague", surgido en la década de los años cincuenta como reacción en contra de la estructura impuesta en el cine francés del momento. 

Michelle Duchaussoy está acompañado de la película por Jean Yanne. Michel Duchaussoy, había destacado con Jeu de massacre , obtuvo aquí su segundo papel principal, mientras que Jean Yanne, destacado aquí como un papel secundario esencial, había obtenido anteriormente una de sus primeras interpretaciones importantes en la película Week-end de Jean-Luc Godard. El papel que ocupó Yanne, fue ofrecido originalmente a Philippe Noiret, quien lo rechazó, especialmente, por el tema de la navegación. Un año después del estreno del filme se Chabrol y Yanne volvieron a coincidir en el carnicero con el actor como protagonista de la nueva historia de Chabrol. Jean Yanne comentó que no sentía ninguna abyección por su personaje. 

Junto a ellos se encuentra Caroline Cellier, Anouk Ferjac y Marc di Napoli, Louise Chevallier, Guy Marly, Lorraine Rainer y Dominique Zardi. 

En Francia, la crítica en una revisión reciente sobre la película en Le Monde re dice que " El cara a cara entre los dos hombres es feroz y complejo, matizado por una reflexión moral sobre la legitimidad de la venganza y la condena". En L´Express igualmente el columnista Éric Libiot, decía en 2017 que Accidente sin huella es “una de las obras emblemáticas de Claude Chabrol”, no ha envejecido ni un ápice, el enfrentamiento entre un padre y el asesino de su hijo es “un modelo del género”  

Ya en España  Carlos Boyero llegó a calificarla en el diario "El Mundo" como una "obra maestra". En la revista Fotogramas se describe la película como "Una notable novela de Nicholas Blake sirvió a Chabrol para desarrollar una parábola en torno a la venganza. La obsesión de un padre cuyo hijo ha sido muerto por un automóvil que se ha dado a la fuga es la base de un ritual que se esboza pero no acaba de encontrar unos perfiles suficientemente definidos. Aunque la intención y los resultados no acaben de coincidir, el conjunto mantiene una considerable dignidad expositiva".

La National Board of Review la in cluyó entre las Mejores películas extranjeras del año 1971 y la Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR) la nominó en 1970 entre las Mejores películas de aquel año. 

El Institut Français de Valencia ha escrito sobre el director que "Su cine se basa casi exclusivamente en la creación de personajes, en recrear, basándose en obras literarias de mayor o menor importancia, una realidad que poner en movimiento delante de la cámara. Los autores de referencia en la creación de los personajes de Claude Chabrol son Alfred Hitchcock, Fritz Lang y Ernst Lubitsch, con los que comparte una visión similar de la realidad, y de la importancia de la estructura narrativa y de la construcción cinematográfica. En sus palabras: «La construcción es mucho más importante que la intriga. El ideal sería que la forma de una película manifestara para todos la esencia, pero es evidente que esto nunca pasa. Los personajes y la intriga existen sólo para suscitar el interés del espectador, ya sea porque recobran lo que ya conoce, o porque le proponen aventurarse por un nuevo terreno. Pero lo que da forma a una película es siempre la construcción: es decir, todo lo referente al ritmo, la armonía de la forma escrita —la conexión entre las escenas— y el conjunto de señales que se disponen para que puedan comprenderse sin ambigüedad. La clave que permite pasar de la bidimensionalidad de la pantalla a la esencia de la película se encuentra sobre todo en la construcción».

Accidente sin huella trata dos temáticas fundamentales en la obra de Chabrol: la venganza, que es eje fundamental del filme, y por otra parte al desgranamiento de las relaciones de una decadente burguesía provincial , mayoritariamente rural, con todos sus vicios, sin escrúpulos, sin valores y en estado de descomposición. Todo ello , en parte, narrado con voz en off del protagonista es la que servirá como narrador de lo que escribe el personaje en el diario,y por otra parte nos encontramos con una poética de la venganza

Quadrophenia

Hay una cosa que no puedo evitar, y es el entusiasmo que siempre me han generado The Who, su música y la energía que transmitían me ha parecido siempre algo espectacular, eléctrico, potente como pocos grupos. 

Sabía además desde la época que se emitía el Programa televisivo Aplauso que ellas estaban detrás de la película Quadrophenia, película que partía de un disco de la banda. Era un álbum homónimo de los The Who, lanzado en 1973. La película que salió después era una adaptación de este álbum conceptual que explora la vida de un joven llamado Jimmy, un mod que vive en Londres a principios de los años 60.

El álbum "Quadrophenia" en sí es un trabajo muy complejo que representa cuatro facetas de la personalidad del protagonista, Jimmy, cada una asociada con una de las cuatro voces de los miembros de la banda: Roger Daltrey, Pete Townshend, John Entwistle y Keith Moon. Estas personalidades diferentes se reflejan en la película de una forma más directa. 

Dirigida por Franc Roddam en 1969 y con la música de The Who la película nos lleva al nombre del año 1965 y nos presenta como todos los jóvenes de su edad uno de ellos Jimmy un joven alienado que trabaja en una empresa de publicidad de recadero y que odia todo lo que le rodea. Solo cuando está con sus amigos y escucha a los The Who y a los Rolling . Parece que escuchando la música de estas bandas y pasando el rato con sus amigos es cuando únicamente se siente realmente bien. Sus enemigos los "grasientos" Rockers.

Corre el año 1964 en Londres, y Jimmy pertenece a una banda de mods, jóvenes impecables que se mueven en sus scooters italianas Vespa o Lambretta y escuchan música Mod que siente pasaión por la música soul, gustan de un estilo fashion y son rivales a muerte de los rockers.. 

Sus disputas con los rockers —que visten de cuero, llevan grandes motocicletas y escuchan rock and roll—, son continuas. 

Harto de sus padres y de un trabajo sin futuro en una empresa de publicidad, Jimmy solo encuentra una vía de escape a sus problemas en escuchar música y tomar pastillas "rojas" y "azules" con sus amigos de la banda: Dave, Chalky y Spider. 

A esto hay que sumar que uno de los supuestos rivales rockers es su viejo amigo de la infancia, Kevin (Ray Winstone). A lo largo de la película descubrimos que Jimmy tiene una serie de conflictos internos, familiares y sociales, mientras trata de encontrar su lugar en un mundo que parece no comprenderlo. 

Un puente de tres días proporciona a ambos bandos la excusa para librar una violenta batalla en la ciudad costera de Brighton. 

Pero cuando Jimmy es arrestado durante los disturbios de Brighton, su vida empieza una pendiente cuesta abajo. Es multado, expulsado de su casa por su madre tras encontrar ésta una bolsa de "azules" (anfetaminas). Se despide del trabajo, despilfarra su finiquito en comprar "azules", descubre que su amor, Steph, con quien tuvo una relación fugaz en Brighton, ya no está interesada en él y ahora está con su mejor amigo, Dave. 

Se pelea con Dave y después su Lambretta queda destrozada en un accidente. Regresa a Brighton intentando recuperar el pasado y descubre que su ídolo, "As de Oros", no es en realidad más que el botones de un hotel. Le roba la Vespa y la lanza al precipicio, donde encontrará un destino incierto.

La película es un reflejo de la Gran Bretaña protopunk pre-thatcheriana, describiendo el narcisismo alimentado con anfetaminas de la juventud británica durante la década de 1960. Otro motivo predominante de la película son las batallas campales entre mods y rockers que, en la vida real, se sucedieron en diversas localidades costeras a lo largo del verano de 1964. 

Al final de la cinta se ve la moto estrellándose contra las rocas. Esto ha originado el debate de si Jimmy se lanzó junto al scooter al vacío o por el contrario lo que hizo fue lanzar solo la scooter. Se trata de una discusión completamente artificial, ya que se ve claramente a Jimmy en lo alto del acantilado en un corte completamente deliberado según cae la scooter al vacío. Toda la película es por tanto una analepsis cuyo final es la primera escena de la película, cuando Jimmy vuelve del acantilado después de despeñar la Vespa de As de Oros. El protagonista lanza simbólicamente por ese precipicio todo el mundo mod, por el progresivo desencanto con los amigos y el estilo de vida de la cultura juvenil. As de Oros no es lo que parecía y Jimmy descubre que la verdadera razón de ser del mod es un gigante con pies de barro. 

