miércoles, 30 de octubre de 2024

Tarántula



Jack Arnold es uno de los grandes directores del cine de terror y de ciencia ficción. Se visualiza la presentación lógicamente el género tenía su estudio y este estudio no era otro con la Universal.. tarántula es uno de los títulos emblemáticos del cine de ciencia ficción y una de las obras más conseguidas de las llamadas "Monsters Movies" de los años cincuenta que contó con la dirección del experto Jack Arnold y que supuso el debut cinematográfico de un jovencísimo Clint Eastwood aunque pocos los reconocerán a los mandos del avión que va lanzando napalm,  fumigando al descomunal arácnido que ha llevado al pánico a este área desértica de Arizona. Por cierto no aparece ni acreditado. 

Los que sí están acreditados son John Agar como el Doctor Matt Hasting, la bellísima  Mara Corday como Stephanie "Steve" Clayton, el siempre formal - aquí malvado- Leo G. Carrol como el Profesor Gerald Deemer, Néstor Paiva como el sheriff Jack Andrews, Ross Elliot como Joe Burch, Edwin Rand como el Teniente John Nolan, Raymond Bailey como Townsend, Hank Patterson como Josh, Berta Holland  como Barney Russell y Steve Darrell como Andy Anderson. 

El guion fue escrito por Robert M. Fresco y Martin Berkeley partiendo de la historia creada por el primero y Jack Arnold. La película contó con la dirección en la fotografía de George Robinson, aunque aparece el la fotografía especial de Clifford Stine, la dirección en el arte de Alexander Golitzen y Alfred Sweeney, los responsables del set que fueron Ruby R Levitt y Russell A Gausman y el sonido de Leslie I. Carey y Frank Wilkinson. La edición fue labor de William M Morgan y el asistente al director Frank Shawn. Joseph Gershenson aparece como el supervisor musical, siendo identificado como el productor William Alland. 

La película del año 1955 se inicia en un paisaje desierto desértico en el que aparece un hombre vestido con pijama y que recorre deambulando ese espacio hasta finalmente caer al suelo. Cuando se recupera descubrimos que tiene la cara deformada falleciendo casi de inmediato. Se trata de un hombre gravemente deforme que es encontrado muerto en el desierto de Arizona por lo que el sheriff Jack Andrews  (Nestor Pavia) llama a Doctor Matt Hastings (John Agar  ), un médico de la cercana ciudad de Desert Rock, Arizona, para que examine el cuerpo. Parece ser el del científico investigador biológico Eric Jacobs, un conocido de Hastings. 

Casi cuando llega Hasting al instituto forense se persona, el colega de Jacobs, el Dr. Gerald Deemer ( Leo G. Carrol), que dice que Jacobs murió de acromegalia, pero Hastings no está convencido, ya que la acromegalia tarda años en alcanzar el nivel en el que se encontraba Jacobs. 

Deemer reconoce que el desarrollo de acromegalia en Jacobs fue rápido, en sólo cuatro días, pero insiste en que este tipo de anomalías son de esperarse en ocasiones.

Tras eso Deemer retorna a su casa y laboratorio de investigación en una mansión aislada en el desierto, Allí el doctor y científico Deemer tiene conejos, ratas blancas, hámsteres y una tarántula, todos de enorme tamaño. 


Mientras observa sus creaciones gigantescas aparece el asistente de Deemer, el estudiante de doctorado Paul Lund, ahora está deformado como Jacobs, y ataca a Deemer. En la lucha entre uno y otros se escapan algunos animales entre ellos el que está en una de las jaulas, una tarántula y prendiendo fuego al laboratorio. Lund agarra la aguja hipodérmica que Deemer estaba usando en las muestras de laboratorio y le inyecta el contenido. 

Cuando las llamas envuelven el laboratorio, la tarántula se va y Lund colapsa y muere. Deemer recupera el conocimiento, toma un extintor y apaga el fuego. Esa noche, Deemer entierra a Lund en mitad del desierto.

Tras eso vemos la llegada a la ciudad de una recién llegada a la ciudad, Stephanie Clayton (Mara Corday), que se hace llamar "Steve", y que ha solicitado un puesto de colaboradora en el laboratorio de Deemer. 




El recepcionista del hotel le dice que tendrá que esperar hasta que regrese el único taxi, y acepta que Hastings la lleve, quien también irá al laboratorio de Deemer. 

Tras llegar a la casa / laboratorio, se encuentran con el periodista local Joe Burch (Ross Elliot ), al que conocimos momentos antes en conversación con Hasting y el sheriff, mientras les comenta el por qué no ha sido informado de la muerte de de Jacobs, pero Deemer esquiva sus preguntas sobre la muerte. 

Deemer les dice a Hastings y Clayton que el incendio fue causado por un mal funcionamiento del equipo, y que todos los animales de prueba murieron. También les dice que el otro estudiante colaborador, Lund, dejó su empleo. 

Tras eso Deemer explica su trabajo: el uso de un elemento radiactivo para producir un supernutriente artificial que, una vez perfeccionado, podría proporcionar un suministro ilimitado de alimentos para la humanidad.

Los pequeños incidentes se van produciendo en el desierto como un alud de rocas que está a punto de acabar con la vida de Hastings y "Steve". 

Días después, el sheriff le pide a Hastings que lo acompañe al rancho de Andy Anderson  (Steve Darrell ) mientras investiga los esqueletos de su ganado que han aparecido limpios y con grandes charcos de un líquido blanco y espeso en las cercanías. 

Lo desconocen, pero la causa es la tarántula de tamaño descomunal que es el resultado de una extraña experiencia científica que acelera el crecimiento de los animales y que está asolando el área desértica de Arizona y que ahora ha crecido hasta alcanzar el tamaño de un tanque. Esa noche, la tarántula mata a Anderson y dos hombres dentro de una camioneta.

Al día siguiente, aparecen nuevos restos de animales  y una persona devorados en un rancho, sin carne alguna y con las manchas de líquido blanco cerca. También aparecen restos en camión destrozado, Hastings mira a su alrededor a petición del sheriff y una vez más encuentra charcos del líquido blanco, del que toma muestras. 

Llama a Deemer para pedirle que analice el líquido y la joven Clayton responde. Deemer le tiende una emboscada y le corta la llamada telefónica. 

Hastings regresa a la mansión, y allí ve el cambio físico de Deemer pues está sufriendo graves deformidades acromegálicas. Deemer divulga todo lo que sabe sobre el nutriente y dice que Lund y Jacobs lo probaron ellos mismos en contra de su consejo. 




Hastings lleva las muestras de líquido blanco al Instituto Agrícola de Arizona en Phoenix. Se determina que la sustancia es veneno de Tarántula.

Hastings vuela de regreso a Desert Rock. Al caer la noche, la Tarántula, ahora más grande que una casa, ataca la mansión. Deemer muere, pero Clayton escapa. 

Hastings regresa a por ella en su coche. La Tarántula los persigue por la carretera hacia el pueblo. Los hombres del sheriff interceptan, pero sus armas tradicionales como ametralladoras o dinamita no surten efecto. Se recoge dinamita en la ciudad, pero una explosión lo suficientemente grande como para volar la carretera no perturba a la tarántula. 




Mientras la ciudad es evacuada vemos en el horizonte un escuadrón de aviones de combate de la Fuerza Aérea, que han sido llamados por el sheriff, lanza un ataque con napalm, incinerando la tarántula en las afueras de la ciudad, acabando así la película.

Tarántula es un clásico. Supuso una auténtica revolución en los efectos especiales pues aparecen representados animales e insectos gigantes, enormes y que eran muy novedosos para mediados de la década de 1950. Se utilizaron animales reales, incluidos un conejo y un conejillo de indias en el laboratorio del profesor Deemer, para representar a sus homólogos gigantes en la pantalla. Se utilizaba una Tarántula viva cada vez que se veía moverse a la gigantesca araña. La tarántula era controlada por medio de corrientes de aire expulsadas a través de tubos que hacían que la araña se moviera hacia donde quisieran los técnicos. El rodaje de miniaturas se reservó para primeros planos de su cara y colmillos y para las escenas finales de la araña gigante siendo incendiada por el ataque de napalm del escuadrón a reacción. Las escenas resultantes resultaron más convincentes en algunos aspectos que los gigantescos objetos de utilería utilizados en la película anterior de Warner Bros. estrenada en 1954, Them!La humanidad en peligro de Gordon Douglas.

El director, Jack Arnold, volvió a utilizar este efecto dos años después en El increíble hombre menguante / The Incredible Shrinking Man (1957), que también presentaba un encuentro con una araña que lucha ante un hombre miniaturizado. 

