viernes, 31 de enero de 2025

Vikingdom



Pocas veces he visto una película malaya en cuando producción, la desconocida productora KRU Studios - una productora de Malasia más conocida por su música que por películas- , pero si he visto alguna lo que menos podía esperarme es que se centrara en una historia tan alejadísima de su cultura, como la de los Vikingos , y que fuese un homenaje al Ccroma. 

Pues  bien, Vikingdom es una película de acción y fantasía de habla inglesa financiada por productoras de de Malasia y Estados Unidos dirigida por un desconocido para mi, Yusry Abdul Halim , autor de otras cintas de acción como ''The Malay Chronicles: Bloodlines'' y ''Cicak-man''. producida por Shireen M. Hashim, escrita por Abdul Halim y protagonizada por Dominic Purcell , Conan Stevens , Craig Fairbrass , Natassia Malthe y Jon Foo .

Basada en el folclore vikingo y los poemas que dejaron, Vikingdom es una película de acción y aventuras fantásticas sobre un rey olvidado llamado Eirick que fallece en una batalla, tras la cual su hermano es nombrado rey. 

Pero para sorpresa de todos el muerto está muy vivo pues es revitalizado por Frey (Jesse Moss), , ya que estaba enamorado y había tenido relaciones con Freija, su hermana en la deidad. Una vez recobrada la vida, a Eirick se le ordena a una misión imposible, derrotar a Thor , el dios nórdico del trueno , quien se ha vuelto un tirano despiadado y planea esclavizar a la humanidad.tiene la misión de reunir reliquias antiguas clave de la mitología nórdica: el Mjölnir , su martillo del Valhalla ; el collar de María Magdalena de Midgard ; y el cuerno de Helheim. 

Y esto último ha de recuperarlo y  ha de lograrlo  antes de que Thor y su ejército lo utilicen para conquistar el mundo y con ello consigo un siniestro evento del Eclipse de Sangre, o de lo contrario todos en el reino enfrentarán consecuencias nefastas. El hijo de Odín trata de asolar la tierra para erradicar la imparable influencia cristiana que desplaza a las viejas creencias. Si logra recolectarlos antes de un eclipse, desatará el caos en la Tierra. 



Eirick, crea una compañía y va acompañado de un grupo de guerreros, debe impedir este plan enfrentándose a dioses, monstruos y enemigos sobrenaturales. Eirick está acompañado por un grupo de guerreros: un rudo leñador como Sven (Craig Fairbrass), una hábil arquera como Brynn (Natassia Malthe), un maestro en las arte marciales perdido de nombre Yang (Jon Foo), un par de patanes musculosos, un joven impetuoso, un bardo, un mago excéntrico. Todos ellos comienzan una carrera a través de los mares y fantásticos reinos a fin de tomar un cuerno mágico para derrotar a Thor. 



Para conseguirlo Eirik tiene que descender a Helheim, el infierno vikingo y para hacerlo tiene que superar a un monstruo llamado Garm, encontrándose allí con su padre, ahora un muerto viviendo que dará su eterna vida por él, a pesar de que le dice que Eirick no es su hijo. 




Tras conseguir el cuerno y tras ser traicionado por el mago - él sabía que llevaba a un traidor en el grupo- Eirik se enfrenta en una lucha final con Thor, quien literalmente le dice que es su padre y que juntos pueden gobernar, pero no acepta su propuesta y en una lucha final en la que intervienen sus compañeros y se suman otros muchos , mueren gran parte de sus acompañantes y que , al final, será enterrados en una barca siguiendo la tradición vikinga.  

La película contó con Dominic Purcell -conocido por su papel en Prison Break como Lincoln Burrows- como Eirick, el londinense Craig Fairbrass como Sven, la noruega Natassia Malthe como Brynhild, Jon Foo como Yang, Conan Stevens como Thor - quien interpretó a Gregor "La Montaña" Clegane en Game of Thrones en la primera temporada. La película se estrenó en Malasia y Estados Unidos  en septiembre de 2013 y octubre de 2013 respectivamente.

Fue filmada en Malasia, utilizando pantallas verdes y CGI para recrear los escenarios de la era vikinga y tiene un enfoque visual estilizado, con un uso exagerado de efectos especiales, parecido a películas como 300 (2006). 

Aunque la historia se basa en la mitología nórdica, no sigue fielmente las leyendas originales, sino que toma licencias creativas para hacerla más espectacular aunque el espectáculo en su concreción es , simplemente, lamentable. 

Tras su estreno, Vikingdom fue un gran fracaso de taquilla con una recaudación de solo 550.000 dólares frente a un presupuesto de producción estimado de 15 millones de dólares y recibió una reacción crítica general pobre de los críticos.

Dennis Harvey, de Variety, comenta que la película es "vivaz y colorida, aunque de maneras que a menudo resultarán cursis para el público acostumbrado a películas más sofisticadas y caras". También señaló que el guión es "una serie de escenas de acción casi sin sentido [...] no exentas de humor", aunque el diálogo presentado "a menudo divierte sin querer". Concluye con la idea de "Esta fantasía de acción alegremente estúpida es un entretenimiento sin pretensiones". 



En otra crítica la que firma Alan Scherstuhl de Village Voice se dice que ""Los ejércitos digitales de la primera entrega de 'El hobbit' tienen más píxeles, pero 'Vikingdom' resulta el doble de divertida y con el triple de aventuras" 

Ya en España, Fausto Fernández comenta en X , antes Twitter, que la película tiene " Un montón de tipos peludos y anabolizados a la búsqueda del cuerno de Odín, tiene a Thor, al cuerno de Odín, bárbaros de tebeo y mucho look Juego de Tronos. También hora y media de ligera fantasía nórdica y de barbarie nórdica, muy influenciada por series televisivas harto reconocibles Menos cimmerianas o fantastique de lo deseable, y más juegotronescas de lo necesario" Y tiene " a un  Dominic Purcell, ese pedazo de bestia corrupia que nació para lucirse en exploits salvajes como este Vikindom". Y concluye diciendo si se ve vale, y si no , también vale. "

Se le criticó por su exceso de CGI, su guion confuso escrito por James Coyne y la falta de precisión histórica.

A pesar de las críticas, tiene un grupo de seguidores que la consideran una película de culto por su estilo exagerado y su enfoque en la fantasía épica. Fue comparada con producciones de bajo presupuesto tipo Asylum (la compañía que hace versiones baratas de blockbusters). La música fue de Edry Abdul Halim, mientras que la fotografía lo fue de Eric Oh. 

Por cierto  Thor es pelirrojo, lleva unos cascos ridículos y con cuernos. Las heridas que aparecen y desaparecen en el siguiente plano, maquetas de monstruos que pretenden causar terror, decorados cutres y posiblemente la peor colección de pelucas así como unas armas mágicas, como el martillo de Thor, que dan la impresión de haberse comprado en el todo a cien.




martes, 28 de enero de 2025

El coloso en llamas revisada



Recuerdo la  presentación de esta película que en inglés llevaba el título de The Towering Inferno en el cine, allá por el año 1974. Posiblemente cuando fui a ver Arabesco, una de Hércules o alguna parecida. Fue todo un bombazo. Era todo un paraíso de nombre propio y de actores y actrices de renombre. 

Fue el canto del cisne de algunos de ellos como Fred Astaire o Jennifer Jones, y por otras circunstancias, Steve McQueen. Para otros fue un salto más en su carrera, y eso que algunos estaban en el cénit de sus carreras como el caso de Paul Newman - este nunca bajaría del cénit, por cierto celebramos estos días su centenario- , Faye Dunaway u O.J. Simpson. 

La película estrenada un año antes de Tiburón (1975), fue uno de los primeros éxitos de taquilla con grandes efectos especiales, un reparto coral y un presupuesto ambicioso. Este espectáculo visual y de medios costó $14 millones, que en ese momento era una cifra considerable, y recaudó más de $100 millones en todo el mundo. Lo cierto es que la película de John Guillermin y de Irwin Allen, que participaba como productor, marcó un antes y un después en las películas de catástrofes. 

La historia es la consabida. En la noche de la inauguración el rascacielos más alto y lujoso del mundo situado en San Francisco consigue reunir a altas personalidades de la política y de la sociedad. Sin embargo, lo que parecía ser una velada tranquila y exitosa se convierte en un auténtico desastre al producirse un cortocircuito. La vidas distintas personas se entremezclan en esta trágica situación, llegando algunas a fallecer con independencia de quienes fuesen o no una estrella. 