En los comentarios del director del DVD, Franc Roddam dice que el final puede ser percibido como ambiguo, ya que muchos espectadores no prestan atención a algunos hechos evidentes por lo que tienen sus propias creencias sobre el destino final de Jimmy. La edición VHS incluye fotos del rodaje, entre ellas un buen número de Jimmy saltando de la scooter cuando ésta se aproxima al borde del acantilado. La foto final lo muestra de pie en el borde del acantilado mirando al mar. 

Interpretado por Phil Daniels, interpretando el papel protagonista de un mod llamado Jimmy. Junto a él aparecen Mark Wingett, Sting, Phil Davis, Toyah Willcox, Leslie Ash, Ray Winstone, Timothy Spall, Michael Elphick, Kate Williams, Gary Shail y John Altman.  

Comienza por el final en el protagonista se va separando del mar mientras cae el sol. Levemente suenan la música de los Who. 

Tras ver su cara comienza la historia. Producida por The Who Films, y por A Curbisheley - Baird Production, con Roy Baird Bill Curbishley al frente   contando como productor asociado con John Peverall, y como productor musical con el bajista del grupo John Entwistle, siendo los productores ejecutivos toda la banda es decir Roger Daltrey, , Pete Eownshend, Keith Moon y el mismo John Entwistle.  Igualmente aparecen como productores Roy Baird y Bill Curbisheley. 

Brian Tufano es el responsable de la dirección de fotografía y Sean Barton en el montaje. Los responsables del guion fueron Dave Humphries, Martín Stellman, así como Pete Townshend y Franc Roddam, que igualmente es el director de la película. 

Precisamente, es el director de cine entre otras K2, Aria, The Lords of Discipline y War Party , es igualmente empresario, guionista, editor y productor televisivo inglés, siendo el creador del fenómeno televisivo mundial MasterChef, que es emitido en 200 países en todo el mundo con 47 versiones nacionales. El director ganó premios por sus documentales para la BBC, Mini y The Family. Es fundador y presidente de Ziji Publishing, cuyos títulos incluyen The Last Templar que vendió encima 5 millones de copias en todo el mundo. Es patrocinador y exgobernador de la Escuela de Cine de Londres y miembro activo del Greenworld Campaign.

En cuanto a la crítica, si en principio, no fue muy favorable en la actualidad la valoración es muy positiva. Críticos actuales británicos como Ian Nathan en las páginas de  Empire escribió que "Actuaciones asombrosas, un guion que conoce la calle, un gran ritmo y una banda sonora soberbia hacen que esto sea, no sólo un himno, sino una historia imperecedera (…) " 

Por su parte, Alex von Tunzelmann en The Guardian señaló que "Es un recordatorio impresionante y evocador de una época pasada en la que Reino Unido era... bueno, básicamente igual que ahora." 

En Estados Unidos  Janet Maslin desde el The New York Times dice de la película que "Es un film dramático, crudo, áspero y a veces muy hermoso (...) Aunque no es para todo el mundo, 'Quadrophenia' es algo muy especial." 

Para Tom Cassidy de Common Sense Media destaca que "En sus escenas clásicas, esta película británica de culto consigue mostrar todas las emociones y los altibajos de la vida adolescente (…)" 

Según Keith Phipps de AV Club consideró que era "Hermosamente grabada por Brian Tufano, la película de Roddam burbujea con detalles de la vida Mod" 

Para Jordan Cronk de Slant Quadrophenia es "Uno de los documentos más honestos y detallados sobre la subcultura mod de mediados de los años 60 (…)"

Tim Appelo del The Hollywood Reporter consieró que "Fue grabada en el punto álgido del punk y vibra con una energía irreverente." 

En 2004 la revista Total Film catalogó la película como el trigesimoquinto mejor film británico de todos los tiempos.

La película tuvo una acogida negativa por la crítica, debido a su carga de sexo, violencia y abuso de las drogas, que en aquel tiempo era algo no demasiado común. 

Obtuvo una gran reputación a través del boca a boca entre los adolescentes demasiado pequeños para poder ver la película en las salas. Hoy es considerada un clásico de culto y está reconocida como un retrato realista de la juventud británica de la década de 1960. 

Muchos han alabado la interpretación de Phil Daniels. Fue una influencia decisiva en el revival mod en cuanto a música y moda, y fue una lanzadera para las carreras de bandas como Secret Affair, The Chords y The Lambrettas, mientras que dio un nuevo impulso a The Jam, previamente considerada como una banda punk. 

La aparición de Sting también fue beneficiosa para su banda The Police, aunque su música no tenía nada que ver con los gustos mod.

Algunas referencias a The Who aparecen a lo largo del metraje, incluyendo el anacronismo de un álbum reeditado que no estaba disponible aún en ese momento. La grabación fue casi cancelada cuando Keith Moon, batería de The Who, murió pero, en palabras de Roddam, los productores, Roy Baird y Bill Curbishley consiguieron acabar la película. 

Solo una escena de todo el film fue grabada en estudio; todas las otras fueron en localizaciones. Beachy Head, donde Jimmy pudo o no tratar de suicidarse, fue el lugar donde ocurrió un suicidio que influenció la adaptación de la película y la banda sonora (Beachy Head es conocido por los lugareños como un lugar idóneo para suicidarse). 

Por último comentar que el director casi muere en la escena final, ya que la distancia que la scooter iba a volar tras ser lanzada fue subestimada y Franc Roddam, que grababa desde un helicóptero, casi fue alcanzado por ésta.

La película se centra en una serie de temas que muestran abiertamente como son la identidad y la alineación, la juventud y su carácter rebelde , la rivalidad y la música como punto de fuga o escape. En el primer caso descubrimos que Jimmy no se siente a gusto ni en su familia ni en la sociedad en general. Está buscando algo más grande, pero no sabe exactamente qué es, lo que lo lleva a una crisis existencial. Por otro lado, la película captura el espíritu rebelde propio de la juventud, especialmente de la juventud británica de los años 60, que se sintió distanciada de los valores tradicionales y buscó un propósito a través de las subculturas. La tensión entre los mods y los rockers refleja una lucha generacional y de clase, que en muchos aspectos era una manifestación de la tensión social de la época. Y por encima de todo o como texto con un pretexto nos encontramos la música como una forma de escape, y no solo como banda sonora, sino como una forma de expresión emocional y de identidad para los personajes, especialmente para Jimmy.

"Quadrophenia" ha sido considerada una de las grandes películas de culto de los años 70 y una obra maestra del cine británico y en ella aparecen algunos de los grandes éxitos de The Who como My generation que suena en mitad de una fiesta y lanza a todos los que la escuchan al éxtasis más absoluto. La música se integra en la película y ayuda a la narrativa de la misma. A lo largo de la película suena The Real Me, I Am the Sea, The Punk and the Godfather, I'm One, 5:15, Sea and Sand, Love, Reign o'er Me y Quadrophenia

De los Storm a Freddie Mercury: el show final.

¿Qué relación podría ver entre el grupo sevillano de Storm y Freddie Mercury? Pues aunque parezca mentira, mucha más de la que pudiera parecer. El nexo de unión está en que el grupo sevillano llegó a ser teloneros de Queen en el año 1975. Parece mentira pero fue cierto 

Es esta extraña combinación y la casualidad la que, por un lado, me llevó a ver un reportaje documental sobre el grupo sevillano de los Storm formado en 1969 en Sevilla (Andalucía) bajo el nombre de Los Tormentos y lo que este grupo supuso en el Hard Rock y en el Rock Progresivo de España, así como en el Rock andaluz, que eran asiduos de los circuitos de clubs de Madrid y Barcelona, aunque el concierto que más impactó fue el de Burgos - donde fueron grupo principal- adquieren renombre suficiente como para que el sello BASF les grabe su primer LP, titulado The Storm, que mezcla heavy y psicodelia, y alterna temas en español, en inglés y temas instrumentales. En 1976, el grupo se deshace, debido a que sus miembros tienen que cumplir el servicio militar, aunque antes de finalizar 1978 vuelven a reunirse y continúan con sus giras. No editarán su siguiente álbum, El día de la tormenta, hasta 1980, con un cambio en el bajo, entrando Pedro García en lugar de Pepe Torres. 