Aunque está ambientada en Arizona, Tarantula se filmó íntegramente en California, y las escenas del desierto se rodaron en Apple Valley. Se filmaron imágenes adicionales dentro y alrededor de las formaciones rocosas de Dead Man's Point en Lucerne Valley, California, un lugar utilizado con frecuencia para muchos western de los años veinte. 


Tarantula hace un uso atmosférico de sus ubicaciones desérticas. Si bien aparece un isótopo radiactivo, se diferencia de la mayoría de las otras características de los grandes insectos de la década de 1950 en que la mutación es causada por la investigación pacífica de un científico bien intencionado, en lugar de por armas nucleares y/o un genio loco. 

Jack Arnold dijo sobre Tarántula: "Decidimos hacer esta película porque, en general, la gente le tiene mucho miedo a las arañas". 

Como curiosidad el cartel de estreno de la película, que muestra una araña con dos ojos en lugar de los ocho normales y que lleva a una mujer entre sus colmillos, no representa ninguna escena de la película final. Y otra curiosidad es la presencia de un jovencísimo y no acreditado Clint Eastwood como jefe de una escuadrilla de aviones que arrasará al animal protagonista. 




La película a menudo se combinaba en un programa doble junto con Running Wild y fue la cuarta película más taquillera en Estados Unidos en ese 1955. 

El crítico de cine Leonard Maltin elogió su ritmo rápido, los efectos especiales y la intrigante trama secundaria de la película. Calificó la película como "Una de las mejores películas sobre insectos gigantes". 

La reseña contemporánea realizada por Variety señalaba que "Una tarántula del tamaño de un granero pone el horror en este programa de ciencia ficción bien hecho, y está escenificado e interpretado de manera bastante creíble, logrando una premisa descabellada con un máximo de credibilidad".

Por mi parte decir que esta es una muestra representativa de lo mucho y bueno que nos dejó Jack Arnold, un poderosos director especializado en cine de ciencia ficción y que se manejaba bien en presupuestos de serie B.




Todos sus película tienen un sólido guion, un  gran desarrollo de la historia, un excepcional clima de terror  en la que la mezcla entre una gran fotografía y excelente puesta puesta en escena lo hacía todo. Gustaba de combinar espacios tanto abiertos como el desierto en este caso o los cerrados con el laboratorio. 

Puede que la resulta no resulte tan trascendente como "La mujer y el monstruo" (1954) o "El increíble hombre menguante" (1957) y "Monster on the campus" (1958), sin embargo, "Tarántula", en sus poco más de 70 minutos, es una película curiosa , por supuesto que entretenida, hija de su tiempo, por la radiactividad y el napalm, que sigue las premisas de cualquier película de Arnold, en la que el espectador que va a ver sus películas va a ver uno a uno de los monstruos que la Universal diseñó para todos nosotros especialistas en complicar la vida a unos personajes que se mueven entre el inhóspito desierto - aunque encuentren en él su belleza como le dice Steve" a Hasting-  o las dependencias de un laboratorio condenado por la experimentación y la naturaleza especulativa de ser humano. 



martes, 29 de octubre de 2024

Los invasores



The recall es una película de Mauro Borrelli que fue parte del equipo de arte de «Star wars episodio VIII - Los últimos Jedi» del año 2017 y que grabé por la presencia de la otrora estrella Wesley Snipes. Parece mentira que Wesley Snipes tras su estancia en la cárcel y únicamente explicable para saldar su deuda con la Hacienda, haya llegado a los límites del subcine colocándose para productos sólo adecuados para un canal como Syfy.

Estamos hablando de una película canadiense de ciencia ficción del año 2017 cuyo guion lo hicieron a cuatro manos Reggie Keyohara y Sam Acton King, en el que junto a Snipes participan unos teeneggers entre los que se encuentran Niko Pepaj, RJ Mitte, Hannah Rosemay, Laura Bilgeri y Jaddiah Goodacre.

La historia tiene como protagonista a Charlie (Jaddiah Goodacre ) que enciende el televisor para averiguar qué se producen extrañas perturbaciones atmosféricas en varios lugares del mundo. En el horizonte hay unas extrañas nubes en el cielo de la casa junto al lago en la que se encuentra de vacaciones con unos amigos. Aunque previamente hay una escena que se desarrolla en el espacio en el que un grupo de astronauta se ven sorprendidos por algo que realmente nosotros nunca sabremos. 

Tras esto vemos a un grupo de cinco adolescentes se va de vacaciones a una cabaña aislada en el bosque. 

En una estación de servicio en el camino tienen un mal encuentro con un hombre (Wesley Snipes) que se hace llamar "El Cazador". 

Ya en la casa de campo de una de ellas, tres de los adolescentes , entre ellos Annie (Laura Bilgeri )  - los otros dos se quedan, pues eso, - comienzan a explorar y se encuentran con una cabaña aparentemente abandonada. 



En el interior, encuentran fotografías y se dan cuenta de que es la casa del cazador , descubriendo que , además de cazador ,   fue astronauta. Cuando regresa inesperadamente, se escabullen y huyen. 

Esa noche, cuando el Cazador aparece en el bosque frente a su cabaña, creen que está allí para atacarlos. Uno de ellos, Rob (Niko Pepaj), va al coche a buscar su arma, pero en el camino de regreso ve un extraterrestre debajo del porche y entra en pánico, pero no se lo cuenta a sus amigos. 

Más tarde, durante las perturbaciones atmosféricas, ven un resplandor de luz que sólo Kara (Hannah Rosemay ) parece saber qué es y parece aterrorizarla. Se trata de una luz brillante que sale del cielo y unas extrañas criaturas invaden la casa para reducir a uno del grupo. 

Su única esperanza es un misterioso cazador local - lógicamente, Snipes - que intentará ayudarles a vivir. Cuando un extraterrestre entra a la casa, Rob entra en pánico y accidentalmente dispara a Kara. Se derrumba y se vuelve contra sus amigos. Charlie lo detiene dejándolo inconsciente. 

Los amigos restantes corren hacia el coche y se alejan presas del pánico. Cuando Rob aparece de repente en la carretera, Charlie se desvía para evitarlo y choca el auto. 

Observan cómo aparece un OVNI y secuestra a Rob, permitiendo que los demás escapen. Sin que los adolescentes lo supieran, los extraterrestres han llegado a la Tierra y han secuestrado a miles de humanos. 

Mientras huye de los extraterrestres con los demás, Brendan (RJ Mitte)  resulta herido por una trampa para osos colocada por el Cazador. 

El Cazador aparece y los salva de un extraterrestre que los persigue y los lleva de regreso a su cabaña. El Cazador tiende una emboscada a un extraterrestre en un pozo y parece disfrutar personalmente de matarlo. El Cazador explica que fue secuestrado y experimentado por extraterrestres hace años. Les muestra las escarificaciones que los extraterrestres dejaron en su cuerpo; además, demuestra que puede mover objetos telequinéticamente. Explica que los extraterrestres han visitado la Tierra varias veces en el pasado distante y, a través de "mejoras" realizadas a los abducidos, han controlado la evolución de la vida en la Tierra. 

Desde su retiro como astronauta ha estado preparando su regreso, dedicándose a poner fin a su reinado. Pero los extraterrestres asedian la cabaña y los adolescentes terminan siendo llevados a la nave espacial, donde se encuentran entre unos pocos miles de humanos que son secuestrados, experimentados con ellos y luego devueltos a la Tierra. 

Todos los adolescentes se despiertan en su cabaña, sin ningún recuerdo de haber sido secuestrados o experimentado con ellos. Kara, que había sido asesinada, también parece estar viva y bien. 

En el camino, son detenidos por un control militar; Aunque las naves extraterrestres partieron tan misteriosamente como llegaron, el gobierno respondió a las abducciones masivas poniendo en marcha un plan para poner en cuarentena a cualquiera que muestre las reveladoras escarificaciones de haber sido abducido. 

Cuando los soldados les atacan los chicos reciben la ayuda del Cazador,ny aunque algunos son  alcanzados por el armamento militar , se recuperan de sus heridas tras utilizar las "mejoras" que les dieron los extraterrestres masacrando a los soldados. Los tres y luego la pareja marchan al bosque, acabando así la película. 



La película fue producida por Mind's Eye Entertainment, Bridgegate Pictures y VMI Worldwide contando como productores con Kevin DeWalt, Danielle Masters y Wesley Snipes. Todd Bryanton es el responsable de la música y Mark Dobrescu de la fotografía. 