Para resaltar únicamente decir que a lo largo del fin hay algunas bajas entre estos conocidos y entre ellos están la señora Mueller, Lisonette, que es casi una irreconocible Jernnifer Jones; el que hace de ingeniero eléctrico, Roger Simmons, el ingeniero eléctrico, Richard Chamberlain ; junto a este muere el senador estadounidense Gary Parker, que estuvo interpretado por Robert Vaughn ; y el personaje que interpreta Robert Wagner , Dan Bigelow, el oficial de relaciones públicas y con él, la chica con la que tiene una aventura, Lorrie Sheila,o sea, Susan Flannery. Igualmente muere Carlos, el camarero, interpretado por Gregory Sierra 

El listado de los que se salvan en amplio. Lo encabeza Paul Newman como Doug Roberts, el Arquitecto; Steve McQueen como Michael "Mike" O'Halloran, como el Jefe del bomberos , William Holden como James "Jim" Duncan, el Constructor; Faye Dunaway como Susan Franklin, la prometida de Doug Roberts; Fred Astaire como Harlee Claiborne, el estafador que coquetea con la señora Mueller; Susan Blakely como Patty Duncan Simmons, hija de James Duncan y yerno de Duncan ; OJ Simpson como Harry Jernigan, el Oficial Jefe de Seguridad. A estos se le suman Matthews Allen como Paula Ramsay, Norman Burton como Will Giddings, ingeniero eléctrico; Jack Collins como el alcalde Robert "Bob" Ramsay; Don Gordon como Kappy, el capitán de Bomberos; Felton Perry como Scott, otro bombero; Ernie Orsatti como Mark Powers, otro de los bomberos; Dabney Coleman como el Jefe Adjunto de ls bomberos; Elizabeth Rogers como una de las señoras; Ann Leicester como invitado; Norma Grabowski como el jefe de la Armada de rescate aéreo; Ross Elliott como el jefe Adjunto de los bomberos; Olan Soule como Johnson; la familia formada por Carlena Gower como Angela Allbright, Mike Lookinland como Phillip Allbright y Carol McEvoy como la señora Allbright - aunque yo creo que ella muere- ; Scott Newman como el joven bombero; Paul Comi como Tim; George Wallace como el Oficial Jefe; Patrick Culliton como Técnico, William Bassett como un agente de venta; John Crawford como Callahan; Erik Nelson como Wes; Art Balinger como el locutor. Se suman Norman Hicks como piloto, Thomas Karnahan como copiloto, Maureen McGovern como la cantante en la fiesta y William Traylor como Bill Harton, el guardia de seguridad. Algunos de estos últimos caen caen a lo largo de la película pero es difícil precisar.  

Son varios los detalles relevantes o curiosos de la película como la rivalidad entre Steve McQueen y Paul Newman, ya que ambos eran dos de las mayores estrellas de Hollywood en ese momento, y ambos querían el papel principal. Para evitar conflictos, los productores hicieron algo inusual: les dieron exactamente la misma cantidad de líneas de diálogo y ajustaron los créditos para que sus nombres aparecieran a la misma altura. También hicieron que McQueen, cuyo personaje aparece más tarde en la película, tuviera un papel igual de heroico que el de Newman. 

Otro detalle es que está basada en dos novelas distintas debido a que la película se inspiró en The Tower de Richard Martin Stern y The Glass Inferno de Thomas N. Scortia y Frank M. Robinson. Warner Bros. y 20th Century Fox habían adquirido los derechos de cada una por separado, pero decidieron unirlas en un solo guion para maximizar el impacto. 

La producción trabajó con bomberos reales para garantizar la autenticidad de las escenas de rescate. Steve McQueen, que interpretaba al jefe de bomberos, incluso pasó tiempo con equipos reales para estudiar sus movimientos y lenguaje. Su famosa frase en la película, "You know, we were lucky tonight. The body count could have been much higher.", fue agregada tras conversaciones con bomberos sobre incendios en edificios altos. 

Y por último, destacar los efectos especiales y los efectos visuales que fueron muy avanzados para la época: se usaron llamas reales, miniaturas detalladas del edificio y técnicas de cámara innovadoras para crear la sensación de peligro. El trabajo de los especialistas fue especialmente arriesgado, con actores y dobles filmando entre fuego real en varias escenas. 

Ha sido hoy la última "intro" que hacía Gerardo Sánchez en Días de Cine...Clásico, cualquiera sabe el por qué de su eliminación. Sus intros eran una marca de calidad para descubrir lo que emitían. No se entiende su omisión a partir de febrero. Sabios tiene la Iglesia, pero no entre los dirigente de RTVE. Para saber más, mucho más, en el enlace.



Twister revisada



En días pasados he visto un documental sobre las películas norteamericanas más representativas de la década de los noventa. Han sido muchas las que se han referenciado y de todos los temas y géneros, aunque , ahora que caigo, apenas ha aparecido en ellas como representativo el cine de acción y aventuras, que en los setenta podías identificarlo como cine de catástrofes: Si hubiesen identificado este tipo de género creo que sin duda películas como Twister de Jan de Bont o Speed del mismo director tendrían, al menos, que haber sido mencionadas. Pero no, siendo un documental de la CNN priorizaron por ejemplo el cine realizado por mujeres o por directores de la comunidad afroamericana, o incluso, independiente, antes que el cine de acción y aventuras que tantos espectadores lleva al cine. Sabios tiene la Iglesia, decían. 

La película que me trae hoy aquí es una revisión, la de Twister y es del año 1996. Fue dirigida por Jan de Bont y que junto con el guion de Michael Crichton, y de la que entonces era su esposa, Anne Marie Martin fueron los responsable de este éxito en taquilla. Porque Twister fue un enorme éxito de taquilla que alcanzó los $495.7 y estuvo nominado en los Oscar al mejor sonido y a lo mejor efectos especiales y que ganó el BAFTA a los mejores efectos visuales. 

Ya comenté que cuando estuve en Flagstaff (Arizona) me levanté y mientras desayunaba me quedé entre embobado y paralizado pues en la televisión hablaban de los tornados que estaban recorriendo el famoso "corredor"  de tornados, que se cebaba tradicional con los estados de Kansas y Oklahoma. Me remitían todos ellos a los rayos y truenos que vi, días antes desde la piscina de mi hotel en Las vegas , pues se desató una tormenta enorme sobre el desierto que rodea esta ciudad de Nevada. Pero , afortunadamente, no me vi, durante los días del recorrido por el oeste estadounidense afectado por ninguna inclemencia atmosférica, salvo por mi propia incompetencia como conductor.

Volviendo a la película decir que fue producida por Crichton, Kathleen Kennedy e Ian Bryce, con Steven Spielberg, Walter Parkes, Laurie MacDonald y Gerald R. Molen como productores ejecutivos que intervenían a través de la Warner Bros., la Universal Pictures y Amblin Entertainment. Manejaron un presupuesto cercano a los $88–92. Como ya he dicho Twister fue la segunda película más taquillera de 1996, solo detrás de Independence Day. Recaudó casi $500 millones en todo el mundo y sigue siendo una de las películas de desastres más recordadas. Fue una de las primeras películas en utilizar CGI de manera intensiva para crear tornados realistas. Los efectos, desarrollados por Industrial Light & Magic, fueron innovadores para la época y marcaron un antes y un después en la representación de desastres naturales en el cine. 

La película comienza en junio de 1969. Vemos una granja de Oklahoma y en ella a una chica joven, Jo Harding, que está con sus sus padres y su perro en casa. Cuando padre escucha la televisión se informa de la presencia de grandes tornados en la zona. Al salir a la calle , aunque ya ha anochecido percibe que algo gordo va a pasar sacando a su familia de casa. Todos se refugian de un tornado F5 que, sin piedad y con una brutalidad suma, destruye su granja y mata al padre de Jo mientras intenta asegurar la puerta de su sótano.  Jo, la niña de cinco años que vio con su padre moría arrastrado por un tornado quedará marcada de por vida por lo acontecido. 

En la actualidad, veintisiete años después, Jo es una meteoróloga de la Universidad estatal de Muskogee que ha construido unos aparatos capaces de estudiar la estructura de los tornados desde dentro, para así poder crear un sistema de alerta más eficaz. Jo vive obsesionada con los tornados y lidera un equipo de cazadores de tormentas. 

Con su máquina está y con su equipo cuando se persona su ex marido, Bill, un ex cazador de tormentas convertido en meteorólogo de la televisión, y que viaja a Oklahoma con su prometida Melissa para obtener la firma de Jo en sus papeles de divorcio. 

Se llevan relativamente bien, pero cuando Jo le muestra a Bill la "Dorothy" , un dispositivo que contiene cientos de pequeños sensores meteorológicos que él conceptualizó se impresiona ya que Dorothy podría revolucionar la investigación sobre tornados y potencialmente proporcionar un sistema de advertencia de tormentas más temprano.

El pensó en su momento el montador, pero verlo así le alucina. Eso sí, el sabe que ese dispositivo debe desplegarse peligrosamente cerca de un tornado para que funcione. 