Un año más tarde, 1981, el grupo se retira, aunque los hermanos Ruiz Genil mantienen el proyecto en la actualidad. Para descubrir su historia participan en el documental relatando sus propias impresiones Javier García Pelayo, el vocalista de Ñu, El "drogas", Raimundo Amador, Aitor Amezaga, Pepe Bao, Pere Gené, Pau Riva, Bertha Yebra, Jordi Sierra i Fabra, el que fuera lider de Barón Rojo , entre otros, así como otros músicos y gente de la música, de la crítica y de la radio. 

Es la historia de una banda que a finales de los sesenta, en el sevillano barrio de San Jerónimo, cuando tocar rock y llevar el pelo largo aún era objeto de agresión o arresto, "Storm" hacían vibrar al público como los Deep Purple andaluces. Del rechazo y la transgresión a recibir una oferta de Freddy Mercury para una gira internacional, un contrato con una multinacional y aparecer en Musical Express, en esta película conoceremos a esta banda invencible que merece un lugar privilegiado en la historia de la música y que formó parte (y en algunos casos se adelantó) al rock andaluz de Triana, Smash, Alameda, Gualberto y Gong. 

En este documental escrito y dirigido por Jesús Ponce con la fotografía de Eduardo Sánchez y producido por Kiko Medina P.C.(la KMPC) aunque tuvo que ser terminada por Saint-Denis Producciones a causa del fallecimiento del productor Kiko Medina. Fue rodada en Sevilla, Cádiz, Granada, Almería, Madrid, Pamplona, Logroño, León, Burgos, Guipúzcoa, Barcelona… y se agregaron imágenes y las páginas de Musical Express, Popular 1, y algunas de archivos privados, entiendo.

Y casi de inmediato he visto un documental dirigido por James Rogan del año 2021 titulado Freddy: The final Act. 

Aunque el segundo ha sido el que me ha llevado más tiempo, puesto que dura hora y media, es el primero , el del grupo sevillano que cambió su nombre a Storm por indicación de su mánager, José Luis Fernández de Córdoba el que me más me ha sorprendido. Y ya raro que yo mezcle dos documentales en uno pero en este caso ha salido así. 

Del segundo, el de Freddy, diré que corría el mes de abril del año 1992 cuando tuvo lugar en el estadio de Wembley uno de los conciertos más legendarios de la historia. Fue un evento organizado por Queen que rendía homenaje al recién fallecido Freddie Mercury y que pretendía concienciar sobre el VIH, el virus del sida que los 80 arrasaba Europa y el mundo.

 

Freddie Mercury: el show final fue producido por Rogan Productions dirigido por James Rogan y estrenado por la BBC, muestra cómo se gestó el concierto a la vez que retrata el momento histórico en el que tuvo lugar. 

Y el concierto participaron Metallica, Axl Rose de Guns and Roses, David Bowie, Elton John o Michael George Michael que fueron solo algunos de los muchos grupos que acompañaron a Queen en el histórico concierto. Aunque también tocó Annie Lennox Lizza MInnelli, Paul Yong , Roger Daltrey o Lisa Stanfield, recuerdo. 

Freddie Mercury había muerto cinco meses atrás víctima del SIDA una enfermedad que estaba matando a miles de personas y que estaba legitimando la homofobia. Su muerte permitió que se empezara a hablar abiertamente de la homosexualidad y que se dejara de estigmatizar la enfermedad, como había ocurrido pocos meses antes con la muerte de Rock Hudson. El documental muestra a un Mercury que asume su enfermedad con entereza y prefiere mirar hacia delante, seguir trabajando hasta un final del que era consciente. Nunca hizo declaraciones sobre el tema, hasta poco antes de su muerte.  

La hermana de Freddie Mercury, Kashira Bulsara, y algunas estrellas que participaron en el concierto evidentemente también Robert Taylor y Brian May relatan esta historia la de un concierto y la de un icono que ayudaron a visibilidad por un lado la homosexualidad y por otro a concienciar sobre el virus del SIDA. 

La descarriada

En España existió un tipo de cine digamos que "castizo" y que despectivamente se le llamó a esas películas, "españoladas". Vistas con el tiempo, las españoladas, son auténticos documentos sociológicos de cómo era el país en los años sesenta y,  sobre todo, en los 70. Nos hablaban de nuestras grandes virtudes, pero sobre todo de nuestros mayores defectos. La envidia, la hipocresía, los matrimonios de conveniencia, la situación de la familia en una España cambiante, la del desarrollismo, el papel de la Iglesia... Todo se reflejaba en ellas. 

Algunos lo hacían desde un plano más serio, pero en muchas ocasiones el género que encauzaba este análisis sociológico del país era a través de la comedia. En la misma participaban lo mejor que hemos tenido en el cine español sin lugar a dudas. En estas españoladas aparecían desde José Sacristán, hasta López Vázquez, pasando por actores como Antonio Ferrandis, Alfredo Landa, Martínez Soria o José Bódalo. Ellos eran los hombres de negocios, agentes de seguros, o  anticuarios, en definitiva, personas con o sin fortuna que aspiraban a mejorar sus condiciones de vida. También aumentar sus relaciones  sexuales. Lo que sea. El objetivo era medrar en un país que parecía progresar en lo económico, en los social y ¿En lo político? Eso es otra historia.

Ellas , las actrices, lo mejor de cada casa. Profesionales como la copa de un pino como lo eran Rafaela Aparicio, Florinda Chico Laly Soldevilla, hasta la Bardem o Lina Morgan que era toda una estrella que arrasaba en las pantallas. Ellas aspiraban igualmente a vivir mejor, más cómodas, tener electrodomésticos, una chacha, las señoras con posibles, pero sobre todo a tener alguien que les quisiera. 

A todo esto se sumaban director que, en ocasiones, buscaban y conseguían con astucia sortear las limitaciones de los censores. Para los años 70, las limitaciones eran menos. Podíamos ver mujeres en bragas y sujetadores, faldas cortas, "bikininis", se veía más carne que en una carnicería como dirían los castizos. Directores y guionistas sabían encontrar el punto cómico a situaciones paradójicas, y en ocasiones hasta ridículas. 

Pues bien en la película que acabo de ver junto a mi padre en Cine de barrio es una buena muestra de esta española desarrollista. La película que lleva por título La descarriada - creo que el título lo dice todo- estuvo dirigida por Mariano Ozores en el año 1972 y nos muestra una visión casi paternalista, la que algunos tenían- de la prostitución como modo de salir de la indigencia para sacar a una familia, en este caso, a una retahila de hermanos y hermanas.  

En una película como La descarriada la prostitución es el tema menor, pues el tema mayor es las relaciones de alcoba, el desentendimiento de una pareja, la atención a los hijos o hermanos, el papel de la familia en una sociedad todavía muy mojigata. En el fondo es una historia de perdedores 

Para eso Mariano Ozores contó además de con su hermano, compañeros inseparables de aventuras cinematográficas, con el mejor actor posiblemente de la historia del cine español y posiblemente mundial según he escuchado en alguna ocasión. Hablamos de José Luis López Vázquez, que aquí hace de chulo p****, pero sobre todo de hombre enamorado que se desvive por una de sus chicas, Nati.  

Evidentemente, "La descarriada" - producida por José Antonio Cascales y Rafael Vázquez Fajardo para Producciones Internacionales Cinematográficas Asociadas (PICASA) -  es Lina Morgan que está acompañada en su desgracia por un encantadora y olvidadiza Laly Soldevilla, por una impresionante Florinda Chico, incluso, una esplendorosa y una bella Bardem.  Junto a las citadas está Rafaela Aparicio, Antonio Ferrandis, Rogelio Madrid, María Álvarez o Luis Barbero, 

El guion de esta historia fue de Mariano Ozores. La banda sonora, setentera, como cabía de esperar fue de Fernando García Morcillo y el sonido de José María San Mateo. La responsable del maquillaje fue   Carmen Martín y el de la fotografía, Vicente Minaya. Para el montaje la película contó con Antonio Ramírez de Loaysa y el vestuario fue labor de Humberto Cornejo y Juana Ramírez .