La crítica fue dura con ella como la que planteó la prensa canadiense en concreto en el The Globe and Mail al describir la película como "Un thriller de terror y ciencia ficción barato (...) Incluso la gente que puso dinero para la película se reía de ella (…)".

Nos encontramos con una mala película - aunque el director, Mauro Borrelli, fue candidato a mejor director en el Festival de Cine de Ferrara- que tuvo un buen recorrido en las plataformas ( sé que estuvo en Apple, Neflix, ...) con varios millones de visionados  - 15 millones- , en la que hay un grupo de malos actores y dos bellas señoritas. Lo mejor, su duración, algo menos de 90 minutos. Poco más que decir. 



lunes, 28 de octubre de 2024

La historia interminable



Wolfgang Petersen en la que fue su primera en lengua inglesa aparece como el director de esta película a la que frías el estreno allá por el invierno de 1984. Hace ahora 40 años de su estreno. Esa es la razón por la que se ha intentado recuperara, al menos, por parte de los fans y friki que adoran la película. Yo no me encuentro entre ellos, tengo que reconocerlo. La película me pareció decepcionante, especialmente, porque el libro de Michael Ende le había encantado, pero asumo la dificultad de llevar a las imágenes lo mucho y lo bien escrito que había en esa obra. Más aún, de ella  el director  y sus  guionistas únicamente llevan    a la gran pantalla la parte más infantil de la primera mitad de la obra.   

Tantos aficionados tiene que en estos días el Centro de Arte Tomás y Valiente (CEART) de Fuenlabrada en Madrid ha preparado una exposición protagonizada por los queridos personajes de este largometraje, creados por el artista Colin Arthur, como el guerrero Atreyu, el dragón volador Fújur, el hombre lobo Gmork o Bastian. . 

Me parece una película desastremente puesto que está enfocada hacia casi la infancia y yo siempre le vi con una historia poderosa sobre la falta de fantasía en los mayores. 

La película narra la historia de Bastian, que escondido en el desván de su escuela, no para de leer un enigmático libro, que trata el conflicto entre 'La Nada' y el Reino de la Fantasía. Poco a poco, el protagonista se dará cuenta de que él es el que debe evitar la destrucción de este maravilloso mundo. Bastian se refugia es una vieja librería escapando de su vida y de unos abusones de colegio. Allí empieza a leer una historia antigua y se va arrastrando el mágico mundo de fantasía 

Puede que la canción de Limahl sea lo más meritorio de la película que llevaba por título en inglés The Neverending story, como la canción. La banda sonora fue compuesta por Klaus Doldinger y el factotum musical de la época, el alemán Giorgio Moroder. Mientras escribo esto me he enterado que tuvo tres adaptaciones cinematográficas. La película sólo cubre la primera parte del libro, no transmite el mensaje del título tal y como se describe en la novela. 

La segunda mitad del libro se utilizó posteriormente como base aproximada para la segunda película, The NeverEnding Story II: The Next Chapter (1990). 

La tercera película, The NeverEnding Story III: Escape from Fantasia (1994), tiene una trama original que no se basa en el libro. 

La película que vi y que he vuelto a ver llega hasta el momento en que Bastián entra en Fantasía. Ende se sintió terriblemente decepcionado por el resultado, hasta el punto de declarar que la película era «un gigantesco melodrama comercial a base de cursilería, peluche y plástico», por lo que pidió que retiraran su nombre de los títulos de crédito, donde solo aparece como autor de la novela quedando como guionistas Herman Weigel, Wolfgang Petersen y Robert Easton, señalando que la obra estaba basada en la novela homónima de Michael Ende.  

Die unendliche Geschichte de W. Petersen fue la primera adaptación de la novela y una coproducción entre Alemania Occidental y los Estados Unidos. En la producción se encuentran Bernd Eichinger - el mismo responsable de El nombre de la Rosa, entre otras- Dieter Geissler y Bernd Schaefers que representaban entre otras a Neue Constantin Film, Bavaria Studios, Westdeutscher Rundfunk (WDR) y la Warner Bros. Pictures así como la Producers Sales Organization. 

Fue protagonizada en sus principales papeles por Barret Oliver (Bastián), Noah Hathaway (Atreyu), y Tami Stronach (la Emperatriz Infantil, en su única incursión en el cine). 

En el momento de su estreno, fue la película más costosa producida fuera de los Estados Unidos. En el apartado técnico destaca la fotografía de Jost Vacano, el montaje de Jane Seitz y la escenografía de Johann Kott, Götz Weidner y Herbert Strabel, así como el vestuario de Diemut Remy. 

La historia tiene como protagonista absoluto, aunque en la película se diluye bastante a Bastián Baltasar Bux - BBB-  (Barret Oliver) ,  un niño de 10 años tímido , que acaba de perder a su madre , que apenas es entendido por su padre, un hombre que le pide más realismo y que tenga los pies en el suelo, y que además es un gran lector que es víctima de acoso por parte de tres compañeros del centro, lo que hoy conocemos como bullying, ya que sufre frecuentemente los abusos de sus compañeros de clase. 

Un día, huyendo de ellos, se esconde en una tienda de libros. El dueño de la librería, el Sr. Koreander (Thomas Hill), le advierte del peligro de un libro que está leyendo en ese momento llamado The NeverEnding Story (La historia sin fin); sin embargo, Bastián no puede resistirse a la tentación, y aprovecha un despiste del Sr. Koreander para llevárselo, dejándole una nota con la promesa de devolverlo. 

Tras llegar a su instituto, evidentemente tarde, logra entrar en el viejo ático de su escuela, e impacientemente comienza a leer. 

El libro relata como La Nada se extiende por todos los rincones como señala un devorador de rocas que viene del norte y que se encuentra con dos personajes más que se desplazan al reino de Fantasía en un caracol de carreras y en un murciélago desde otras partes del Reino. Allí descubren que el problema es común a todos y un cazador, el joven Atreyu (Noah Hathaway), es  el elegido para salvar a todo el reino de Fantasía de una fuerza destructiva llamada «la Nada» que lentamente va consumiéndolo todo. 

Bastián nota que no puede dejar de leer la historia y se sumerge por completo en el mundo de Atreyu y su caballo blanco, Artax, con seres fantásticos como enanos, caracoles de carreras y dragones de la fortuna.



Cuando todo parece perdido para Fantasía y Atreyu equivocado cree que fracasó en su misión de destruir «la Nada» que todo lo consume, Bastián se da cuenta de que el chico salvador de la aventura en el que puso todas sus esperanzas no es Atreyu el guerrero, sino él mismo. 

Para salvar a la Emperatriz Infantil (Tami Stronach), y con ello a Fantasía, finalmente hace aquello que le piden los propios personajes de la historia: gritar el tan demandado nuevo nombre para la emperatriz. Con ello, Bastián se encuentra cara a cara con la princesa. Ella lleva en sus manos una semilla que contiene todo lo que queda de Fantasía y le pide a Bastián que se coloque frente a ella con la semilla en la mano y pida un deseo para un nuevo mundo. Bastián hace lo que le pide la princesa y Fantasía florece de nuevo. 

Bastián vuela sobre Fujur (Alan Oppenheimer), el dragón de la suerte que se volvió amigo de Atreyu, para ver el reino y sus habitantes restaurados y cuando este le pide su siguiente deseo, Bastián lo dirige al mundo real para asustar a los niños que lo perseguían por la calle muy cerca de la librería del Sr. Koreander. 

Tras seguirlos volando por un callejón ellos se meten asustados en un contenedor de basura y Bastián y el dragón ríen, mientras el narrador dice "Y Bastián pidió muchísimos más deseos y tuvo otras más aventuras maravillosas antes de regresar al mundo rutinario de cada día, pero eso es otra historia". 

La adaptación solo cubrió la primera mitad del libro. La mayor parte de la película se rodó en el escenario 1 de los Bavaria Studios en Múnich, excepto las escenas callejeras y el interior de la escuela en el mundo real, que se rodaron en Vancouver, Canadá (el reloj de vapor de Gastown Vancouver se puede ver en la escena de persecución al final de la película cuando los tres malandrines son perseguidos por Cambie Street pasando el reloj de vapor en la intersección de Water Street y luego por Blood Alley), y la playa donde cae Atreyu, que fue filmado en la playa almeriense  de Mónsul en San José. El rodaje ocurrió en el verano de 1983. Fue el verano más caluroso en 25 años en Alemania. los efectos especiales, que en 1984 todavía se realizaban sin la ayuda de ordenadores. 