Cuando le hace entrega de los papeles del divorcio, el equipo de Jo insta tanto a ella como a Bill a apresurarse a perseguir una tormenta en desarrollo. Tan atenta está a ello que Jo no firma los papeles, lo que obliga a Bill y Melissa a seguirlos. 

Bill pronto se entera de que mpeteidor en la universidad, Jonas Miller, un cazador de tormentas rival y ex colega con financiación corporativa, ha robado su idea de su propio dispositivo similar a Dorothy, Dot3, con planes de implementarlo primero y reclamar el crédito por su diseño. Enfurecido, Bill acepta acompañar a Jo y al equipo durante un día para lanzar a Dorothy. 

Mientras el equipo persigue un tornado en desarrollo, Bill conduce el camión de Jo hacia una zanja, intentando ponerse delante de la ruta de daños. Sin embargo, el tornado se fortalece y se convierte en un F2, y después de destruir un granero, acorrala al camión frente a un puente. 

Jo y Bill se refugian debajo del puente mientras el tornado destruye el vehículo y uno de los cuatro prototipos de Dorothy. 

Con más tormentas en desarrollo, Bill lidera al equipo en su propio camión y persigue un tornado F2 de alta gama. Se encuentran con el equipo de Jonas justo cuando Bill predice un cambio en la ruta del tornado y desvía su curso. 

El equipo sigue al F2 con un grupo de mangas marinas en el lago Kaw, y una de ellas desarrolla otro vórtice, que hace girar el camión antes de desaparecer. Jo y Bill están eufóricos por la emoción, pero Melissa queda traumatizada en el proceso. 

El equipo visita a la tía de Jo, Meg, en la cercana Wakita para descansar y comer sus famosas chuletas con patatas conocidas y veneradas por todo el grupo. Mientras comen, Dusty, un miembro del equipo de Jo, le cuenta historias sobre la loca carrera pasada de Bill como cazador de tormentas a Melissa, pero Bill afirma que había matado su antigua personalidad. 

Pero en la televisión dan información sobre lo que se avecina y el equipo se apresura a perseguir un tornado que se estaba formando. Jo y Bill interceptan un F3 con movimientos impredecibles, y pronto derriba cables eléctricos que aplastan a Dorothy II. 

Con el camión dañado, Bill los obliga a retirarse, pero Jo sufre un colapso emocional por el fracaso y se desahoga sobre sus motivaciones y la muerte de su padre. Bill admite sus sentimientos por Jo, sin saber que Melissa los está escuchando a través de la radio CB. 

El equipo pasa la noche en Fairview para reparar sus vehículos, mientras Jo firma los papeles. Un tornado nocturno F4 aparece inesperadamente y obliga al equipo y a los demás a refugiarse en un garaje cerca de un autocine. El tornado destruye el garaje y dos vehículos del equipo como resultado de los escombros arrojados y hiere a varias personas antes de continuar hacia Wakita. 

Antes de que el equipo se apresure a llegar allí, Melissa termina su relación con Bill, animándolo a reunirse con Jo. 

Las sirenas de tormenta de la ciudad suenan casi al momento con muy poco tiempo de advertencia antes del tornado, y eso que había bastantes personas viendo El resplandor de Kubrick. Lo cierto es que el tornado deja a Wakita en ruinas y arrasa la casa de la tía Meg, aunque el equipo puede rescatarla tanto a ella como a su perro que son sacados de una casa en ruinas. 

El Laboratorio Nacional de Tormentas Severas pronostica que un tornado potencialmente récord se formará al día siguiente. Inspirados por las esculturas de veletas de la tía Meg, Bill y Jo agregan "alas" de aluminio a los dos últimos sensores prototipo de Dorothy, haciéndolos más aerodinámicos. 

Tal como se había pronosticado, al día siguiente se forma un tornado F5 de una milla de ancho y el equipo lo persigue. Bill y Jo intentan colocar a Dorothy III en su camino; sin embargo, el dispositivo es derribado y destruido por un árbol en el aire. 

Mientras tanto, Jonas intenta desplegar Dot3, ignorando las advertencias de Bill y Jo de que el tornado está cambiando de dirección y se dirige directamente hacia ellos. El tornado arrastra el camión de Jonas, matándolo a él y a su conductor. 

Con la última Dorothy restante fijada a la plataforma del camión, Bill y Jo conducen directamente hacia el tornado, luego saltan, sacrificando el camión de Bill para asegurarse de que Dorothy IV pueda liberar sus sondas en la cuña. 

La apuesta tiene éxito, ya que las sondas de Dorothy IV de inmediato proceden a informar dando datos científicos inmediatos, pero sin su camión, Jo y Bill se ven obligados a correr mientras el tornado se desplaza hacia ellos. 

Dentro de una estación de bombeo cercana, se atan a tuberías profundas. A medida que el edificio se desgarra, el núcleo del F5 pasa sobre ellos. Después de que el tornado se disipa, el equipo celebra su éxito y Jo y Bill se reconcilian.  

Y hasta aquí la película. El rodaje fue extremadamente complicado. Se usaron potentes ventiladores, aviones de hélice y cañones de aire para simular los vientos violentos, lo que resultó en lesiones para el elenco. Helen Hunt y Bill Paxton sufrieron daños en los ojos por las luces ultravioleta usadas para simular tormentas. Además, en una escena, un equipo de luces cayó y casi golpea a Hunt.

Durante la producción, hubo varios incidentes extraños como que un equipo de cámaras fue alcanzado por un rayo; como que Jan de Bont, el director, tenía un temperamento fuerte y en un ataque de ira arrancó una puerta de una furgoneta; y como que hubo múltiples accidentes y lesiones en el set. Si bien la película exagera algunos aspectos del estudio de tornados, se basó en proyectos reales como VORTEX, que investigaba la estructura de los tornados. Además, inspiró el desarrollo de Dorothy, un dispositivo de monitoreo de tornados basado en el TOTO real (Totable Tornado Observatory).

La música de Twister fue un gran éxito y combinó rock y country con temas instrumentales de Mark Mancina. Incluyó canciones de Van Halen, Tori Amos y R.E.M., y la canción "Humans Being" de Van Halen se hizo famosa gracias a la película. 

La película cuenta con Helen Hunt y con Bill Paxton, que encabezaron el reparto de este filme . Ellos tenían una dinámica tensa en pantalla, lo que funcionó bien para la historia. También contó con un joven Philip Seymour Hoffman en un papel secundario como Dusty, uno de los personajes más carismáticos. La película contó igualmente con la interpretación de Cary Elwes, Kami Gert, Lois Smith, Alan Ruck y Sean Whalen entre otros

Twister fue producida por Amblin Entertainment de Steven Spielberg, con el respaldo financiero de Warner Bros. y Universal Pictures. A cambio, Warner Bros. recibió los derechos de distribución en Norteamérica, mientras que la empresa de distribución conjunta de Universal, United International Pictures (UIP), obtuvo los derechos de distribución internacional

El argumento no era un guion, sino un clip de prueba de concepto de los efectos visuales de Industrial Light & Magic, realizado completamente con imágenes generadas por computadora y que mostraba una camioneta que se dirigía hacia un tornado que detenía un tractor, con uno de sus neumáticos rompiéndose y destrozando el parabrisas del camión. ILM asignó a Stefen Fangmeier como supervisor de efectos por su experiencia con tornados, habiendo ayudado a crear simulaciones mientras trabajaba con cazadores de tormentas en el Centro Nacional de Aplicaciones de Supercomputación


Spielberg fue el primero en dirigir el proyecto, y directores como James Cameron, John Badham, Tim Burton y Robert Zemeckis también estuvieron en conversaciones para dirigir la película antes de que Jan de Bont firmara para Twister después de dejar Godzilla debido a diferencias creativas. De Bont fue invitado por Spielberg después del éxito de su debut como director, Speed, que se estrenó en 1994, tras una larga carrera como director de fotografía, y describió el proyecto como "un cuento de hadas de los hermanos Grimm donde el monstruo sale de nubes oscuras"

Michael Crichton y su esposa y coautora, Anne-Marie Martin, recibieron 2,5 millones de dólares por un guion, que comenzó a escribirse en enero de 1994. Crichton dijo que las dos bases para el guion eran un documental de la televisión pública de los Estados Unidos - la PBS- sobre cazadores de tormentas y la trama de la comedia romántica His Girl Friday, donde un editor de periódico y su ex, que está comprometida con otro hombre, hacen un último trabajo juntos. 

Dos guionistas demandarían más tarde a los estudios alegando que Twister fue sacada de sus ideas: Daniel Perkins, cuyo guion Tornado Chasers trataba sobre el uso de tornados como armas por parte de los militares y se conformó con una cantidad no revelada; y Stephen B. Kessler, autor de un guion sobre cazadores de tormentas en Oklahoma llamado Catch the Wind, y cuyo caso fue finalmente desestimado. Dorothy, que hace referencia a la protagonista del Mago de Oz que se la lleva por el áire un tornado en Kansas,  se inspiró en TOTO, un dispositivo con forma de barril instrumentado que se utilizó para investigar tornados en la década de 1980.