Lina Morgan interpreta a Nati, una inocente prostituta, huérfana con cargas familiares, que ejerciendo su profesión busca sacar adelante a sus tres hermanos pequeños. Nati no lo consigue, resulta ser muy torpe para su trabajo que ejerce junto a sus compañeras Angustias (Florinda Chico) , Lucila ( Pilar Bardem) y Marga (Laly Soldevilla) . Para colmo, le debe dinero - no sólo ella, sino todas- a su protector, Florencio (José Luis López Vázquez), un hombre que lleva una doble vida como vendedor de antigüedades y que vive junto a sus hermanas , entre ellas Rosaura (Rafael a Aparicio) y María (María Álvarez ) , que se ha metido a proxeneta por el cariño que siente  hacia las chicas y especialmente a Nati, que a pesar de ejercer el oficio todavía es virgen, ya que siempre que encuentra a alguien le cuenta su desgraciada vida desde que sus padres murieron en un accidente de tráfico aplastados por un tren.

Florencio cuenta con un bien amigo Nicolás ( Antonio Ozores), un buscavidas que intenta llevarse un porcentaje de todo, que le asesora y lo estima al igual que a las chicas. 

Un día ve cómo su suerte tiene la oportunidad de cambiar con la entrada en su vida de un hombre rico Vicente Aguirre ( Rogelio Madrid) y guapo con problemas matrimoniales ya que lleva tres años casado con Ángela  (María Ángeles Olazábal) y todavía no la ha visto desnuda.

Entonces, Nati como mujer decente, sólo quiere un empleo decente y salir de esa mala vida decide abandonar la prostitución y buscar un trabajo decente. Pero también es torpe para otros trabajos que sus amigos, especialmente, Nicolás, le intentan dar (vendedora de seguros, policía municipal,...) 

Sin embargo, el encuentro entre Nati y Javier tiene consecuencias emocionales y familiares. Por un lado, Nati queda impactada con el perfil de Vicente, no apreciando que el hombre que se desvive por ella es  Florencio, que de "motu proprio" y por medio de sus hermanas Rosaura y Maura, siendo asistidos por la amistad de Nicolás, le hacen ver que Nati desde ser la mujer de su vida.  

Pero antes de que incluso ella llegue a la afección con su "proxeneta" ha de solucionar un tema que le pide Don Javier (Antonio Ferrandis) el padre de Ángela , esa chica de la clase alta, casada con Vicente, cuyo padre asume que ha errado en su educación como señorita idiota de clase alta al no enseñarle a comprender a su esposo, quien prefiere ahora ahogar sus deseos en el bar .

Don Javier sabe que Nati es la única persona decente, sensata y comprensiva y le pide a ella que tenga un encuentro con su hija para intentar salvar su desgraciado matrimonio, el de Vicente y el de Ángela, asumiendo que le ha dado una buena formación en formas, pero nula en lo afectivo. Y aunque Nati puede que no sea virtuosa si es capaz de enseñar a los demás modélicamente dado su sencillez y sentido común. 

Y frente al modelo aristocrático en el que ha sido educada Ángela , rodeada de criadas, que no trabaja, se levanta a las once de la mañana, que ha aprendido lenguas, piano o equitación, ha tenido una buena educación y sobre todo mucha mojigatería, lo que le ha dado una altivez, una soberbia y un orgullo que le impide acercarse sexualmente a su marido, Nati le da una auténtica lección de humanidad, sensualidad y trato a Ángela en presencia de un Florencio que ha ido precisamente a declarar su amor a Nati. Con la lección que insinúa que la mujer ha de ser esclava de su marido por amor acaba la película. 

En el mundo se dice de la película que "dirigida por Mariano Ozores, especialista en comedias de este tipo, la película toca un tema tan delicado como el de la prostitución, pero, como era de esperar por el tono de la época, lo hace sin sutileza ni delicadeza. Se trata de un producto pseudoerótico y heredero del machismo, algo que resultaba muy comercial en la época. De hecho, más de un millón de espectadores acudieron a disfrutar de esta cinta, cuyo guion festivo también está elaborado por Ozores".

Para Fausto Fernández es un clásico de Ozores y fue " Lo más cerca que la gran Lina Morgan estuvo de la Giuletta Masina de Las Noches de Cabiria (o la Shirley MacLaine de su remake musical, Noches de ciudad) fue como la pilingui de corazón de oro y decentísima que habla de dónde está el amor en esta ozoresiada contrastada".

Reconozco que ha habido en la película momentos divertidos, otros que pudieran parecer ridículos, pero hoy vistos son igualmente divertidos pues hay cosas que pueden acercarse a dar esa sensación pero si lo entendemos como lo que es , producto propio del momento histórico y sociológico en el que se rodó la película, se sobreentiende y se transforma, pero, aparte del elenco - que es para aplaudir de principio a fin- , por encima de todo, lo que más me ha gustado ha sido ver la película junto a mi padre y ver que, en momentos puntuales de la película, los dos nos hemos reído. Ese también es uno de los fines del cine, aunque sea, el de barrio. 

Tuno negro

Película sin valor ninguno aunque hoy para algunos en una película de culto, cuyo único elemento a resaltar son los paseos por la ciudad de Salamanca aunque ese final con la catedral Nueva que finalmente es incendiada algo que no es lo más gratificante..

Se trata de una película del año 2001 coincidente creo que con memoria de un ángel caído que tuvo un mejor crítica y evidentemente mejor porque Tuno negro es un bodrio sin sentido, así de simple, aunque entretenido. 

Se trata de la historia que se inicia en la universidad de Alcalá de Henares de un asesino psicópata que se autodeclara como el Tuno negro se infiltra en una tuna universitaria y elige a sus víctimas a través de Internet. El tuno negro es una leyenda urbana que indica la existencia de un tuno que comete asesinatos en serie y que ataca a estudiantes universitarios. 

El primer asesinato que vemos lo comete en un Colegio mayor de chicas de Alcalá de Henares, acabando con una estudiante, Arantxa de Derecho ( Maribel Verdú) que pasa de los estudios pero que está enganchada al contacto a través de una novedad del momento: Internet. Ella contacta con el tuno negro y esa misma noche es asesinada en la capilla del Colegio Mayor, precisamente cuando los tunos están tocando. 

Tras eso la historia se traslada a Salamanca, ciudad estudiantil por antonomasia. En una noche previa al principio del curso llega una joven de nombre Alex (Silke) a un Colegio Mayor donde será recibida por un grupo de chicos todos ellos pertenecientes a la tuna, una agrupación universitaria que sobrevive desde el siglo XIII. 

De entre ellos, coincidente conque será su compañero de clase destaca Edu ( Jorge Sanz) con el que inicia una relación. Poco después se produce la primera muerte, la de una chica en su día de bodas en los servicios. A Edu se le responsabiliza del mismo pues mantenía cierta relación con ella, pero también con otras. 

Con la entrada en escena de la policía aparece Victor (Fele Martínez) que empieza a interesarse por Alex no sabemos si psu interés es físico o para sacarle información. Gracias al profesor de arte y deán la Catedral Don Justo ( Eusebio Poncela) nos enteramos que la premisa del asesino es la misma que aparece en una capilla de los estudiantes en la Catedral: la ignorancia mata. 

Siendo Don Justo quien de alguna claves al comentar que es una leyenda urbana que cuenta que hace siglos los estudiantes más pobres entraban en la tuna para poder pagar la Universidad, pero los ricos vieron el chollo y se metieron a tunos sólo por las risas y para ligar, así que los pobres se quedaron fuera, por lo que decidieron vengarse crearon una especia de vengadores bajo la máscara y el traje del Tuno Negro. 

Con la noche y la juerga desmadrada como cómplice el turno negro comete sus límites crímenes con una pauta simple morirán aquellos alumnos o alumnas que sean los peores estudiantes de cada clase. El último no pasará de curso ni tendrá la opción de repetir. 

Con Tuno negro se estrenaba en la dirección del largometraje Pedro L. Barbero, y lo hizo en compañía de Vicente J. Martín quien ya había estrenado El escarabajo de oro. Contaron ambos con el apoyo de Javier Petit como ayudante de dirección. 

Con este proyecto el productor Andrés Vicente Gómez que invirtió en ella unos 400 millones de pesetas se acercó al género de terror juvenil y universitario que tantos éxitos de taquilla había logrado en el cine de otras nacionalidades. De hecho hay momentos que parecen referencias directas a Scream, el slasher de Wes Craven, una película que cinco años antes había arrasado en carteleras. Esas carreras por pasillos, esas mascaras, esas chicas absolutamente voluptuosas, jóvenes universitarios, teenaggers, descerebrados, faltos de bromuro, gusto por el sexo - obvio- , las drogas, - no tan obvio, aunque algunas eran para estudiar-  y las grabaciones propias de mirones... 