Todas las figuras tuvieron que ser diseñadas y elaboradas de verdad. Primero se realizaban pequeñas figuras de barro como maqueta que luego se construían en tamaño real con yeso. Las figuras de yeso servían como molde para la gomaespuma que ocultaba la mecánica del interior de los personajes. Para hacerse una idea de la complejidad de dichas figuras, eran necesarios 15 titiriteros para manejar a un único personaje. Algunos de estos muñecos animatrónicos todavía se encuentran en la ciudad del cine de Baviera; de hecho una de las atracciones más populares es el paseo es la figura original de Fujur , el dragón de la fortuna de esta película. 

La banda sonora de The NeverEnding Story fue compuesta por Klaus Doldinger del grupo alemán Passport de jazz. El tema principal de la versión en inglés de la película fue compuesto por Giorgio Moroder con letra de Keith Forsey e interpretado por Christopher "Limahl" Hamill, que fue el cantante principal de Kajagoogoo, y Beth Anderson. 

La película tuvo gran éxito, mientras que la novela homónima de Michael Ende ganó aún más popularidad entre el público juvenil.

Fue galardonada con el premio Goldene Leinwand de 1984, el Premio Saturno de 1985 al mejor actor juvenil Noah Hathaway, el premio Bayerischer Filmpreis de 1985 y el premio Deutscher Filmpreis del mismo año al mejor diseño de producción para Rolf Zehetbauer. 

La crítica alabó y la criticó con fuerza. Para Variety la película era "Una vuelo de pura fantasía maravillosamente realizado." . 



El crítico de cine Roger Ebert en Chicago Sun-Times elogió sus efectos visuales, diciendo que "se ha creado un mundo completamente nuevo" gracias a ellos, y añadió que "El mundo de esta película parece un lugar muy particular, y la dirección artística implica una gran cantidad de imaginación. (...) . 

Frente a Ebert, dos habituales de las columnas de diarios de Chicago se quejaban amargamente de la película. Gene Siskel, dijo en cambio que los efectos especiales y la dirección artística de la película tenían un aspecto baratos y que Falkor - nuestro Fújur- el dragón de la suerte se parecía al tipo de peluche que ganarías en una feria campirana y desecharías una vez que te marchas. También se refirió a Noah Hathaway como un "aburrido" en su desempeño y dijo que la película era "demasiado larga", incluso después de que Ebert señaló que la película sólo duraba 90 minutos. 

Dave Kehr del Chicago Reader sostuvo que "A pesar de la sofisticación del material de origen, la película no es especialmente un éxito: Petersen insiste en forzar las lecciones morales superficiales, y la media hora retirada de la película por las distribuidoras americanas la deja con un ritmo duro y entrecortado." 

Joshua Tyler de CinemaBlend se refirió a ella como "Una de las pocas verdaderas obras maestras de la fantasía". 

Vincent Canby habitual columnista del The New York Times denostó la película como una "fantasía para niños sin gracia y sin sentido del humor, que combina actores reales y criaturas animadas en entornos principalmente imaginarios." La crítica de Canby acusó que partes de la película "sonaban como 'La guía del existencialismo para preadolescentes'". También criticó los efectos especiales "de mal gusto" y que la construcción del dragón parecía "una alfombra de baño poco práctica". 

Colin Greenland reseñó The NeverEnding Story para la revista Imagine y afirmó que "quizás la heroica búsqueda del joven Atreyu para salvar la tierra de Fantasia de la Nada que todo lo consume podría haber sido más convincente si no hubiera sido editada tan torpemente". 

En el Reino Unido Peter Bradshaw, el habitual crítico de The Guardian comentó que era "Un maravilloso mundo de bestias y jóvenes héroes (...). Menos generoso, desde las páginas de Empire, Iam Nathan escribio "Era dulce y encantadora en su momento, pero ahora le falta la comedia o la sofisticación de las películas de fantasía para niños a las que todos nos hemos acostumbrado. (...) ".

En la actualidad hay cierto interés por recuperar esta historia , no sólo ya por su cuarenta aniversario, sino como hace poco publicó la revista especializada 'Variety', pone fin a la carrera por una de las propiedades cinematográficas más atractivas, puesto que distintos estudios y plataformas habían mostrado su interés para adquirir los derechos de la historia de Ende.

Con la alianza entre Michael Ende Productions y See-Saw Films, la nueva sociedad ha recibido los derechos de la historia por parte del albacea de Ende, Wolf-Dieter von Granau, y el equipo de la empresa incluye nombres como el que fue editor del autor, Roman Hocke. La fuente mencionó que habrá "varias películas". En el nuevo proyecto se han implicado al parecer Iain Canning y Emile Sherman, que producirán para See-Saw junto a Roman Hocke y Ralph Gassmann, que lo harán para Michael Ende Productions. "La historia es a la vez oportuna y atemporal, y realmente tiene la oportunidad de ser contada de una manera fresca", dijo Canning en declaraciones a Variety. "Y parte de lo especial del libro es que puedes volver a él a diferentes edades de tu vida y encontrar diferentes niveles de significado. Así que es maravilloso que tengamos esta oportunidad de hacer una perspectiva fresca que tendrá nuevas capas y significados", añadió. Pero esa historia será comentada en otro momento. 

domingo, 27 de octubre de 2024

Almas sin conciencia



Segunda película de la Trilogía de la Soledad de Federico fellini. Con las noches de Cabina culminaría la trilogía de la soledad integrada por La Strada, Il bidone y la citada Las noches de Cabina  (1957) y como en ella participa en un breve papel Giulieta Masina, que aquí hacen la novia de uno de los estafadores, en concreto Picasso. Son obras que integran el tramo final del neorrealismo, una corriente cinematográfica que llevo a la pantalla la vida de la gente corriente y su sufrimiento en el día a día con un mínimo de adorno. 

Se trata de un drama del año 1955 que en italiano recibió el nombre de Il bidone y que participan en la misma dos actores norteamericanos como es el caso de Broderick Crawford y Richard Basehart. Junto a ellos aparecen Franco Fabrizi y Sue Ellen Blake. Además participan en esta obra de Titanus Giacomo Gabrielli, Alberto de Amicis, Irene Cefaro, Ricardo Garrone y Lorella De Luca, 

Il bidone presenta una historia llevada a la gran pantalla por el guión de  Tullio Pinelli, Federico Fellini y Ennio Flaiano. El director de la Producción fue Giuseppe Colizzi, aunque el productor - participan en la misma Titanus y Société Générale de Cinématographie - fue Mario Derecchi.

La fotografía en blanco y negro fue obra de  Otello Martelli y la música, de un grande, Nino Rota . En el montaje participan Mario Serandrei y Giuseppe Vari. 

Tres estafadores que operan en Roma, Augusto, Roberto y Picasso, preparan un golpe con la ayuda de otro timador, conocido con el sobrenombre de "El Barón". Éste les espera en una solitaria carretera para entregarles las instrucciones. El trío llega a una casa de campo donde, aprovechándose de la buena fe de unas pobres e ingenias mujeres o campesinos pobres , les estafan cerca de medio millón de liras. Esto ocurre en un campo fuera de Roma, y los estafadores van disfrazados  de clérigos y estafan a los agricultores pobres con sus ahorros. 

Otra estafa en un barrio marginal es hacerse pasar por funcionarios que reciben depósitos para apartamentos. Las ganancias se gastan en coches llamativos, champán y prostitutas. 

Un miembro de la pandilla, Carlo, apodado Picasso por ser un aspirante a artista, finge ante su fiel esposa Iris que es un vendedor ambulante, pero ella poco a poco deja de creerle. Su conciencia se remuerde y decide dejarlo. 

Otro integrante, Augusto, se encuentra por la calle con su hija adolescente Patrizia a quien no ve desde hace años, y su conciencia también se despierta. Sin embargo, es reconocido en un cine con ella, arrestado y encarcelado. Cuando es liberado, se une a una nueva pandilla para trabajar en la estafa del clero entre los campesinos. 

Después de estafar una gran suma a una familia de agricultores, habla con su hija adolescente afectada por la polio. Su difícil situación lo conmueve, y cuando la pandilla viene a compartir las ganancias, él dice que lo devolvió todo. Se desarrolla una pelea y él cae al suelo. Al desnudarlo, los delincuentes descubren que ha ocultado las ganancias entre su ropa. En la ladera de una colina lo abandonan a una muerte lenta. 

La película es una nueva disección de la sociedad italiana de mediados de la década de los años cincuenta coma llena de fuerza y simbolismo, de la mano de un Federico felino que ya dejaba traslucido en ese trabajo sus dotes como fiero salvador de la realidad y es que más que centrarse en la historia dura y en ocasiones casi siniestra Federico puso el énfasis en destruir la solitaria tristeza que caracteriza las vidas de los protagonistas especialmente la de Augusto interpretado por Broderick Crawford. Lo cierto es que Fellini había previsto a Humphrey Bogart para el papel de Augusto, pero, al enterarse de que Bogart estaba enfermo de cáncer, finalmente eligió a Broderick Crawford para el papel.