De Bont presionó para que el diálogo fuera "muy enérgico" para reflejar la emoción experimentada por los cazadores de tormentas, y agregó que el diálogo "se vuelve muy forzado muy rápidamente" si no "avanza y se energiza en el mismo patrón que la acción", al tiempo que alentaba al elenco a improvisar sus líneas. También intentó reducir la cantidad de escenas de establecimiento y exposición "que hacen que una película sea casi inmediatamente menos interesante" al tiempo que sentía que "las cosas se explicarán por sí solas a medida que sigas viéndola", pero el estudio insistió en ello.

En los momentos explicativos, se hizo hincapié en el personaje de Melissa, que sirvió como sustituto de la audiencia dado que no tenía experiencia en la persecución de tormentas

Helen Hunt fue la primera opción de De Bont para interpretar a Jo Harding, y aunque el estudio se mostró reacio debido a su falta de papeles importantes en películas, insistió, considerándola una buena actriz que podía cumplir con las exigencias físicas del papel. Hunt inicialmente no estaba interesada, declarando que "simplemente no sabía qué podía aportar realmente en cuanto a actuación", pero cambió de opinión después de almorzar con De Bont y Spielberg en las oficinas de Amblin.

Tom Hanks leyó para el papel de Bill Harding, pero rechazó la película y sugirió que Paxton intentara el papel.  

De Bont quería que el equipo de cazadores de tormentas se pareciera al que conoció durante la preproducción, un equipo de estudiantes de posgrado de la Universidad de Oklahoma. de hecho , el Laboratorio Nacional de Tormentas Severas en Norman, Oklahoma trabajó en estrecha colaboración con la producción, capacitando al equipo en seguridad climática, permitiendo que los actores visitaran sus instalaciones y los acompañaran en una persecución de tornados, y brindando consultas sobre el guion que incluían descartar un tornado imposible que duraría un día y medio para, en cambio, optar por un brote de tornados, que podría golpear en cualquier lugar, en cualquier momento, en cualquier ubicación y con diferentes magnitudes. 

La producción estuvo plagada de problemas; Joss Whedon fue contratado para reescribir el guion hasta principios de la primavera de 1995. Cuando Whedon contrajo bronquitis, trajeron a Steven Zaillian para trabajar en las revisiones. Whedon regresó más tarde y trabajó en las revisiones hasta el inicio del rodaje en mayo de 1995, luego abandonó el proyecto después de casarse. 

Dos semanas después de la producción, Jeff Nathanson fue trasladado en avión al set y trabajó en el guion hasta que terminó la fotografía principal.  Entre los cambios, Hunt se quejó de que las interacciones de Jo y Melissa eran "algo maliciosas entre sí", lo que la llevó a decirles a los productores "Eso no va a ser divertido de interpretar ni de ver. No estoy segura de si quiero hacer eso". 

Después del atentado de Oklahoma City el 19 de abril de 1995, se suspendió el rodaje de Twister mientras el elenco y el equipo trabajaban con los esfuerzos de socorro. El rodaje se iba a realizar originalmente en California, pero De Bont insistió en que la película se rodara en locaciones de Oklahoma. El rodaje se realizó en todo el estado; varias escenas, incluida la escena inicial donde los personajes se conocen y la primera persecución del tornado en la camioneta Jeep, se filmaron en Fairfax y Ralston, Oklahoma

La ​​escena en el taller de reparación de automóviles se filmó en Maysville y Norman. Las escenas de la tromba marina se filmaron en el lago Kaw cerca de Kaw City. 

La escena del autocine se filmó en un autocine real en Guthrie, aunque algunas escenas, como la habitación de hotel de Melissa, se filmaron en Stillwater cerca del campus de la Universidad Estatal de Oklahoma. 

La ciudad real de Wakita (que es la ciudad natal del personaje de Lois Smith, Meg, en la película) se utilizó durante el rodaje, y una sección de la parte más antigua de la ciudad fue demolida para la escena, que muestra las consecuencias del tornado F4 que devasta la ciudad. Esta ubicación fue seleccionada después de que los exploradores descubrieran restos de una gran tormenta de granizo que ocurrió dos años antes, en junio de 1993. La mayoría de los residentes se inscribieron como extras y se les pagó $ 100 por día. 

Se filmaron escenas adicionales y B-roll cerca de Ponca City y Pauls Valley, entre varias otras ciudades agrícolas más pequeñas en todo el estado. Sin embargo, debido al cambio de estaciones que transformó enormemente el aspecto de la topografía de Oklahoma, el rodaje se trasladó a Iowa. 

La escena culminante con el tornado F5 se filmó casi en su totalidad alrededor de Eldora, Iowa, con el campo de maíz por el que corren los personajes ubicado cerca de Ames. 

Como ya hemos comentado a mitad de la filmación, tanto Paxton como Hunt quedaron cegados temporalmente por unas lámparas electrónicas brillantes que se usaron para hacer que el cielo detrás de los dos actores pareciera oscuro y tormentoso. Paxton recuerda que "esas cosas literalmente nos quemaron los ojos. Cuando volví a mi habitación no podía ver". Para resolver el problema, se colocó un filtro de plexiglás delante de las vigas. Los actores tomaron gotas para los ojos y usaron gafas especiales durante unos días para recuperarse. 

Después de filmar en una zanja particularmente insalubre (para la primera escena de persecución de tornados, en la que Bill y Jo se ven obligados a refugiarse de un tornado F1 que se acerca bajo un puente corto), Hunt y Paxton necesitaron vacunas contra la hepatitis. Durante la misma secuencia, Hunt se golpeó la cabeza repetidamente contra un puente bajo de madera y estaba tan agotada por el exigente rodaje que se levantó rápidamente y se golpeó la cabeza contra una viga. 

Durante una escena de riesgo en la que Hunt abrió la puerta de un vehículo que pasaba a toda velocidad por un campo de maíz, soltó la puerta momentáneamente y la puerta la golpeó en un lateral de la cabeza. Algunas fuentes afirman que sufrió una conmoción cerebral en el incidente. De Bont dijo: "Quiero a Helen hasta la muerte, pero sabes, ella también puede ser un poco torpe". Ella respondió: "¿Torpe? El tipo me quemó las retinas, pero soy torpe... Pensé que era una buena deportista. No sé en última instancia si Jan me atribuye eso o no, pero uno esperaría que así sea"

Jo y Bill dentro del tornado F5 se filmaron haciendo rodar el set en un cardán para que el suelo quedara en el techo mientras Hunt y Paxton colgaban de una barra de metal, y luego el metraje se volteó al revés para que pareciera que estaban siendo succionados hacia arriba por la tormenta. El mal tiempo fue frecuente durante la producción, con tormentas de granizo, relámpagos, inundaciones y barro.

Algunos miembros del equipo, sintiendo que De Bont estaba "fuera de control", abandonaron la producción cinco semanas después de comenzar el rodaje. El equipo de cámaras dirigido por Don Burgess afirmó que De Bont "no sabía lo que quería hasta que lo vio. Filmaba en una dirección, con todo el equipo detrás de la vista de la cámara, y luego quería filmar en la otra dirección de inmediato y teníamos que mover [todo] y se enojaba porque nos demorábamos demasiado... y siempre era culpa de los demás, nunca suya". De Bont afirma que tuvieron que programar al menos tres escenas cada día porque el clima cambiaba muy a menudo, y "Don tuvo problemas para adaptarse a eso". Cuando De Bont, en un ataque de ira, tiró a una zanja a un asistente de cámara que no había captado una señal y se negó a disculparse, Burgess y su equipo abandonaron el set, para gran sorpresa del elenco. Permanecieron en su lugar durante una semana más hasta que el equipo de Jack N. Green aceptó reemplazarlos. 

Después del incidente, Spielberg voló enojado a Oklahoma para amonestar a De Bont por su comportamiento. 

Dos días antes de que terminara el rodaje principal, Green resultó herido cuando un decorado hidráulico de una casa (usado en la escena en la que Jo y Bill rescatan a Meg y a su perro Mose de su casa destruida en Wakita), diseñado para derrumbarse en el momento justo, se activó por error con él dentro. Un techo manipulado lo golpeó en la cabeza y le lastimó la espalda, lo que requirió ser hospitalizado. De Bont asumió como su propio director de fotografía para las tomas restantes. 

Debido a que los cielos nublados no siempre estaban disponibles, De Bont tuvo que filmar muchas de las escenas de persecución de tornados de la película a plena luz del sol, lo que requirió que Industrial Light & Magic (ILM) duplicara su plan original de 150 tomas de "reemplazo digital del cielo".