Destaca la presencia en la película como responsable de la banda sonora de Roque Baños junto a Álex Martínez, en la que se trufan canciones del momento como el Hoy del Hombre Gancho ,  con tradicionales de la Tuna. En otros apartados técnicos destaca la fotografía de Carlos Suárez, el montaje de Juan Carlos Arroyo y el vestuario de Macareno Soto.  

Para garantizar el atractivo de esta historia de crímenes y misterios se cuenta con un reparto lleno de nombres conocidos como Silke, Félix Martínez, Jorge Sanz, Maribel Verdú que se convertirá en la primera víctima y el único que hace un trabajo medianamente digno como Eusebio Poncela. 

También intervienen Sergio Pazos, Paca Gabaldón, Patxi Freyles, Enrique villén, Javier veiga, Alexis Valdés, Carla Hidalgo y Marian Aguilera. 

El guion de la película fue escrito por los mismos directores pero esto no significa que tenga sentido puesto que la película salvo el mar con el que se desarrolla que es el casco viejo de Salamanca no vale un duro. 

Parece ser que ahora mismo es una película de culto, puede que por eso se afecta especiales un tanto cómicos que aparecen en algunos momentos de la película 

Fue filmada en Salamanca, Madrid y Alcalá de Henares. Las críticas en general fueron bastante malas. Augusto M. Torres escribió en El País que había "Irregularidades en el desarrollo de la historia" y que "el malvado es quien menos podía imaginarse y carece de cualquier tipo de razón, moral o psicológica, para ser un asesino en serie" aunque también indica que tiene un " eficaz y fino humor". 

Carlos Aguilar en su Guía del cine español califica el producto de "incoherente y forzado" pero mejor que otros slasher españoles de la época como El arte de morir o School Killer. 

Para Fausto Fernández en X , antes Twitter, es adecuada para "Noche de difuntos y cine de género, y español, cosa tan rara como de agradecer, con el slasher cañí clavelitos Tuno Negro, ideal para ver en compañía y ganas de juerga".  

En Cinemanía se incluyó como uno de los grandes "blufs" del cine español. Según la Real Academia, un bluf es un "Montaje propagandístico que, una vez organizado, resulta falso" o una "Persona o cosa revestida de un prestigio que se revela falto de fundamento". Y fue un bluf, según Yago García, "porque... Para empezar, Jorge Sanz, Silke y Fele Martínez estaban ya bastante mayorcitos para hacer de universitarios. Para seguir, el guion no sabía encontrar el punto entre la comedia asesina y el thriller puro y duro. Ninguno de los dos firmantes de la película (Pedro L. Barbero y Vicente J. Martín) han vuelto a dirigir un largo tras su estreno". 

Para Javier Zurro en El Español" sí que se ha convertido en una película de culto que, echando la vista atrás resulta una divertida aproximación y homenaje al slasher americano en clave cañí... Realmente lo que hizo Tuno Negro (Vicente J. Martín y Pedro Barbero) no es más que adaptar los códigos marcados por Scream del nuevo terror adolescente a la idiosincrasia universitaria española. Allí tienen un imaginario propio en torno al instituto y a la universidad. El fútbol americano, las fiestas en las casas, las hermandades estudiantiles, su sistema de castas… Aquí tenemos la Universidad de Salamanca o de Alcalá de Henares, con sus edificios de piedra. Ciudades que son señoriales de día y por la noche esconden un ambiente de jóvenes estudiantes que se desmadran. No hay fiestas en chaletes con piscina, y sí normas que establecen los colegios mayores -de monjas en algunos casos-" 

Y añade Zurro que "La primera escena de Tuno Negro es toda una declaración de intenciones, pero también una muestra de que realmente lo que se intenta es sólo jugar, ser disfrutones y hasta autoparódicos. Sólo así se entiende colocar a Maribel Verdú, estrella española, con sus más de 30 años por aquella época, como estudiante de derecho". 

"En Tuno Negro ya está internet, los chats, el ligueteo por la red… Eso sí, nadie entonces tenía esa capacidad de tener cámara, chat en directo… La primera muerte de Tuno Negro es una maravilla. En una capilla, sangrienta, (...) (la víctima, Arantxa) es " colgadas y exhibidas", "pero aquí con un toque de humor. Los gritos que vienen de la iglesia son de su compañera de habitación que tiene sexo con un tuno en el mismo sitio donde habían matado a su amiga. " 

Prosigue Javier Zurro con la siguiente conclusión: " No hay lógica alguna en esta película. (...) "Su agujero tiene tantos agujeros en pos de sorprender que sólo queda rendirse, no buscarle los tres pies al gato y aplaudir ante las ocurrencias del guion. Empezando porque el asesino es imposible que sea ESA persona, ya que ha interactuado con el Tuno Negro en otras ocasiones. No pasa nada. No podemos pedir lógica a un filme con Silke como nuestra reina del grito patrio y con Jorge Sanz como universitario (otro salto de fe) ligón y tuno follarín de noche. Porque aquí el quarterback es el que canta clavelitos con una pandereta". 

Concluyendo Zurro con la siguiente afirmación " La ignorancia mata, es la frase favorita del Tuno Negro que se repite mil veces en el filme y que se convierte en el alegato más salvaje y peligroso en defensa de la meritocracia".  Por mi parte decir primero, como hemos envejecido desde su estreno, y segundo que de mala que es, te mantiene despierto. Si quieres disfrutar, disfrútala. 

Nadie

Sorprendido estoy tras ver esta película que recibe el nombre de Nobody en inglés nadie en castellano que es del año 2021 y que la dirigió Ilya Naischuller.

Posiblemente la grabé para ver porque el actor principal era Bob Oderkirk, y que en este caso se mete en la piel de un peligroso Don nadie en esta violenta y a pesar de todo divertida película de acción escrita por Derek Kolstad, guionista de la saga John Wick con la que comparte ciertas similitudes. Si John Wick es el asesinato de su perro el que desencadena a toda una espiral de violencia, en nadie es el asalto en la casa del personaje de Oderkirk. 

De hecho, Odenkirk y David Leitch se encuentran entre los productores de la película - los otros son Kelly McCormick, Braden Aftergood y Marc Provissiero- por medio de distuntas productoras como 87North Productions, Eighty Two Films y Odenkirk Provissiero Entertainment, aunque el producto que recinbio una inversión de 16 millones de dólares fue distribuido por la Universal Pictures que la estrenó en cines en los Estados Unidos en marzo de 2021 y en el Reino Unido poco después. 

La película recaudó 57 millones de dólares en todo el mundo y recibió críticas generalmente positivas que elogiaron las secuencias de acción y la actuación de Odenkirk. Una secuela, Nobody 2, está programada para estrenarse en agosto de 2025.

El protagonista de Better call Saúl da vida a Hutch Mansell, un hombre que llevaba una vida anodina pacífica y bastante gris en su vida profesional y personal hasta el punto de que cuando su casa familiar es asaltada por unos ladrones intenta evitar cualquier tipo de enfrentamiento, algo que abochorna a su hijo y en parte también a su mujer 

Sin embargo cuando vecinos familia y amigos comienzan a echarle en cara su pasividad algo estálle en su interior algo muy violento. 

Junto al actor de Breaking Bad aparece Aleksay Serebryskov, Connie Nielsen, Christopher Lloyd, como padre del protagonista, un casi irreconocible Michael Ironside, Gage Munroe y RZA. 

Y en el apartado técnico aparecen Pawel Pogorzelski como responsable de la fotografía, del montaje William Yeh y Evan Schiff y de la música, que es francamente buena, con temas introdcidos de la música popular y del jazz fue labor de David Buckley. 

Nada más comenzar conocemos a Hutch Mansell (Bob Oderkirk) se sienta dentro de una sala de interrogatorios. Esta magullado y herido. Dos agentes del FBI lo interrogan sobre su identidad, antes de que Hutch que es capaz de zafarse de las esposas y dar de comer a un pequeño gato que esconde en su camisa o chaqueta responda que simplemente no es nadie. 