Por cierto el título en español tiene un poco que ver con él original italiano mucho más simple y descriptivo y menos moralista; el timo

La película fue presentada en el Festival de Venecia de 1955 , pero no se estrenó en Estados Unidos hasta 9 años después. 

Con motivo de su estreno en Estados Unidos, retrasado nueve años, el crítico Bosley Crowther , habitual del The New York Times, calificó la película de "un thriller policial barato". Y añadió: "Esta película, que a menudo se menciona en las valoraciones de las obras del maestro, se destaca como un paso en falso en su movimiento hacia el desarrollo de un tipo de material narrativo... Pero contiene algunas fases y acumulaciones de Fellini muy fuertes. de estados de ánimo que hacen que valga la pena verla y, en general, está bien interpretada... La interpretación de Broderick Crawford como el estafador es pesada y empapada, con un don particular para el histrionismo posado en las escenas de estafa". Ya en España, en concreto en la revista Fotogramas la valoran como "una fábula moral que combina el sentido de la comedia con una reflexión en los límites de lo religioso. Es una obra realmente compleja, donde ciertas irregularidades expositivas no llegan a malograr sus resultados, viéndose compensadas por la riqueza de sus propuestas. Debe disfrutarse sin ningún tipo de prejuicio". 

Tormenta infinita



Película del año 2022 dirigida por el polaco Malgorzata Szumowska y que se hizo para la gloria de Naomi Watts. Y es que Infinite Storm es una película que conjuga drama y aventuras en la que la directora Małgorzata Szumowska realiza su trabajo en colaboración con Michał Englert. La pel´ícula cuenta con el guion de Josh Rollins, basada en el artículo High Places: Footprints in the Snow Lead to an Emotional Rescue de Ty Gagne. En la producción de la misma entraban Polish Film Institute y Maven Screen Media respaldadas por Celine Rattray, Trudie Styler y la misma Naomi Watts. En el apartado técnico de la película se encuenbtran igualmente Lorne Balfe en la música, Michał Englert en la fotografía y Jarosław Kamiński así como Agata Ciernark en el montaje.  

La película comienza con el despertar de una mañana casi invernal de una mujer con un pasado de dolor. La protagonista, Pam Bales (Naomi Watts), una mujer que tras perder a su familia está en un proceso o etapa de autodescubrimiento de su vida. El día coincidente con un triste aniversario decide realizar un salida en un día frío e iniciar largo recorrido de trekking por las montañas de New Hampshire. A pesar de que el señor que John, el hombre regenta el bar y amigo de ella (Denis O´Hare) le pide te tenga cuidado porque dan mal tiempo en la montaña, ella decide salir ya que para la protagonista, el senderismo de alta montaña es su mejor forma de superar (más bien, sobrellevar) la muerte de sus hijas y "es más barato que la terapia". 

Cuando llega con su coche al aparcamiento de partida para subir a la montaña se encuentra con dos montañeros que se retiran, pero allí además queda otro coche. Tras dejar su recorrido programado por si le ocurre algo en la montaña, inicia un largo sendero que la lleva a cruzar ríos, bosques llegando hadsta la zona alta y descarnada de la montaña. 

Allí comienza a escuchar voces y a detectar que alguien ha subido en zapatillas. Poco después en plena ventisca - y tras salir de una situación complicada- se encuentra con un montañero al que desde este momento se le llama John (Billy Howle) a punto de morir, iniciando ambos una odisea por la supervivencia en condiciones climáticas extremadamente adversas . 



De hecho nos encontramos a una Naomi Watts al límite luchando por sobrevivir en un drama ambientado en plena montaña de New Hampshire, en la llamada montaña blanca, en esta historia basada en hechos reales que acaba informando que Pam, con el tiempo se unió a un grupo de rescatadores de las montañas del oeste de los Estados Unidos.  

Dirigido por la cineasta polaca responsable de la película ellas la cinta cuenta la historia de pan una intrépida excursionista que trabaja de enfermera y que un día de otoño emprende una escalada a las montañas cercana del lugar donde vive a pesar de que las condiciones meteorológicas son nada favorables. 

Durante el trayecto en la situación se complica y la mujer queda atrapada bajo la una tormenta de nieve que le impide continuar, sin embargo al escuchar los gritos desesperados de un hombre que ha subido en zapatillas de deporte van a propiciar un encuentro que cambiarán la vida de la enfermera coma vida que estaba condicionada por el fallecimiento de sus dos hijas en un accidente doméstico por escape de gas. 

El rodaje comenzó el 1 de febrero de 2021 y concluyó el 1 de mayo de ese año en Kamnik, Eslovenia, una ciudad al norte de Ljubljana. La mayor parte de la película se rodó en locaciones de la ciudad y sus alrededores. El rodaje tuvo lugar en Velika Planina, un sendero natural en Kamnik. El elenco y el equipo también filmaron algunas imágenes en el valle de Kamniška Bistrica, que se encuentra cerca de la fuente del río Kamnik Bistrica. Algunas escenas se rodaron en el Centro Internacional de Pícnic (también conocido como Pri Jurju) en la misma región. 

En cuanto a las críticas sobre la película se mueven entre la aceptación de un buen trabajo, especialmente, por parte de Naomi Watts y la indeferencia más absoluta. Para David Ehrlich de IndieWire lo mejor es "La actuación estoicamente decidida de Watts invita a (...) hacer preguntas abiertas (...) pero 'Infinite Storm' no deja de empujar a Pam hacia su destino como si tuviera miedo de que fuera a llegar tarde."

Mejor opinión tiene Dennis Harvey de Variety que considera que "Aunque se queda un poco corta como drama humano, la última película de Szumowska (...) es totalmente satisfactoria como apreciación de la naturaleza como adversario magnífico." 

Michael O'Sullivan del The Washington Post la ve como "Una historia desgarradora, a vida o muerte, a la que se le ha quitado fuerza para sumar puntos melodramáticos que, aunque sean verdaderos, chirrían (…). 

Por último, dentro de las críticas estadounidenses destaco la de Marjorie Baumgarten del Austin Chronicle "Las imágenes son buenas, pero los diálogos y la trama, del actor hecho guionista Joshua Rollins, son poco convincentes. Muestra siempre los peligros a los que nos enfrentamos, pero nunca los explica (…)". 

Ya en España Marina Velasco en El Confidencial destaca que "La película profundiza en los límites del ser humano y cuenta con la mirada de una directora muy afincada en el plano emocional "

Es posiblemente la crítica de la texana con la que estoy más de acuerdo, pues ciertamente las imágenes de la fuerza de la naturaleza y la física humana filmadas por Michał Englert son magníficas, pero la historia no me ha conmovido en absoluto, y hay poca cosa peor que el desinterés en una película.

sábado, 26 de octubre de 2024

Monstruo



Maravillosa película japonesa del año 2023 firmada por Hirokazu Koreeda o Hirokazu Kore-eda, no simplemente ahora mismo el director de cine japonés más interesante y con mayor sentido del cine y posiblemente sensibilidad que en 2023 realizó esta película que tiene mucho de Kurosawa. 

Lo cierto que este aclamado director japonés que ya realizó una película como un asunto de familia firma esta personal historia y no deja de ser un drama de múltiples capas ganador del premio al mejor guion en Cannes 2023, escrito por Yuji Sakamoto que como suele ser habitual tiene a la familia coma al acoso a la infancia y a la frustración como temas centrales. 

Koreeda desentrañaba en Monstruo desde distintas perspectivas intercaladas entre las que están la de la madre, la del maestro y la de los dos menores una pelea entre niños con la que nos hace reflexionadas sobre cómo nos precipitamos a la hora de juzgar a alguien sin conocer la verdad de todo. 

Algunos críticos han señalado que la utilización de esta técnica narrativa en el fondo es como he dicho al principio casi un homenaje el Rashomon de Akira Kurosawa.

La película estuvo producida por Hirokazu Kore-eda, Minami Ichikawa, Kenji Yamada, Megumi Banse, Taichi Itō y Hijiri Taguchi por medio de las productoras Gaga, Toho, Fuji Television Network, AOI Pro y Bun-Buku, esta última del mismo Kore-eda. 

La película contó con una de las últimas composiciones del recientemente fallecido Ryuichi Sakamoto y contó igualmente con la fotografía de Ryuto Kondo y el montaje fue de Hirokazu Kore-eda. La película marca la primera vez que Kore-eda dirige una película que no escribió él mismo desde Maborosi (1995). 