Originalmente, se le dio una fecha límite al rodaje para permitir que Hunt regresara a filmar la cuarta temporada de su comedia de NBC Mad About You, pero cuando el rodaje se extendió más de lo previsto, el creador de la serie y actor Paul Reiser acordó retrasar la producción del programa durante dos semanas y media para que Twister pudiera terminar de filmar. 

De Bont insistió en usar múltiples cámaras, lo que llevó a la exposición de 1,3 millones de pies (400.000 m) de película, en comparación con el máximo habitual de 300.000 pies (91.000 m). El equipo utilizó un motor de avión Boeing 707 y ventiladores más pequeños para generar viento durante toda la película Las camionetas siguieron a los vehículos de los actores para arrojar escombros, incluidos trozos de hielo para simular granizo, hechos con una máquina de hielo importada de un estado vecino, ya que Oklahoma carecía de ellos.

Ford Motor Company intentó obtener la F-150 de 1997 como el vehículo principal de la película, pero fueron superados por Chrysler y su Dodge Ram. Se proporcionaron cinco Rams, una de las cuales era un prototipo para ser utilizado en escenas en las que el vehículo sufría daños importantes, y las camionetas atravesaron 20 parabrisas al romperse por los escombros que volaban. Chrysler también proporcionó ocho minivans Dodge Caravan.

La escena en la que un tornado deja caer tractores en el camino de la camioneta de los protagonistas se logró arrojando las cosechadoras desde helicópteros a la carretera y filmando con lentes más largas para hacer que la distancia pareciera muy cercana cuando en realidad estaban a 20-30 pies (6,1-9,1 m) de distancia.

De Bont afirmó que Twister costó cerca de $ 70 millones, de los cuales $ 2-3 millones fueron para el director. Se cree que las repeticiones de rodajes de último minuto en marzo y abril de 1996 (para aclarar una escena sobre Jo cuando era niña) y los requisitos de horas extras en posproducción y en ILM elevaron el presupuesto a 90 millones de dólares.

Durante la posproducción de Twister, Spielberg se hizo cargo de las tareas de dirección de Minority Report en lugar de The Haunting, que finalmente fue dirigida por De Bont.

Los tornados de la película se crearon con animación por computadora. El experto en sistemas de partículas Habib Zargarpour utilizó el software Dynamation para desarrollar la base de los tornados digitales, que consistían en millones de partículas diminutas que formaban una nube en forma de embudo que giraba y se movía rápidamente, que Zargarpour comparó con el hecho de juntar pequeñas bolas de helado. Para componer los efectos de sonido de estos tornados, De Bont había grabado una variedad de efectos de sonido combinados, incluidos rugidos de león, gruñidos de tigre, gemidos de camello y silbidos de motores a reacción.

Otros efectos especiales que fueron animados con CGI incluyeron postes telefónicos, árboles, camiones, tractores y casas enteras. La vaca CGI fue construida a partir de una cebra CGI de la película Jumanji de 1995. 

Twister se estrenó en cines en mayo de 1996 por Warner Bros. Pictures en Estados Unidos y Canadá e internacionalmente por Universal Pictures a través de United International Pictures, y recaudó $ 495,7 millones en todo el mundo, convirtiéndose en la segunda película más taquillera de 1996; vendió aproximadamente 54,7 millones de entradas en los Estados Unidos. 

Recibió críticas generalmente positivas de los críticos y recibió nominaciones al Oscar a los mejores efectos visuales y mejor sonido. En los BAFTA de 1997 fue la  ganadora Mejores efectos especiales visuales (Stefen Fangmeier, John Frazier, Henry LaBounta, Habib Zargarpour) .

En los Satellite Awards fue nominada a los Mejores efectos visuales (Stefen Fangmeier) y en las  17 Edición de los Premios Razzie la ganadora a Peor actriz secundaria fue Jami Gertz y también a la Peor película escrita con recaudación superior a los 100 millones de dólares.

En los Premios Saturn fue nominada a la Mejor película de acción / aventuras  a la  Mejor actriz (Helen Hunt), al Mejor actor (Bill Paxton) , a los Mejores efectos especiales (Stefen Fangmeier, John Frazier, Habib Zargarpour, Henry LaBounta).

En cuanto a los críticos destacar la crítica del columnista del Chicago Sun Times, Roger Ebert que sobre ella escribió: "Como drama, Twister reside en la Zona. No tiene tiempo que perder en personajes, situaciones, diálogos y matices. Las escenas dramáticas son acciones que se mantienen entre tornados. Sin embargo, como espectáculo, Twister es impresionante. Los tornados son grandes, ruidosos, violentos e impresionantes, y se ven geniales" Y añadió que "No tiene el ingenio de 'Speed', pero sí su energía (...) Está repleta de principio a fin de efectos especiales, y todos resultan convincentes (…) " 

En su reseña para The New York Times, Janet Maslin escribió: "De alguna manera, Twister se mantiene tan animado y exuberante como una montaña rusa, evitando cuidadosamente la idea del peligro real". Y en la misma columna Janet Maslin  defendía que "Jan de Bont, quien también dirigió 'Speed', mantiene el alucinante ritmo de aquella película invocando aquí tantos ecos de las aventuras cósmicas de Steven Spielberg como es capaz." 

En Entertainment Weekly Lisa Schwarzbaum escribió: "Sin embargo, las imágenes que más permanecen en mi memoria son las de ganado azotado por el viento. Y eso, en una taza de té, resume todo lo que está bien y lo que está mal en este primer éxito de taquilla del verano, atractivamente ruidoso pero en última instancia volátil".

En su reseña para el diario Los Angeles Times, Kenneth Turan escribió: "Pero el maestro de ceremonias de este circo, el hombre sin el cual nada sería posible, es el director De Bont, que ahora debe ser considerado el mejor especialista en acción de Hollywood. Un experto en hacer que el público se retuerza y ​​se retuerza, en hacernos sentir la emoción de la experiencia junto con los actores, De Bont coreografía la acción y el suspenso tan hermosamente que hace que parezca un chasquido".

Richard Schickel de la revista Time escribió: "cuando nunca se muestra que la acción tenga consecuencias mortales o lamentables, tiende a la abstracción. Muy pronto, ya no estás viendo un tornado, estás viendo efectos especiales".

En el Washington Post, Desson Howe escribió: "es un triunfo de la tecnología sobre la narración y el oficio de los actores. Los personajes existen simplemente para contar un par de chistes, encogerse de miedo a las corrientes descendentes y, de otro modo, matar el tiempo entre tornados". 

Estados Unidos The Washington Post Rita Kempley The Washington Post "Al igual que la más entretenida 'Jurassic Park', es un triunfo de la tecnología por encima de la narrativa y de la interpretación. Los personajes sólo existen para contar un par de chistes (...) y para matar tiempo entre tornado y tornado." Estados Unidos 

Mick LaSalle en SFgate  comentó que "Todo da la impresión de ser real, y el director Jan De Bont le imprime un ritmo que no nos deja espacio para cuestionar lo que sucede (...) Es difícil que no nos guste una película con vacas y camiones de petróleo volando." 

James Berardinelli de ReelViews comentó que la película es"Es una montaña rusa cinematográfica perfecta: divertida, rápida y furiosiosa... Mientras no le busques demasiado el sentido (…) " 

Duane Byrge de The Hollywood Reporter sostiuvo que "Aunque los efectos especiales son claramente aquí los protagonistas, el argumento, pese a ser predecible, tiene un toque conmovedor y fresco." 


En el Reino Unido Empire Ian Nathan en las páginas de Empire "Como todas las atracciones aterradoras, una vez te bajas de ella sólo estás deseando volver a subir (…) " 

Ya en España  Fernando Morales de El País dijo de ella que era una "Espectacular cinta (...) maravillosos efectos especiales que ocupan un lugar privilegiado"

Jordi Batlle Caminal de Fotogramas habló de que se trataba de una "Superproducción técnicamente irreprochable. Ahí la tienen, vista para sentencia y a otra cosa, mariposa"

Y Jorge Parrondo de  Cinemanía defendía que "De efectos especiales espectaculares pero que defraudará a los buenos aficionados", cosa con la que no estoy de acuerdo. Pues es muy entretenida. 



lunes, 27 de enero de 2025

Monster Hunter



En mi casa no entró la PlayStation 2, aunque sí la 3. Esta es la razón por la cual yo desconociera que era Monster Hunter, aunque el título me derivaba, más o menos, a la realidad.

Lo que sí sabía era que Paul W.S. Anderson es un director en el que le gusta de elegir como actriz para sus película a su mujer, Milla Jovovich, siendo su sexta película junto con Anderson,. Ya lo hizo en la saga de Resident Evil y lo ha vuelto a hacer en esta película de ciencia ficción basada en un videojuego adaptando a la gran pantalla de la longeva y exitosa colección de Capcom, uno de los juegos de la videoconsola titulado Monster Hunter, nacida en 2004 para la PlayStation 2. 