En un flashback, vemos que Hutch lleva una vida normal y mundana como oficinista en la empresa de metales de su suegro. Su vida es rutinaria de lunes a viernes durante muchos de lunes a viernes. Siempre pierde el camión de la basura, entra al trabajo, llega a casa y le ignora su mujer e hijos. Vive junto a su bella esposa, Becca (Connie Nielsen ) , de la que está emocionalmente separada, su hijo adolescente Blake (Gage Munroe ) , apenas lo respeta, y su hija pequeña, Abby ( Paisley Cadorath) parece quererle. Hasta su vecino le vacila con su nuevo coche, un clásico de los setenta. 

Su propio padre , David (Christopher Lloyd ) ,que vive en una residencia no le da importancia a lo ocurrido. Su único interés es dormir ante el televisor mientras emiten películas. 

Pero una noche, dos ladrones de origen hispano irrumpen en su casa con una pistola. Hutch es encañonado a punta de pistola, exigiendo dinero, pero éste sólo les da su reloj, pero cuando intentan irse Blake salta sobre uno de ellos y Hutch , que con gran tranquilidad toma un palo de golf pero no hace el swing sobre la cabeza como cabía esperar o al menos como esperaba su hijo. 

Los ladrones se van sin causar daño no llevándose prácticamente nada. Todos piensan que Hutch es un cobarde. El incidente hace que Blake se aleje aún más de su padre, y todos en la vida de Hutch, desde su vecino hasta su cuñado en el trabajo, le preguntan por qué no trató de detener a los ladrones. y un fracasado por no pelear, pero él le revela a su hermano Harry ( al que tardaremos de ver en la película, un hombre de color , RZA) a través de una radio que estaba oculta en su oficina y explica que se contuvo porque los ladrones estaban usando un arma descargada. 

Cuando llega a la fábrica su cuñado Charlie Williams (Billy MacLellan ) , un bocazas y graciosillo que lo desprecia, le ofrece a Hutch un arma para protegerse y sobre todo para que defienda a su hermana, pero él la rechaza. 

Entre tanto, Hutch se ofrece a comprar el negocio de su suegro Eddie Williams (Michael Ironside) , pero Eddie lo considera una pobre oferta. 

La noche siguiente, la pequeña Abby se da cuenta de que falta su brazalete de gatitos, por lo que Hutch se propone encontrarlo. Sospechando que uno de los ladrones se lo llevó, recuerda haber visto un tatuaje en uno de ellos. 

Sin decir una palabra, va a ver a su anciano padre, David, y toma prestada su vieja placa del FBI y su pistola para localizar a los ladrones por el tatuaje que lo rastrea por distintos espacios donde se tatúan , pero no consigue localizarlos hasta un salón de tatuajes. Hutch localiza a los ladrones y exige que les devuelvan el brazalete, pero se marcha frustrado al darse cuenta de que no lo tienen y que probablemente estaban robando para pagar las facturas médicas de su bebé. 

Mientras viaja en un autobús de regreso a casa, un grupo de matones ebrios abordan el autobús y comienzan a acosar a una joven; Hutch sonríe y saca su frustración golpeándolos salvajemente a todos . Los rechaza en diferentes acometidas brutalmente. Sin que él lo sepa, el líder del grupo, Teddy (Aleksandr Pal ) , es hermano de Yulian Kuznetsov, un señor del crimen ruso que salvaguarda el dinero Obshchak de la mafia (un tesoro común utilizado - una especie de seguro de pensiones, para resolver disputas en la mafia rusa). Hutch le rompe la tráquea a Teddy aunque antes de irse le realiza una tosca cricotiroidotomía con una pajita para permitirle respirar, aunque cae en coma y luego muere a causa de sus heridas. 

Hutch regresa a casa y Becca lo venda. Parece conocer su pasado. Él le expresa sus frustraciones por vivir una vida mundana, antes de reafirmar su amor mutuo. Harry luego lo envía a ver a un hombre al que se hace referencia solo como "El Barbero» (Colin Salmon), quien le proporciona a Hutch información sobre una de sus víctimas: es el hermano menor de Yulian Kuznetsov 

Mientras tanto, Yulian (Aleksei Serebryakov)- comienza aquí la segunda mitad de la película- que vive como un bon vivant, con un club en el que es temido y respetado a la par, logra identificar y localizar a Hutch usando su tarjeta de metro caída, por lo que envía un equipo a su casa para capturarlo mientras chantajea a un funcionario del Departamento de Defensa de los Estados Unidos para descubrir el pasado de Hutch. 

Harry (el hermano de Hutch) llama a Hutch y le advierte sobre la conexión de Teddy con Yulian. Sugiere que consulte con The Barber o El barbero, el antiguo encargado del gobierno de Hutch. Cuando llega el equipo de captura, mientras la familia cena y habla de irse ese verano a Italia, Hutch al sentir lo que ocurre, esconde a su familia en un sótano / refugio aislado totalmente , y mata a la mayoría de los atacantes. Sin embargo, es inmovilizado por una táser eléctrica y se lo lleva el equipo ruso. Mientras lo transportan en la parte trasera de un automóvil, Hutch logra librarse de sus ataduras , busca y encuentra y luego vacía un extintor de incendios en el automóvil. El conductor choca, mata a todos los ocupantes y libera a Hutch. 

Hutch regresa a casa y revela que es un ex "auditor", un asesino empleado por la Comunidad de Inteligencia de los Estados Unidos. Mientras trabajaba como tal, Hutch cuando tenía que disparar a un objetivo en Italia por haber robado, le perdonó la vida al hombre que luego se reformó y vivió feliz en Boise (Idaho) con una nueva familia. 

Queriendo una vida similar, Hutch se retiró y se estableció. Hutch envía a su familia a un lugar seguro y recupera el oro y el dinero en efectivo que tenía escondidos. También encuentra el brazalete de Abby debajo del sofá, lo que había generado su reacción y luego quema su casa para deshacerse de los atacantes muertos en el sótano. 

Tras salir de la casa decide robar el Dodge Challenger de su vecino. Mientras tanto, dos asesinos intentan matar al padre de Hutch, David, en su casa de retiro, pero él es un agente retirado y los mata. Hutch usa su oro para comprar la fábrica de metales de su suegro y coloca trampas explosivas en todo el lugar. 

Luego Hutch quema la colección de arte de Yulian - llevándose una de Van Gogh-  y tras eso quema el dinero Obshchak de Yulian. Hutch visita a Yulian y se ofrece a poner fin a la pelea. Yulian también quiere salir porque no puede refinanciar todo Obshchak. 

Conociendo los planes de Yulian de retirarse, Hutch sugiere retirarse en una de las islas caribeñas menos conocidas, lejos de la mafia rusa, mientras Hutch recupera su vida. Sin embargo, Yulian y sus hombres persiguen a Hutch hasta la fábrica y, aun así, lo rodean. 

De repente, Harry y David llegan para ayudarlo y el trío mata a Yulian y a los mafiosos rusos usando una variedad de armas y trampas mortales que Hutch había instalado. 

Tras esto llega la policía- ante a David y a su "hermano" le ha dado tiempo de huir, y volvemos así a la escena inicial, pero de repente es liberado sin cargos tras una misteriosa llamada telefónica. 

Tres meses después, Hutch y su familia han vuelto a la vida normal y están comprando una casa nueva, cuando Hutch recibe una llamada insinuando que pueden haber más problemas en camino. En una escena posterior al crédito, se muestra a David y Harry portando armas en su caravana familiar, presumiblemente al otro lado de la frontera. 

La mayor parte del rodaje tuvo lugar en Los Angeles en septiembre de 2019.Luga la producción se traslado a la ciudad canadiense de Winnipeg, en Manitoba . La filmación duró 34 días. 

En cuanto a la crítica que, en general, fue positiva es digna de mención la de John DeFore, del The Hollywood Reporter, que elogió la "violencia agradablemente absurda" de la película y escribió: "Tomándose a sí misma mucho menos en serio que la serie Taken y sus predecesoras, es un juego de cumplimiento de deseos tan ridículo como cualquiera de ellos, pero más divertido que la mayoría. " 

Peter Travers de ABC News comenta que "[Odenkirk] es un actor tan sagaz y cautivador, que incluso cuando la trama se vuelve tonta, estás dispuesto a seguirle a cualquier parte". 