La primera historia tiene como protagonista a Saori (Sakura Andō ) la madre de Minato que siente que su hijo sufre desde el momento en que empieza a ver que se comporta de manera extraña. Para ella incluso para nosotros el responsable de todo ha sido un profesor y eso es lo que parece ante los ojos de todos pero poco a poco la verdad saldrá a la luz.

Saori Mugino es una madre soltera que cría a su hijo de quinto grado, Minato Mugino (Sōya Kurokawa) . Pronto comienza a exhibir comportamientos extraños, como cortarse el pelo y volver a casa con un solo zapato. Una noche, Minato no regresa a casa y después de llamar, Saori lo encuentra en un túnel de tren abandonado. 

Saori comienza a sospechar del maestro de su hijo, el Sr. Michitoshi Hori (Eita Nagayama) , está abusando de él y se enfrenta a la escuela al respecto. La directora, Makiko Fushimi (Yūko Tanaka ), que acaba de perder a su nieto, la trata con frialdad, lo que culmina cuando Hori se disculpa falsamente. Cuando se enfrenta directamente a Hori, él afirma que Minato en realidad está intimidando a otro estudiante llamada Yori Hoshikawa (Hinata Hiiragi ) . 

Saori visita la casa de Yori y él, a pesar de su extraño comportamiento, parece tener cariño y preocupación por Minato. Hori finalmente es despedido de la escuela, pero regresa días después y Minato se cae por un tramo de escaleras tratando de escapar de él. 

Más tarde, Hori, que parece que es abandonado por su novia Hirona Suzumura (Mitsuki Takahata ) llega a la casa de Saori y Minato durante una tormenta, pero Saori descubre que Minato ha desaparecido. 

Un flashback regresa al comienzo de la película desde el punto de vista de Hori. Se da cuenta de que Minato muestra un comportamiento disruptivo, como tirar las pertenencias de otros estudiantes por el salón de clases y aparentemente encerrar a Yori en un baño. 

Hori también visita la casa de Yori, donde descubre que su padre, Kiyotaka Hoshikawa (Shidō Nakamura ), es un alcohólico abusivo. Cuando Saori comienza a preguntar sobre su hijo, la facultad presiona a Hori para que les deje encargarse del asunto para proteger la reputación de la escuela, lo que finalmente le exige que renuncie. Después de ser acosado por periodistas y abandonado por su novia, Hori regresa a la escuela para enfrentarse a Minato y contempla saltar desde el techo de la escuela después de que el niño cae por las escaleras. 

Durante la tormenta, Hori nota un patrón en la antigua tarea de Yori que parece deletrear el nombre de Minato. Al darse cuenta de que los dos chicos estaban realmente enamorados, Hori corre a la casa de Mugino para disculparse y asegurarle que no le pasa nada. 

Cuando Saori le dice que Minato ha desaparecido, van al túnel del tren para encontrarlo. Encuentran un vagón abandonado casi enterrado en el barro, pero solo ven el poncho de Minato en el interior. 

Comienza un flashback final desde el punto de vista de Minato. Los otros chicos se burlan habitualmente de Yori por su comportamiento asocial y aparentemente afeminado. Yori juega con el cabello de Minato, que luego corta impulsivamente. Los dos chicos se acercan y Minato comienza a defenderlo de otros matones, lo que Hori confunde con intimidación. 

A medida que los dos se vuelven más cercanos, Minato se angustia porque sus sentimientos se están volviendo románticos y porque no es un hijo digno de su padre. 

Una noche, cuando va a la casa de Yori, Yori y Kiyotaka declaran que Yori ha sido "curado", aunque Yori rápidamente lo cuenta, lo que incita la ira de su padre. Durante la tormenta, Minato encuentra a Yori abandonada completamente vestida en su bañera, cubierta de moretones, y los dos escapan al vagón abandonado, que se ha convertido en su escondite. 



Después de que amaina la lluvia, emergen del fondo del vagón y se preguntan si han renacido y corren juntos por un campo. A lo lejos, un camino que los dos querían tomar antes y que estaba cerrado ahora está libre y no hay restos a la vista. 

A destacar el trabajo de los jóvenes actores como son Soya Kurokawa, Sakura Ando, Eota Nagayama, Hinata Hiragi y Mitsuki Takahata. Ellos son los auténticos protagonistas de esta Kaibutsu. 

Monster fue la primera película en japonés que dirige desde el éxito internacional de Shoplifters (2018). Entretanto, rodó dos largometrajes: The Truth (2019), en inglés y francés, y Broker (2022), en coreano. 

El guion fue escrito por el exitoso guionista de televisión japonés Yuji Sakamoto. Kore-eda describió a Sakamoto como el único escritor con el que siempre había querido colaborar pero que dejó de pensar que sucedería. Kore-eda dijo que sentía una sensación de cercanía con Sakamoto por su interés compartido en los mismos motivos. Describió sentir "tanto envidia como asombro por su capacidad para desarrollar un tema de una manera tan tremendamente interesante". Sakamoto describió a Kore-eda como el "mejor guionista del mundo" y recordó haberlo admirado cuando los dos cineastas asistían a la misma escuela y ocasionalmente se codeaban. 

En cuanto a los actores y actrices Sakura Andō, Eita Nagayama y Yūko Tanaka fueron elegidos para los papeles principales junto con los dos niños actores Sōya Kurokawa y Hinata Hiiragi. El director había trabajado previamente con Andō en Shoplifters. 

Los dos niños actores fueron seleccionados después de repetidas audiciones. Kore-eda los elogió por su química compartida ante la cámara, que contrastaba las diferencias aparentes en sus apariencias faciales y personalidades. 

Ryuichi Sakamoto se comprometió a producir la música de la película. Sin embargo, Sakamoto no tenía la fuerza física para aceptar la oferta de crear una partitura completa. A petición directa del director, presentó dos piezas para piano. En un comentario, Sakamoto afirmó que la película trata un "tema esotérico" y que era difícil discernir quién era el "monstruo" del mismo nombre. Según Kore-eda, la colaboración con Sakamoto fue un "deseo de mucho tiempo que finalmente se hizo realidad". Durante el rodaje y la edición, escuchó la música de Sakamoto en su habitación de hotel. Sakamoto murió el 28 de marzo de 2023 tras una larga batalla contra el cáncer. 




El rodaje tuvo lugar en aproximadamente 25 lugares de la región de Suwa de la prefectura de Nagano (Suwa -allí sitúa la "Escuela primaria Johoku" - , Okaya, Fujimi y Shimosuwa), del 19 de marzo al 12 de mayo y del 23 de julio al 13 de agosto de 2022. Aproximadamente 700 estudiantes de escuelas primarias locales participaron como extras. 

Monster tuvo su estreno mundial en el 76º Festival de Cine de Cannes el 17 de mayo de 2023, donde compitió por la Palma de Oro y fue honrado con la Queer Palm y el premio al Mejor Guión.También fue invitado al 28º Festival Internacional de Cine de Busan en la sección 'Presentación de Gala' y se proyectó el 7 de octubre de 2023. En Japón, la película se estrenó el 2 de junio de 2023 La película se estrenó en Japón el 2 de junio de 2023. 

La película recibió elogios generalizados de la crítica, con elogios especiales por su guion, dirección, actuación, edición y partitura musical y apareció en muchas listas de los diez mejores años. 

David Ehrlich de IndieWire dijo de ella que era "Un conmovedor melodrama sobre cómo nos precipitamos a la hora de juzgar" . 

Richard Lawson de Vanity Fair destacó que "Kore-eda no escatima en sentimientos. Hay un profundo drama en el centro de la película, una aceptación de uno mismo que se plasma líricamente". 

Menos elogioso se mostró David Rooney del The Hollywood Reporter al decir que era "Un drama tierno pero difuso (...) No es la mejor película de Kore-eda, sin duda retiene demasiado para funcionar por completo, pero los fans del director encontrarán algo con lo que disfrutar" ; incluso tampoco fue abrazada por Peter Debruge de Variety que dejó por escrito que "Tiene una línea temporal engañosa y la revelación selectiva de información impide que el públique sepa ver hacia dónde se dirige la película" 

El británico Peter Bradshaw de The Guardian la consideró como "una película creada con una gran inteligencia moral y humanidad". Otro británico Nicholas Barber, el crítico de la BBC dijo de ella que era "Una crónica minuciosamente observada y profundamente compasiva de las desordenadas vidas contemporáneas (...). 