Antes de comentar la historia tengo que decir que me he aburrido muchísimo. No siempre un videojuego replicarlo al cine es una buena idea. El director, guionista y productor es un especialista en el cine de ciencia ficción y especialmente en todo lo basado en videojuegos. Como ya he dicho su mujer está al frente del reparto en esta película acción, fantasía y aventuras que muestra la misteriosa desaparición en el desierto de un convoy de soldados sin apenas dejar huella. Cuando el personaje protagonista y su equipo investiguen el hecho, una enorme y repentina tormenta los lleva a una dimensión alternativa plagada de gigantescos y brutales monstruos.

La película comienza en el Nuevo Mundo, un lugar donde los humanos coexisten con una amplia variedad de monstruos grandes y salvajes, un Cazador, un guerrero entrenado para cazar y matar a estas poderosas criaturas, se separa de su equipo cuando su nave que va cruzando mares de arena es atacada por un Diablo, un monstruo subterráneo que vive en la arena y lleva cuernos. 

En la Tierra, la capitana de los Rangers del Ejército de los EE. UU., Natalie Artemis, y su equipo de seguridad de las Naciones Unidas buscan a un equipo de soldados desaparecido en el desierto. 

Una tormenta repentina los lleva a un portal al Nuevo Mundo, donde encuentran los restos de los soldados desaparecidos y sus vehículos. Es en ese momento cuando una serie de Diablos se acercan a ellos. A la vez desde lo alto de unas rocas, el Cazador, que está observando al grupo, dispara una señal de advertencia. 



Los Diablos, inmunes a las balas y las granadas, atacan y matan a dos miembros del escuadrón. Los sobrevivientes se esconden en una cueva, donde son atacados por una manada de arañas del tamaño de un monstruo, las Nerscyllas. A Artemis le inyectan un veneno paralizante y, mientras los demás intentan salvarla, llegan más Nerscyllas y los invaden. Artemis se despierta en una guarida de Nerscylla, y encuentra a su equipo muerto o infectado con engendros de Nerscylla, y escapa de la guarida prendiendo fuego a los monstruos que la persiguen. 

En la superficie, tras protegerse en las rocas se encuentra con el Cazador y, después de luchar entre sí, a regañadientes aceptan cooperar. 

Artemis se entera de que los portales son creados por la Sky Tower, una estructura ubicada al otro lado del desierto. El Cazador revela que necesitarán matar a los Diablos para cruzar el desierto de manera segura y llegar a la torre. 



Artemis aprende a luchar usando las armas afiladas únicas del Cazador y lo ayuda a preparar una trampa para que los Diablos lo maten con veneno de Nerscylla. El ataque es exitoso, y Artemis da el golpe final, pero el Cazador está gravemente herido. Artemis construye una camilla improvisada y lo lleva obedientemente a través del desierto. 

La pareja llega a un oasis poblado de herbívoros parecidos a tortugas conocidos como Apceros. Cuando un Rathalos, un dragón que escupe fuego, pasa volando y hace que los Apceros se escapen, Artemis y el Cazador son rescatados por un grupo liderado por el Almirante (Ron Perlman) al que conocimos al inicio de la película. Él explica que la Torre del Cielo fue construida por la primera civilización que viajó entre mundos, utilizando a los monstruos para protegerla. 

Artemis acepta ayudar a matar al Rathalos para poder regresar a casa. En la batalla que sigue, Artemis cae a través del portal y regresa a la Tierra. 



El portal no se cierra a tiempo y el Rathalos emerge y comienza a causar estragos. Artemis es capaz de frenarlo lo suficiente para que el Cazador se deslice a través del portal y realice el disparo fatal. El Almirante se acerca a ella, justo antes de la aparición de otro monstruo volador; un dragón conocido como Gore Magala. Él señala que mientras el portal permanezca abierto, siempre existirá la amenaza de que los monstruos pasen a través de él hacia la Tierra. Artemis concluye que encontrar una manera de derribar la Torre del Cielo es ahora su objetivo principal. 

En una escena a mitad de los créditos, Palico, el compañero felino del Almirante, llega para ayudar a luchar contra Gore Magala, mientras una siniestra figura encapuchada observa la batalla desde lo alto de la torre.


 

Junto a la actriz completan el reparto de esta película del año 2020 y con capital alemán, estadounidense, chino, canadiense, japonés y sudáfricano,  Tony Jaa, Ron Perlman, Tipo T Harris, Megan Good, Diego Boneta y Josh Helman. 

Una adaptación cinematográfica basada en la serie había estado en concepción desde 2012 por el director Paul W. S. Anderson. Ese 2012, se rumoreaba que el director de Resident Evil, Paul W. S. Anderson, estaba en conversaciones para dirigir una adaptación cinematográfica de la franquicia Monster Hunter. 

Anderson declaró que había descubierto la serie Monster Hunter en viajes a Japón alrededor de 2008 y se había convertido en un fanático de la serie, y consideró una adaptación cinematográfica como un "proyecto apasionante". Anderson dijo que se sintió atraído por la propiedad de Monster Hunter, no solo por la popularidad de la serie, sino también por el "mundo increíblemente hermoso e inmersivo que han creado".

La película fue anunciada formalmente por el productor Ryozo Tsujimoto de la empresa propietaria del videojuego Capcom en octubre de 2018, una vez comprados los derechos.

La producción comenzó ese mes contando con Constantin Film como principal productora. Anderson ya había escrito un guion, que involucraría a un estadounidense que es arrastrado al universo paralelo en el que se desarrolla la serie Monster Hunter, aprendiendo a luchar contra monstruos y luego teniendo que lidiar con la situación cuando los monstruos regresan al mundo real y comienzan a atacar, como una batalla final culminante en el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles. 




En esta etapa del guion, el concepto se había basado en un personaje adulto joven del mundo real llamado Lucas, que estaba siendo buscado como el héroe para hacer retroceder a los monstruos del mundo real al mundo de fantasía; en esta forma, el guion habría explicado por qué ciertas leyendas en el mundo real parecían alinearse con los monstruos del mundo de fantasía. 

Después cambió de idea. Anderson dijo que la historia de la película se basó principalmente en un evento cruzado en el juego Metal Gear Solid: Peace Walker con Monster Hunter Freedom Unite en 2010, en el que un escuadrón militar se enfrentó brevemente a monstruos de la serie Monster Hunter, con Artemis de Milla Jovovich y Hunter de Tony Jaa respectivamente reemplazando los roles de videojuego de los personajes Big Boss (Snake) y Trenya, afirmando que "pensé que esta era una gran imagen para yuxtaponer a un hombre con una ametralladora [Snake] contra las criaturas [de Monster Hunter]".

Continuando con la apreciación de Anderson sobre el juego, afirmó que todas las armaduras y armas que usarán los Hunters se basarán en el equipo de la serie de juegos e incluirán al menos un personaje que usa un conjunto de armadura que no coincide, lo que refleja la capacidad del jugador dentro del juego para mezclar y combinar conjuntos de armaduras para obtener resultados beneficiosos. 


Anderson quería usar varias configuraciones en la película para que coincidan con la variedad en un juego, aunque reconoció que uno no vería tanta variedad en la película como la que vería al jugar un juego de Monster Hunter durante varias horas. Jovovich, quien afirmó que también era fanática de la serie de videojuegos, pudo seleccionar las armas con las que quería que se mostrara su personaje y experimentó en el juego para limitar su elección a las espadas duales, tanto como armas efectivas en el juego como que "pensé que se verían realmente hermosas en una secuencia de acción" 

Los monstruos de la película se basan además en los del juego, incluido el monstruo característico de la serie, el Rathalos; El director de la serie de juegos, Kaname Fujioka, y el productor Ryozo Tsujimoto brindaron información sobre la representación de los monstruos en la película. Capcom ayudó a establecer el escenario de la película, tomando canónicamente después de los eventos de Monster Hunter: World, en una nueva área del entorno de Monster Hunter pero incorporando facetas de varios de los juegos de la serie. 

Constantin Film produjo la película, habiendo planeado comenzar la producción a fines de 2017 o principios de 2018. Con todo el rodaje comenzó en octubre de 2018 y se completó el 19 de diciembre de 2018 en la misma ciudad sudafricana, Ciudad del Cabo. Algunas escenas se filmaron en Namibia, como Spitzkoppe y el cañón Sesriem.

La película contó con un presupuesto estimado de US$60 millones. 