Owen Gleiberman de Variety sepregunta si "¿Es una buena película? No exactamente. Pero sus 90 minutos pasan volando y es un buen escaparate para Odenkirk (...) La trama es ridícula, pero la convicción de Odenkirk hace que funcione" 

Para Richard Roeper del Chicago Sun-Times lo que destaca es que "Lo más impresionante de todo es Odenkirk, que no parece ni suena en nada como una estrella de acción hasta que llega el momento de que Hutch se convierta en una estrella de acción. , y creemos totalmente que este tipo físicamente poco impresionante y normalmente de modales apacibles es un caldero de rabia hirviendo que podría tomar esa tetera y matarte con ella. 

Eric Kohn de IndieWire escribe que "Aunque es poco memorable, ofrece mucho entretenimiento en pequeñas dosis (...) No habría tanta fluidez entre sus frenéticas escenas de acción si este Odenkirk desaliñado no estuviera tan bien" 

Alonso Duralde de The Wrap señala que es "Una película de acción maravillosamente ágil, consistente e inteligente que sube el listón de un género que está dominado por clones de Liam Neeson." 

En la prensa británica Tim Grierson de Screendaily afirma que "Está tan bien ejecutada que sus elementos menos inspirados no molestan (...) Odenkirk demuestra que es una presencia interesante, manejando el humor con moderación" . 

Chris Hewitt de Empire sostiene que "Hay una cualidad caricaturesca, e incluso un toque de ligereza, en la violencia (...) Una de las películas de acción más puramente entretenidas de los últimos tiempos (…). 

Ya en España, Javier Ocaña en El País nos dice que es una "Violentísima película de acción (...) pequeña obra de cámara, escueta de tiempo y modesta en sus escenarios, que no obstante se eleva sobre su (aparente) sencillez como un placentero pasatiempo de salvaje creatividad." 

Quim Casas en las páginas de El Periódico señala que "Odenkirk sostiene la película y algunas de sus escenas de peleas (...) resultan muy vistosas. (...) es más comedia que 'thriller', más divertimento que densa película de acción. (…) " 

En Cinemanía, Irene Crespo, considera que "Odenkirk es muy creíble como ese don nadie (...) Los secundarios y hasta los malos también aportan diversión para que nos tomemos en serio a este nuevo don nadie con ganas de marcha. (…) " 

Y Pablo Vázquez en Fotogramas considera que es "Un oasis para aquellos que no creemos que la ficción pueda ayudarnos a ser mejores y mucho menos tenga la obligación de hacerlo. Cóctel adrenalítico aderezado con el mejor vitriolo (…)

El exorcista versión extendida

Hoy tocaba revisitar y ver este clásico que ya comenté por aquí y que me remite a la primavera del año 803 con un grupo de amigos fuimos a ver nuestro primer vídeo en Betamax y no se le ocurrió otra cosa que ver esta película que nos dio un pánico atroz. 

Vista con el tiempo esta película del año 1973 , en una entrada que titulé El miedo en Beta, remozada por el director en el año bajo el título The Exorcist; The Versión you haven'i seen yet . La razón se debe a que William Friedkin eliminó varias escenas del montaje inicial para reducir el metraje de la película a petición del estudio (y a espaldas de William Peter Blatty, escritor de la novela original y productor del filme), son 132 minutos de duración, frente a los 122 de las salas en su estreno y que es lo único que difiere de la original es un enorme prólogo del padre y arqueólogo en el norte de Irak coma así como algunos fragmentos intercalados, se suman al nuevo montaje supervisado Friedkin la famosa secuencia del llamado 'spider-walk' por las escaleras , pero además incluyó las primeras visitas de la niña al hospital, otra en la que los sacerdotes Karras y Merrin conversan en la escalera de la casa de la familia MacNeill, y una última que cambia el final con una especie de epílogo en el que el teniente de policía Kinderman conversa con el padre Dyer sobre la dualidad del bien y del mal. 

Pero la película no deja de ser la misma aquella que comienza en un yacimiento arqueológico del norte de Irak en concreto el niño donde un arqueólogo y jesuita descubre un yacimiento restos arqueológicos que se remiten a la eterna lucha del bien contra el mal, y que posteriormente el director nos lleva a un barrio tranquilo de Washington, donde vive unan actriz  (Ellen Burstyn) que están rodando bajo de la dirección de un director y amigo, pero que detesta como en su casa con todas las comodidades modernas, su joven hija de doce años, una inocente muchacha, comienza a sentirse mal y ni su madre ni los médicos pueden ayudarle. 

Desesperada, tras los infructuosos intentos de investigación por parte de todo un equipo médico, finalmente se decanta por el Consejo que un médico le da para que le ayude un sacerdote. Aunque ni ella ni sun hija son practicantes la madre temiendo que el mal rebase lo físico y le afecte a lo espiritual decide ponerse manos de un sacerdote de una parroquia cercana, que acaba de perder a su madre, el sacerdote Karras, que es además psiquiatra y profesor de universidad. 

Él, en principio, se niega a intervenir pero viendo de que el mal haya entrado en el cuerpo de la niña y que cuanto más duda él más poderoso se vuelve el mal en la niña, decide contar el caso a sus superiores pues considera que la niña está poseída por un demonio arcaico que trae el terror hasta su hogar familiar. 

En esta lucha será asistido por el sacerdote que conocimos al inicio de la película y que ambos intentarán realizar sobre su persona todas las directrices que estipula el código de exorcismos de la iglesia católica para expulsar al ente de su cuerpo. 

El cerebro de Frankenstein

Maravilloso producto de la Hammer, que llevaba por título Frankenstein Must Be Destroyed, de su década más gloriosa- los sesenta- brilla con luz propia porque lo tiene todo, todos los ingredientes y características propias del sello de Hammer, desde el sentido gótico hasta el rojo sangre, la firma de  Terence Fisher que vuelve a la saga tras “Frankenstein creó a la mujer” (1967) , la presencia de Peter Cushing, aquí acompañado de Freddie Jones, la modelo y actriz Veronica Carlson -fallecida en 2022- y Simon Ward, la morbosidad del tema ligado a uno de los clásicos, el Doctor Frankenstein, supongo, hasta las bellas y voluptuosas señoritas ceñidas en trajes y corpiños victorianos, el trabajo en los Estudios Elstree , el vestuario, la dirección artísticas, todo, en definitiva, un buen título buena lección para celebrar una noche de Halloween y un tipo de cine que ta no existe pero que es maravilloso. 

En este caso la Hammer Productions contó con el productor Anthony Nelson Keys que a su vez contó con un guionista como Bert Batt que partía de una historia del mismo Anthony Nelson Keys y del mismo Bert Batt basada a su vez en la obra de Victor Frankenstein de Mary Shelley. En el apartado técnico aparece Arthur Grant como responsable de la fotografía, Gordon Hales como editor y James Bernard como responsable de la banda sonora que contó con la dirección musical de Philips Martell. A destacar el papel del supervisor de Arte, Bernard Robinson.

La historia nos lleva a una lúgubre calle británica donde un médico es decapitado por un hombre enmascarado. Mientras esto ocurre un ladrón irrumpe en un laboratorio subterráneo precisamente donde el hombre enmascarado entra al laboratorio con la cabeza cortada . 

Al descubrir al ladrón se inicia una lucha entre el recién llegado y el ladrón, quien escapa horrorizado al ver la cabeza seccionada. Impetusamente el hombre se desenmascara y nos encontramos que se trata del barón Victor Frankenstein (Peter Cushing). 

El ladrón que huye ensangrentado es detenido mientras corría por la calle por un bobby es llevado a la comisaría para informar al inspector Frisch (Thorley Walters ) sobre el lugar en el que luchó al ver la cabeza cortada. Al personarse la policía en el lugar del robo únicamente ve que aquello puede ser obra de un doctor por el instrumental quirúrgico. 

Mientras todo esto ocurre Víctor, bajo el alias de Sr. Fenner, alquila una habitación en una pensión dirigida por una bella casera, Anna Spengler (Veronica Carlson ) . Poco antes hemos conocido al prometido de Anna, Karl Holst (Simon Ward ) , un joven médico que trabaja en un hospital psiquiátrico donde el ex asistente de Víctor y su principal colaborador, el Dr. Frederick Brandt (George Pravda) , está internado después de volverse loco. Junto a él hay otros muchos enfermos con delirios como una chica que no para de gritar (Colette O'Neil ) , así como personal de ayuda y otros asistentes. 