Ya en España los elogios son generales, aunque algunos no son entusiastas. Entre los que la elogiaron se encuentran Luis Martínez de El Mundo quien dijo de ella que muestra a un "Brillante Koreeda en contra, a favor y a pesar de la familia (...) un drama virtuoso y laberíntico con alma de puzle (...) es una película precisa como un reloj atómico y, por ello, prodigiosa en su virtuosismo y perfección" 

Por su parte, Elsa Fernández-Santos de El País considera que "Kore-eda contra el ‘bullying’. El cineasta japonés construye un intrigante melodrama (...) con un elenco de intérpretes maravillosos (...) Aunque la trama de la película a veces se retuerce en exceso, el resultado final convence." 

Elogiosos se muestran igualmente Philipp Engel del barcelonés La Vanguardia al defender que "Kore-eda brinda una nueva combinación de temas sociales e infancia que, si bien no está a la altura de sus obras maestras ('Nadie sabe', 'Still Walking'), tampoco decae como (...) 'La verdad' o 'Broker'. (...)" 

Más o menos en la misma línea, Irene Crespo en Cinemanía destaca que "La película, una vez se va desprendiendo de todas sus capas, va mostrando su verdadera naturaleza y, al final, no es nada más que una preciosa historia de amistad y de amor. (...) . Y Quim Casas en otro diario barcelonés, El Periódico defiende que "Koreeda propone un (...) estimulante juego al espectador, pues si la verdad parece clara al comienzo (...) nunca nada es lo que parece. (...) observa (...) y no enjuicia, una forma siempre interesante de pulsar la realidad. (...). 

Frente a la opinión de Quim Casas, en ese mismo diario un Nando Salvá menos elogioso nos dice que "Koreeda teje una intriga inicialmente absorbente que, eso sí, poco a poco va quedando cada vez más aplastada por su propio dispositivo." 


En esta línea se encuentra Oti Rodríguez Marchante del ABC al decir que "Es una película rica en sentimientos escondidos, en frustraciones disimuladas y en conflictos actuales, como el maltrato en los colegios y los juicios previos, pero no está entre lo mejor de este gran director." 

Y algo similar defiende Sergi Sánchez en La Razón concluyendo que "El viaje de la oscuridad a la luz es interesante, en la medida que se hace a través de los huecos de distintos puntos de vista, pero las trampas narrativas están repartidas por doquier a lo largo del relato para que, al final, salgan las cuentas." 

Por mi parte, reconozco que la película me ha encantado. He visto revisada la concepción narrativa de Kurosawa, y veo en Kore´-eda un sabio alumno con personalidad propia y capacidad para contar historias sensibles que nos convierten en más humanos, y lo hace con la delicadeza y la dureza japonesa, pues todo cabe en Kore- eda.



viernes, 25 de octubre de 2024

Tres chicas con suerte



Stanley Donen, 1953, y una historia muy de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) y las suyas, con un Jack Cummings en la producción, un presupuesto de $1.7 millones, música de Burton Lane, y una historia de tres productores de Broadway que tratan de encontrar a la chica perfecta para su nuevo musical escrito por Albert Hackett, Frances Goodrich, partiendo de una historia escrita a su vez por Vera Caspary y una fotografía en Technicolor , la de William C. Mellor. Pero en esas tenemos además a Debbie Reynolds, a un muy joven Bob Fosse y otro más joven George Chakiris. Y todos dirigidos por un Stanley Donen que con 28 años ya había filmado tres joyas imperecederas del musical ("Un día en Nueva York", "Bodas reales" y "Cantando bajo la lluvia", y a los 35 ya llevaba en su curriculum otras joyas como "Siete novias para siete hermanos", "Siempre hace buen tiempo", "Juego de pijamas", "Indiscreta" y la que aquí nos ocupa, "Tres chicas con suerte". "Give girl a break" tiene todos los elementos que el clásico musical de Stanley Donen : historia de amor chico-chica, alegría contagiosa, pequeñas dosis de comedia, gran colorido , decorados , coreografías brillantes en números musicales y una una música maravillosa, y actores y actrices de la talla de Bob Fosse, Debbie Reynolds, o Marge Champion, Gower Champion, Hellen Wood y junto a ellos Kurt Kasznar y Richard Anderson. 

La historia es la siguiente. Cuando la temperamental estrella de una nueva revista musical de Broadway abandona los ensayos, el director y coreógrafo Ted Sturgis (Gower Champion ) sugiere elegir a una desconocida para el papel, cosa que hace con el visto bueno del productor. Cuando se anuncia en los periódicos, aparecen multitudes de aspirantes. Cantan sobre sus esperanzas en la canción "Give a Girl a Break". 

El compositor musical de la revista, Leo Belney (Kurt Kasznar ), defiende a la bailarina Joanna Moss ( Helen Wood), mientras que el recadero o repartidor - chico para todo- Bob Dowdy (Bob Fosse) queda encantado con una chica joven y novata como Suzy Doolittle (Debbie Reynolds). 

Tras eso, el productor Felix Jordan (Larry Keating ) convence a la ex pareja de baile de Ted, Madelyn Corlane (Marge Champion ), para que salga de su retiro para probar, para gran malestar de Ted. Leo, Bob y Ted cantan sobre los desafíos de reescribir el programa para un nuevo intérprete en "Nothing is Impossible". 

Joanna , que en realidad es Olga Bradshaw, y que ha dicho que es soltera llega a casa y le dice a su marido que tiene muchas posibilidades de conseguir el papel. Él tiene sus propias noticias emocionantes. Le han ofrecido un puesto como jefe del Departamento de Música de una universidad sita en una pequeña ciudad. Discuten y luego se reconcilian. 

Por su parte, Suzy Doolittle regresa a casa para decirle a su madre (Lurene Tuttle ) que tiene una oportunidad para conseguir el papel. Su madre le dice que debería pasar la noche preparándose para la audición de mañana. Bob Dowdy aparece mientras ella practica. Ella sale con él. Cantan y bailan "In Our United State". 

La tercera en discordia es visitada por Ted. Éste va de visita a por Madelyn Corlane ( Marge Champion) para hacerle saber que si quiere el papel será mejor que se presente y haga una gran audición. Comienza "Challence Dance o El desafío de la Danza". Ella lo iguala paso a paso. Están listos para abrazarse cuando aparece su cita para la noche. 



Mientras tanto,  Bob fantasea con bailar con Suzy en una secuencia usando las canciones "Give a Girl a Break" e "In Our United State". 

Leo fantasea con dirigir una orquesta mientras Joanna baila el "Puppet Master Dance" y  Ted se imagina bailando con Madelyn "It Happens Ev'ry Time". 


Joanna, Suzy y Madelyn realizan bien sus audiciones. Leo, Felix y Ted discuten quién debería conseguir el papel. Bob los escucha hablar sobre Suzy en el papel y, suponiendo que ella tiene el papel, la llama y le dice que ella tiene el papel. Se produce una acalorada discusión. Tanto Félix como Leo quieren a Joanna para el papel. Ted prefiere a Madelyn pero lo admite. El papel será para una  Joanna quien acepta el papel. 

En esto, Bob llama a Suzy para decirle que estaba equivocado. Suzy está destrozada. Ted va en persona para hacérselo saber a Madelyn. Los ensayos están en marcha con Joanna. Sin embargo, Joanna no está bien y corre llorando hacia su camerino. Su marido aparece dispuesto a abandonar la ciudad en busca de su nuevo trabajo. Joanna deja de llorar y felizmente anuncia que está embarazada y que se va con su marido. 

Félix, Leo y Ted discuten la contratación de Suzy para el papel. Bob corre y la llama para avisarle. Ella no le cree pero él la convence. Sin embargo, han decidido ofrecerle el papel a Madelyn. Pero cuando queda claro que Madelyn se ha ido de la ciudad y no pueden localizarla, le ofrecen el trabajo a Suzy. Llega la noche del estreno. Vemos a Ted y Suzy bailar y cantar "Applause, Applause". 

El programa y Suzy son un éxito. Ted sale al teatro vacío después del espectáculo y ve a Madelyn. Él le pregunta por qué se fue. Ella le dice que quería saber si lo que extrañaba era el mundo del espectáculo o a él. Fue él. Corren uno hacia los brazos del otro, acabando así la película que apenas supera los setenta minutos. 

Como escribió Martin Gottfried en su libro All His Jazz: The Life and Death of Bob Fosse, "Había elementos residuales del gran proyecto que alguna vez fue, una partitura de Burton Lane e Ira Gershwin -- siendo esta su única colaboración- con la dirección de Stanley Donen y supervisión musical de Saul Chaplin. Los guionistas, Frances Goodrich y Albert Hackett, también fueron estimables, aunque en este caso habían escrito una historia breve en la que tres actrices desconocidas competían por un papel en Broadway que queda disponible cuando la estrella abandona. ".