En cuanto a la crítica hay de todo. John DeFore en The Hollywood Reporter comentó que "Los fogonazos de química entre Jovovich y Jaa son lo único que despierta interés humano en esta película poco imaginativa, aunque eso no quiere decir (...) que a los fans del director no les vaya a gustar"

Peter Debruge de Variety escribió: "Habrá críticos que puedan decirte quiénes son estos personajes, o qué pasa con el 'nuevo mundo' donde viven los monstruos, o por qué los que estamos en el 'viejo mundo' deberíamos estar preocupados por ellos, pero esa información no se presenta en esta película visualmente interesante pero narrativamente anémica (ni en las notas de prensa, para el caso), así que acepta mis disculpas de antemano: esta reseña probablemente será tan coherente como la película en sí". Y añade que "Pocas cosas de la película tienen sentido, pero al menos es visualmente interesante y es aceptable para ver en casa con algún amigo" 

Noel Murray en Los Angeles Times dijo de ella que "La película llega a su final dejando algunas imágenes espectaculares por el camino, pero ni siquiera sus mejores escenas son capaces de justificar una primera hora tediosa." 

David Ehrlich de IndieWire comentó que "Los fan de la serie se sentirán engañados por una versión tan cursi y poco curiosa de algo que aman, mientras que el resto de nosotros nos quedaremos preguntándonos cómo el material original se ganó fanáticos en primer lugar". 

Para el británico Kambole Campbell en Empire "A pesar del confuso acto final, 'Monster Hunter' es satisfactoriamente eficiente, un viaje rápido de emociones espeluznantes, muertes desagradables y, por supuesto, cazas de monstruos (…)"




Ya en España o se le ama o se le odia. Empecemos por los últimos. Javier Ocaña en El Paísla calificó de "Un refrito entre el cine bélico, el de acción, el de artes marciales y el de aventura, con mucho trueno, alguna imagen potente y poca chicha, sobre todo por la modorra del segundo acto, reiterativo, vacío y sin carisma." 

Eulàlia Iglesias en El Confidencial, no fue tan dura, y consideró que no estaba tan mal al valorarla y decir que "Carece de cualquier rasgo extraordinario, original o significativo (...) se conforma sin complejos en ser una muestra tan digna como vista de cine de entretenimiento. (…)" 

Carmen L. Lobo en La Razón sostiene que "Con un ritmo en la acción realmente de consola y una lucha cuerpo a cuerpo muy bien coreografiada (aunque en exceso larga) (…) " 

Santiago Alverú de Cinemanía consideró que se trataba de "Un ejercicio fílmico con abundancias y carencias. El aprovechamiento de ideas del videojuego le proporciona pilares sólidos (...) Pero se nota que este proyecto nace con voluntad adolescente. Le falta sangre (…)" 

Por último, los estusiastas. El primero, Fausto Fernández de Fotogramas al decir que "Llega, con esa contumaz armadura de serie B (...) para ser la más eficaz vacuna contra el aburrimiento artie pandémico (...) un torrente de imaginación, humor y desenfreno. (…) 

Para Nando Salvá, en El Periódico sostuvo que "Lo importante no es el arco narrativo sino la misión. (...) Su objetivo es ofrecer entretenimiento ruidoso, elemental y visualmente resultón. Misión cumplida. (…)" 

A mi personalmente no me ha gustado. Pero tengo que reconocer que en su contra ha jugado el cansancio que tenía y que desde luego, no ha ayudado a entenderla con la lucidez necesaria.



domingo, 26 de enero de 2025

El limite es el cielo







Desde la entrada en la Segunda Guerra Mundial de los Estados Unidos gran parte de la industria de Hollywood intentó combinar, por un lado, el cine como producto en cada uno de sus géneros , y , por otro, el de la necesario propaganda puesto que había que ganar al enemigo, especialmente, al japonés. Así que de esta combinación entre el musical americano, la comedia intrascendente pero de carácter romántica  y la exigible propaganda surge  The Sky's The limit (1943), aquí conocida como El límite es el cielo, una película para la gloria de Fred Astaire cuando éste ya había roto su relación profesional con la pareja con la que había alcanzado el estrellado en la gran pantalla, Ginger Rogers. 



The Sky's The Limit es una película ni  romántica , pero también una comedia y un musical del año 1943 protagonizada por Fred Astaire y Joan Leslie, que cuenta con la música de Harold Arlen y las letras del gran Johnny Mercer. 




La película fue dirigida por uno de los directores artesanos hollywoodienses, Edward H. Griffith, y la película fue producida por David Hempstead y Sherman Todd, pero distribuida por la RKO Radio Pictures. El guion fue de Frank Fenton y Lynn Root aunque se basa en un argumento de William T. Ryder. Se rodó en los RKO Studios. 

El protagonista es Fred Astaire que interpreta a un piloto de Flying Tiger que se encuentra con unos días de permiso en su país para ser protagonista en los desfiles multitudinarios y patrióticos que han de llebvarle de la costa este a la Este, desde San Francisco a Nueva York pasando por Salt Lake City. Robert T. Smith, un verdadero ex piloto de Flying Tiger con licencia antes de unirse a las Fuerzas Aéreas del Ejército, fue el asesor técnico de la película. 

La comedia está a cargo de Robert Benchley (en la que fue su segunda aparición en una película de Astaire) y Eric Blore, un incondicional de las primeras películas de Astaire-Rogers. 

La película fue un cambio inusual para Astaire, que causó cierta consternación entre los críticos de cine y los fanáticos de la época, aunque no lo suficiente como para evitar que la película tuviera un buen desempeño. Aparte del baile (que incluye la famosa interpretación en solitario del clásico "One For My Baby (And One More For The Road)", descrito por Astaire como "la mejor canción escrita especialmente para mí"), el guion le proporcionó su primera oportunidad de actuar en un papel dramático serio, y uno con el que sus habilidades interpretativas quedaron más que demostradas. 

Aquí aparece cantando y bailando junto a Joan Leslie, la que había sido habitual compañera de James Cagney, una ex-niña prodigio, en Yankee Dosdie Dandy. 

La película comienza presentando a la cuadrilla voladora de Fred Atwell (Fred Astaire), que lucha en el Pacífico contra los cazas y bombarderos japoneses. El teniente Fred Atwell, es uno de los más galardonados pilotos, un as de los Tigres Voladores, y junto a sus camaradas Reginald Fenton (Robert Ryan) y Richard Merlin (Richard Davies) , que tienen casi el mismo éxito, regresan a San Francisco para un desfile y unas "vacaciones" de diez días. 

El único problema es que se espera que pasen todo el tiempo en una gira nacional para levantar la moral. Fred se baja del tren cuando éste se dirigía a Salt Lake City en una parada rural para buscar algo de diversión. Finalmente, termina en la ciudad de Nueva York. 

Aunque va vestido de vaquero se introduce en él y allí dentro ve a una hermosa mujer, Joan Manion (Joan Leslie), en un club nocturno. Al escuchar a escondidas, se entera de que es una fotógrafa de periódico cansada de tomar fotografías de celebridades. Sus súplicas para que la encarguen en una zona de guerra caen en saco roto. A su jefe, el editor de periódico Phil Harriman ( Robert Benchley ) , le gusta ella tal como es: cerca para poder intentar desgastarla y persuadirla para que se case con él. 



Fred, que se da el apellido "Burton" para ocultar su identidad, la corteja de una manera molesta y persistente, llegando incluso a alquilar una habitación en el edificio en el que ella vive y entrando por el tejado en su cocina por la mañana para prepararle el desayuno. 

Con el tiempo, ella empieza a simpatizar con él, a pesar de lo que considera una falta de ambición por su parte; no parece tener ni querer un trabajo. 

Ella le permite que la invite a una cita, aunque lo lleva a un comedor abarrotado, donde ella hace trabajo voluntario entreteniendo a los militares cantando para ello. Cuando un artista cancela con poca antelación, reclutan a Joan para cantar un número. Fred se invita a sí mismo a cantar y bailar con ella; en el proceso, se encuentra con sus compañeros pilotos. 



Mientras Richard baila con Joan, Reginald se divierte chantajeando a Fred para que haga un baile de serpiente sobre la mesa a cambio de no revelar quién es en realidad, haciendo el ridículo ante los ojos de Joan y de todos los asistentes en general, hasta que un policía militar le insta a bajarse de la mesa sobre la que baila. 




Joan se esfuerza por conseguirle un trabajo a Fred. Cuando se entera de que alguna vez trabajó como reportero, puesto que él confiesa ser periodista, organiza una entrevista con su jefe, Phil. Fred, que ya se le acaban las vacaciones, pasa el tiempo dándole consejos a Phil sobre cómo conquistar a Joan, e incluso organiza una cena romántica en el ático de Phil con la ayuda de su mayordomo, Jackson. Phil comete un grave error y luego le revela a Joan lo que Fred ha estado haciendo. 

El plan de Fred funciona y termina cenando esa noche con Joan en el ático de Phil. Joan derrocha encanto y le propone matrimonio a Fred, dejándolo en una posición incómoda. Más tarde, Reginald le informa a Fred que su licencia se ha acortado; solo les quedan dos días más. 