Victor no cae bien entre los cuatro residentes permanentes de Anna que comentan horrorizados la aparición de la cabeza en un laboratorio y critican la experimentación sin ética de algunos médicos. Victor , cuando escucha esto, les replica y les dice "Perdonen, no sabía que eran ustedes médicos". Respondiendo los cuatro "Es que no lo somos", sentenciando Victor con un "Perdonen de nuevo. Pensaba que sabían de lo que estaban hablando". para luego comentarles que no pueden ir contra los avances médicos. Los desprecia, simplemente, por su falta de progresismo. 

Poco después al llegar a casa, descubre que el novio de Anna , Karl, ha estado robando narcóticos para ayudar a la madre enferma de Anna. Ejerciendo su maldad sin fin , Victor revela su verdadera identidad y chantajea a Karl para que lo ayude a secuestrar a Brandt para poder obtener la fórmula secreta de su experimento. 

Mientras roban equipo de un almacén para el nuevo laboratorio de Víctor, el guardia atrapa a Karl y al barón. Karl entra en pánico y lo apuñala. Víctor, ahora tiene un control absoluto sobre Karl, así que lo usa a él y a Anna para secuestrar a Brandt. Por cierto, el trato hacia Anna por parte de Victor es cortés en las formas pero en el fondo vejatorio y humillante. 

Entre tanto vemos que el Doctor Brandt recibe puntualmente las visitas de su esposa, Ella Brandt (Maxine Audley) , aunque el profesor Richter le dice que ya no la reconoce puesto que se ha degradado en exceso. De cualquier manera, Ella afirma que volverá a visitarlo. 

Brandt, una vez secuestrado, es llevado a la casa de Anna y construyen un laboratorio en el sótano. Karl le confía a Anna que ha matado al guardia y le ruega que se vaya, temiendo que pueda ir a prisión por ser cómplice de un asesino, pero ella se niega. 

Mientras tanto, Brandt sufre un ataque cardíaco, lo que lleva a Victor y Karl a secuestrar al administrador del asilo, el profesor Richter (Freddie Jones) , para trasplantar el cerebro de Brandt a su cuerpo. Esa noche, mientras Anna se prepara para ir a dormir, Víctor entra a su habitación y la viola. 

El secuestro producido , así como el robo de ciertas herramientas para el laboratorio, lleva a la policía dirigida por el Inspector Frisch y asesorado siempre por el Doctor de la policía ( Geoffrey Bayldon) ha marcar un área en donde pueden realizar sus acciones los sospechosos. Éste acerca a la policía a la casa de Anna. Cuando los policías se personan en su casa con la llegada de un sargento (Windsor Davies) y dos números ( uno de ellos Allan Surtees ) no descubren nada en una casa patas arriba desde el momento que a Anna le ha dado tiempo en idear que está redecorando la casa y que en la misma no existe sótano, el espacio que sí usa el Doctor Frankenstein como laboratorio. 

Al día siguiente, Victor y Karl logran trasplantar el cerebro de Brandt al cuerpo de Richter y entierran el cuerpo de Brandt en el jardín. 

Mientras Anna calla, el Doctor Frankenstein sale a pasear y se compra un manojo de flores para la solapa. En eso es visto y casi reconocido por Ella, la esposa de Brandt, que poco después, ya en casa, reconoce es Víctor Frankenstein el que ha visto en la calle y le pregunta por el secuestro de su marido, antiguo socio. Víctor le asegura que ha curado la enfermedad mental de su marido pero aunque ve sus reacciones con la mano no la deja verlo pues tiene la cabeza tapada. 

Ella inicialmente lo cree , pero de inmediato Anna , Karl y Victor han levantado el laboratorio y su criatura y se han marchado a una casa en el campo. Ella con dudas va al día siguiente y descubre la casa vacía y el laboratorio desmantelado . 

Poco después acude a Frisch. Mientras la criatura se recupera, Víctor junto a Anna y Frank se han instalado en una casa solariega desierta, cuando la policía comienza a acercarse. En el laboratorio, la criatura se despierta y queda horrorizada por su apariencia. Asusta a Anna, quien lo apuñala y provoca su huida. 

Víctor regresa y descubre que la criatura se ha ido. Enfurecido, apuñala mortalmente a Anna y va tras la criatura. La criatura logra llegar a su antiguo hogar, pero su esposa se niega a aceptarlo como su marido. Queriendo vengarse de Víctor y sabiendo que el barón eventualmente lo rastreará hasta allí, deja que su esposa quede libre y vierte parafina por toda la casa. 

Víctor llega pronto, seguido por Karl. Dentro de la casa, la criatura hace fuego en todas las salidas de la casa para atraparlo. Víctor encuentra los documentos del descubrimiento y huye, pero Karl le tiende una emboscada y luchan. 

La criatura emerge, noquea a Karl y lleva a Víctor gritando a la casa en llamas, donde presumiblemente ambos mueren acabando así con las detrás de impresión de la película, mientras el incendio quema la mansión . 

El cerebro de Frankenstein fue la quinta de una serie de películas en la que la Hammer se centra en el barón Frankenstein, quien, en esta película, aterroriza a quienes lo rodean en un intento por descubrir los secretos de un antiguo socio confinado en un manicomio. 

Marcó la última película de la Warner Bros.-Seven Arts que se estrenará bajo Warner Bros. cuando la empresa fue adquirida por Kinney National Company. 

La escena en la que Frankenstein viola a Anna fue filmada a pesar de las objeciones de Peter Cushing y Veronica Carlson, y del director Terence Fisher, quien la detuvo cuando sintió que ya era suficiente. No estaba en el guion original, pero la escena se añadió ante la insistencia del ejecutivo de Hammer, James Carreras, quien estaba bajo presión para mantener contentos a los distribuidores estadounidenses. No olvidemos que nos movemos en los años finales de los sesenta. 

Las escenas que presentan a Thorley Walters como el inspector Frisch también fueron adiciones tardías al guion original; han sido descritos como innecesarios, agregando un elemento de comedia no deseado a la historia de suspenso y también haciendo que la película sea demasiado larga. 

En cuanto a la crítica en general la película fue valorada positivamente. Alan Jones de Radio Times consideró que la película "está adornada por una actuación incisiva de Peter Cushing, hasta sus viejos trucos como el barón realizando trasplantes de cerebro. Freddie Jones es asombroso como la víctima angustiada del trasplante, cuya esposa no lo reconoce y lo rechaza, lo que provoca un plan de venganza. La sangre gótica es dirigida una vez más con enérgica habilidad y economía por Terence Fisher (el cuarto en la serie)". 

En la revista Variety se señala que es " muestra bastante buena en su estilo modesto, con un trabajo artístico bastante mejor de lo habitual (telones de fondo menos obvios, etc.), un mínimo de diálogos sin arte, buenas lentes de Arthur Grant y un sólido reparto". 

Josh Vasquez de Slant consideró que es "Una de las mejores de las siete entregas del ciclo Frankenstein de Hammer". "un buen ejemplo de su tipo discreto, con ilustraciones bastante mejores de lo habitual (fondos menos obvios, etc.), un mínimo de diálogo sencillo, buena lente de Arthur Grant y un elenco sólido en todos los aspectos" 

Y en Time Out se destaca la labor del director al dexcir que "Fisher explota aquí una rica veta de romanticismo, convirtiéndola en el punto culminante de una serie que después degeneró en la descuidada autoparodia 'The Horror of Frankenstein', de Jimmy Sangster". 

El crítico Leslie Halliwell consideró que era "Una adición animada pero decididamente desagradable al ciclo, acentuada aún más por una nota genuina de patetismo". 

Y , finalmente, en el Monthly Film Bulletin calificóla película como "el horror más enérgico de Hammer en algún tiempo. Las crudezas aún persisten, por supuesto, pero las conversaciones sobre trasplantes y drogas parecen haber inyectado nueva vida a la historia del barón Frankenstein". 

Ya en España, Fausto Fernández en Twitter cuando X era Twitter señaló que " El radical ("progresista", que diría el barón) ciclo que la Hammer dedicó al doctor Frankenstein (Peter Cushing como nunca) no ha sido jamás superado. Y dentro de él se halla esta pieza cumbre". Palabra de faustianovich, un sabio.