Como Fred todavía no tiene trabajo, Joan lo lleva a un banquete en honor al fabricante de aviones Harvey J. Sloan. Le presenta a Fred al Sr. Sloan, pero en lugar de causar una buena impresión como había prometido, critica el rendimiento del avión de combate construido por Sloan. Cuando Joan se entera, rompe con él. 

Después, Phil invita a Fred a un bar cercano, donde le revela que ha descubierto su verdadera identidad. Fred le pide que lo mantenga en secreto. Fred se emborracha, cantando a los camareros mientras va de bar en bar "One for My Baby", incluso bailando claqué en una mesa de bar y rompiendo docenas de vasos de bebida en el proceso. 




Al día siguiente, Phil hace un último intento para conseguir que Joan se case con él. Cuando eso falla, la envía al aeródromo a Australia para tomar fotografías de los pilotos que regresan a la lucha en el Pacífico, sabiendo que Fred estaría allí. Allí ve a Fred con su uniforme, donde todo se le aclara. 



Los dos se abrazan, y Fred le profesa su amor a Joan, justo después de subir al avión para despegar acabando así la película. 

La trama se tomó de un artículo del Saturday Evening Post sobre una atractiva joven de Texas que era asistente/empleada/(¿amante?) de un hombre mayor que era prominente en los círculos literarios de la ciudad de Nueva York. En la historia, la joven deja su glamoroso trabajo para casarse con un joven que se va a la Segunda Guerra Mundial. Este personaje se modifica bastante para que encaje con Fred Astaire en la película. 

Parece ser que Fred Astaire reclamó que su compañera de baile fuese menos experta que Ginger Rogers y que tenga una estatura menor que la de él. Joan Leslie, cuando baila a su lado, usa zapatos de tacón muy bajo y ocupa ante la cámara una posición secundaria. Todos los bailes fueron coreografiados y acreditados solo a Astaire, un cambio inusual para él, ya que generalmente trabajaba con colaboradores. Lo que no es inusual es la selección de rutinas de baile, que es la fórmula estándar de Astaire de una rutina cómica en pareja, una rutina romántica en pareja y un solo de "calcetines", cada uno de los cuales está integrado en la trama. 

En cuanto a las canciones y los bailes destacan todos. La canción "My Shining Hour" es una balada de guerra de Arlen y Mercer, sencilla y con aires de himno, la canción característica de la película, es imitada por Joan Leslie (doblada aquí por Sally Sweetland) con el telón de fondo de una banda cuyos instrumentos están enmarcados con contornos de neón iluminados. Se convirtió en un éxito, aunque lentamente. 

Con "A Lot In Common With You" Fred Astaire se mete en la rutina de canto y baile de Leslie (usando su propia voz esta vez) en el escenario, que se convierte en un baile de claqué cómico competitivo simulado, uno al lado del otro, utilizando una variedad de pasos de salto con una pierna delante de otra, algunos de los cuales habían sido desarrollados para el número de "The Shorty George" en You Were Never Lovelier, pero que no se habían usado. La canción también hace referencia a musicales recientes de Leslie y Astaire al mencionar a James Cagney y Rita Hayworth, respectivamente, la pareja de Leslie en Yankee Doodle Dandy del año anterior y la pareja de Astaire en You'll Never Get Rich de 1941 y la mencionada You Were Never Lovelier de 1942. 

La danza de la serpiente sobre la mesa fue interpretada por Astaire a instancias del personaje de Robert Ryan. 

El baile "My Shining Hour" es un baile romántico en pareja de estilo salón de baile. 




En cuanto al número estrella de la película, One For My Baby (And One More For The Road) señalar que el número tardó dos días y medio en rodarse, tras siete días de ensayos completos. Tras una interpretación de la canción en estado de ebriedad, Astaire baila furiosamente de un lado a otro de la barra, deteniéndose sólo para destrozar estanterías apiladas de vasos y un espejo. 

El primer baile de Astaire borracho fue la rutina cómica "You're Easy To Dance With" en Holiday Inn, pero este solo marca su primera clara desviación de una imagen cinematográfica cuidadosamente elaborada de encanto urbano. El público  se quejó del desperdicio de vidrio, que estaba estrictamente racionado, pero el estudio había adquirido desechos de los fabricantes. Normalmente se habría utilizado vidrio de seguridad hecho de azúcar, pero el azúcar era aún más difícil de conseguir. El uso de vidrio real también era más peligroso, y Astaire recibió varios cortes en las piernas. 

Según los registros de la RKO, la película recaudó 1.410.000 dólares en Estados Unidos y Canadá y 775.000 en otros países, lo que supuso unas ganancias de 625.000 dólares. Tras la liberación de Europa occidental, se estrenó en Francia en 1945 y fueron a verla 671.864 espectadores. 

En la 16 Edición de los Oscar (1944) fue nominada a la Mejor banda sonora (Musical) siendo responsable de ella Leigh Harline y a la Mejor canción, My Shining Hour, de Harold Arlen y Johnny Mercer. 

En cuanto a la crítica, destaca la de Bosley Crowther no le dio demasiada importancia a la película en su reseña de septiembre de 1943 para The New York Times, que empezaba así: "Fred Astaire es un tipo muy delgado, pero ¿por qué enfatizarlo en una película tan delgada que la luz del día se nota por todas partes a su alrededor? Sólo la luz del día y Joan Leslie, eso es todo... Aparentemente están teniendo problemas para encontrar más que parejas de baile para el señor Astaire. También están teniendo problemas para encontrar historias. No tiene ni lo uno ni lo otro en esto…” 




Michael Phillips reevalúa la película en su crítica para el Chicago Tribune, publicada en julio de 2014 y actualizada en junio de 2018 señalando que “…un artefacto revelador y agridulce de la era de la Segunda Guerra Mundial, sorprendentemente lúcido sobre el romance efímero (incluso si es amor verdadero) y los yanquis que volaban de noche y de día, de verdad, muchos de ellos muriendo en el trabajo… El personaje atípicamente cínico de Astaire tiene un reloj en marcha y mucha vida por delante. Cuando las cosas no parecen funcionar… se suelta con un sorprendente solo de claqué alimentado por la rabia y el alcohol, ambientado en el gran lamento de Harold Arlen/Johnny Mercer, “One for My Baby”… (la banda sonora) incluye “My Shining Hour”, una de las baladas más elegantes de todos los tiempos de guerra… La película logra cumplir con sus deberes patrióticos actuales de una manera que se siente fresca, urgente y honesta acerca de su tiempo y lugar”.  Toda la música es interpretada en la película por Freddie Slack y su orquesta. El director musical de la película fue Leigh Harline, siendo los directores artísticos los habituales en la RKO o es decir Albert S. D: Agostino y Carroll Clark. Los del set fueron Darrell Silvera y Claude Carpertier, omnipresente es en cualquier película de la RKO del momento. 

Ya en España, en Fotogramas se dice que es "Un musical menor pero no carente de atractivos que supuso la despedida de Fred Astaire de la RKO, la marca que le unió con Ginger Rogers en sus films más populares. La coreografía del propio protagonista, así como las excelentes canciones de Harold Arlen y Johnny Mercer, constituyen sus principales atractivos. La funcional realización da cierta unidad al conjunto. Y añade la redacción de Fotogramas que era "Un musical menor pero no carente de atractivos que supuso la despedida de Fred Astaire de la RKO, la marca que le unió con Ginger Rogers en sus films más populares. La coreografía del propio protagonista, así como las excelentes canciones de Harold Arlen y Johnny Mercer, constituyen sus principales atractivos. La funcional realización da cierta unidad al conjunto. La música, de Leigh Harline ("Me siento rejuvenecer", H. Hawks, 1952), combina composiciones rítmicas, de viento y percusión, que se transforman en melodías de cuerdas en los momentos más románticos. La fotografía, de Russell Metty ("El extraño", O. Welles, 1946), en B/N, sobria y exenta de adornos, realza el humor visual y el baile. Es uno de los mejores musicales de los años 40. 

La película estaba destinada a sostener la moral ciudadana y animar a la población civil a contribuir al esfuerzo de guerra con aportaciones económicas. El film censura a quienes viven, con egoísmo, al margen del conflicto. Ironiza sobre las grandes corporaciones industriales que se benefician del conflicto fabricando material bélico, del que desconocen todo lo que deberían saber, en especial en relación a sus deficiencias de diseño y fabricación.




La coreografía de los números de baile es magnífica, especialmente la que acompaña a la primera canción, que evoca infelicidad y frustración. La obra refleja un ambiente más relajado y distendido que el de películas anteriores de Astaire. El guion elabora un relato sucinto y sencillo y dedica un simpático recuerdo a Ginger Rogers. Un clásico de la Edad de Oro del musical, pero no exento de pinceladas patrióticas dadas las tristes circunstancias de esas fechas.