La tercera actriz principal, Helen Wood, tenía experiencia como actriz antes de ser contratada por Metro-Goldwyn-Mayer, pero eventualmente dejaría Hollywood para trabajar en el teatro en Nueva York, incluido bailar en el Radio City Music Hall.

jueves, 24 de octubre de 2024

The Warrant 2: La ley del sheriff Breaker



Breiker ha dejado de ser sheriff para convertirse en Marshall, y ha dejado los verdes bosques de Missouri, por la tierra seca de Arizona. La historia continúa desde la película original, siguiendo la vida de John Breaker, interpretado por Neal McDonough. Al menos, en esta segunda entrega que se desarrolla en la década de 1870 debo de reconocer que es mejor que la primera. 

En ella nos encontramos que participan el mismo director, Brent Christy,  con la misma guionista (Shea Sizemore) con los mismos productores y productoras ( Beta Productions, Big Indie Pictures y INSP Films) y gran parte de los actores, pero cambia la historia y cambia el entorno. 

En esta segunda entrega el Marshall John Breaker y su ayudante, Bugle, escoltan a un peligroso criminal a través del país hasta la cárcel de un pequeño pueblo de Arizona. Breiker con su buen amigo y adjunto, Bugle Bearclaw, han de cumplir con una orden judicial a entregar a Henry Bronson, el tuerto, un forajido a las autoridades locales del sur de Arizona. 

Pero este área del país no solo esta desolado la zona sino por bandidos que no suelen dar la cara y que intimidadan incluso a las autoridades como ocurre en Absolent cuyo Marshall decide salir, al igual que otros muchos habitantes de la ciudad, intimidados por los forajidos. 

Bronson pasó años evadiéndose de las autoridades después de años de actividad criminal. Después de capturar a Bronson, comienzan el viaje para entregarlo al marshall local. Al llegar a la localidad ve que la autoridad competente que ha de hacerse cargo del forajido es un militar que ha decidido fusilar al detenido sin previo juicio para quitarse las responsabilidades. Esto no lo puede permitir un homnbre que cree en la ley y en la justicia como Breiker. 

Como las cosas no salen según lo planeado decide llevarse el preso para entregarlo en otra localidad en la que esté presente un juez como es Absolem Hill donde un juez de nombre Thaddeus y que tiene una marca en la cara se muestra implacable en la aplicación de la justicia. 

Mientras se mueve con su amigo y compañero descubre  se dan cuenta de que Bronson es el hermano gemelo del auténtico delincuente, el famoso forajido Yule Bronson que actúa sobre la zona. 

Lo cierto es que Yule Bronson (Dermot Mulroney) aterroriza regularmente a la ciudad donde tiene su sede el marshall local, Absolem's Hill. 

Con la llegada de Breaker, Bearclaw y el hermano separado de Yule, la historia va dando sorprendentes giros y vueltas dadas las  conexiones familiares de John Breaker con Absolem Hill que también se ven involucradas en el asunto.

Allí el juez Thaddeus y la banquera local , Charlotte (Amy Hargreaves), resultan ser el padre y la hermana del marshall , y para más inri, Charlotte, una jogven viudad, es el amor no confesado de Bugle,  ya que se enamoró de ella tras la muerte de su mujer. Thaddeus y Charlotte únicamente reciben el apoyo de un ciudadano (Lou Beatty Jr) , un hombre de color , ex minero . Los tres están atrincherados dentro del banco local cuando llega Breiker. 

Breaker ha de decidir si dejara allí a su cautivo al cargo del juez local Taddeus (Bruce Boxleitner ) o hacer frente a los secuaces del criminal. Y, evidentemente, hace lo que debe hacer: las dos cosas como marshall y como hijo y hermano. 

En esta entrega volvemos a encontrarnos con Neal McDonough y Gregory Cruz, y se suman a la historia Dermot Mulroney, Bruce  Boxleitner, Amy Hargreaves y Lou Beatty Jr. 

Estuvo nominada al premio Golden Nymph en la categoría de ficción en 2023. Fue estrenada directamente en televisión en el canal Vudu en primavera de 2024.


Mulholland Drive



Casi como un homenaje García Lorca y su Casa de Bernarda Alba y su "Silencio" dicho por la "Llorona de Los Ángeles" en el centro vacío en el que su nombre previamente habitado que no hay orquesta que todo está grabado,  termina Mulholland Drive, una de las película de David Lynch que mejor representa la obra del director de Missoula. 

Contiene todos los elementos de Lynch desde el mundo onírico, hasta el rojo de Lynch tan identificativos como el rojo y director italiano de terror, Darío Argento. A eso se sumó a su personaje complejos que parecen salir de un sueño - casi pesadilla- de Goya. Sus enanos en una sala, esas personas poco definidas en un salón de baile, los desplazamientos el coche por carretera solidarias, la aparición de mafiosos, las actuaciones ante una sala vacía, la reflexión sobre la corrupción y el mundo del cine, al fin y al cabo el poder, lo deforme, lo poco lógico, lo que nunca es claro. Para dar un mayor toque Lynch además contiene la  música de su música de cabecera, Angelo Badalamenti. 

La película del año 2001 es un auténtica joya y sobre todo se ha convertido ya en un clásico que ha recuperado por Criterion. 

En la misma aparecen Naomi Watts, Laura Harring, Justin Theroux, Jeanne Bates, la banda sonora de Mulholland Drive fue supervisada por Angelo Badalamenti, quien colaboró en proyectos anteriores de Lynch, Blue Velvet y Twin Peaks. Badalamenti, quien fue nominado a los premios del American Film Institute (AFI) y la Academia Británica de Cine y Televisión (BAFTA) por su trabajo en la película, también tiene un cameo como un tipo aficionado al espresso que no deja de ser un mafioso. 

Mulholland Drive, se mueve entre el sueño y la realidad a través de una actriz que junto a otra chica, recorrerán las calles y colinas de Los Ángeles buscando respuestas en un viaje más allá de los sueños y de la realidad. 

La película está descrita como oscura, misteriosa, densa, dramática y llena de suspenso pero habría que añadir con una carga emocional y erótica. 

De ella han escrito mucho y muy bien. Roger Ebert del Chicago Sun Times la consideró una de las mejores películas del año y dijo: «Esta es una película a la que te tienes que rendir. Si buscas lógica, ve a ver otra cosa. Mulholland Drive va directamente a las emociones». Y añadió que era un "Un viaje onírico y surrealista con forma de film noir que cuanto menos sentido tiene más adictivo se vuelve (...)"!. 

Peter Travers de Rolling Stone la incluyó como una de las «diez mejores películas de la década» diciendo: «El reto es estimulante. Tú puedes descubrir mucho sobre ti mismo al perderte en esta película. Se agarra a un sueño que no te dejará ir». 

René Rodríguez de Miami Herald fue más allá y la nombró «mejor película de la década» expresando: «Esta película simplemente requiere de una mente abierta, un amor por el buen cine y la voluntad de poder soñar».

Kenneth Turan de Los Angeles Times dijo de ella que "Probables o no, estos detalles no significan nada en un argumento convencional, pero como imágenes poderosas, como películas de un mundo imaginario, son inolvidables. Y esa, como probablemente diría David Lynch, es exactamente la intención." En esa misma costa , Edward Guthmann, del SFGATE comenta que "Nos mantiene fascinados y entretenidos durante todos y cada uno de sus desquiciados, exquisitos y exasperantes 146 minutos" . 

En la revista progresista, Slant, Ed Gonzalez señala que "Una obra maestra cautivadora y egocéntrica que literaliza la teoría de que el surrealismo es un estado onírico perpetuo (...) 

Stephen Holden del The New York Times comenta que "Lynch da un salto extraordinario para abrazar lo irracional (...) Como autorreflexión monumental, está a la altura de '8 ½' de Fellini y otras fantasías autorales." 

Nuevamente en Illinois Michael Wilmington del Chicago Tribune consideró que "Nadie crea pesadillas cinematográficas como David Lynch y 'Mulholland Drive' es una de las más intensas y aterradoras"

En Variety, uno de sus articulistas, Todd McCarthy, la definió como "Un thriller amenazante y lleno de suspense (...) Un debut impresionante de Watts" 

En la devastada ciudad de Detroit, Tom Long, en las páginas del Detroit News escribe que "Puedes salir de esta película con dolor de cabeza, puedes salir cabreado o puedes sentirte como si acabaras de volver del reino de Oz: pero no saldrás indiferente" Por otro lado, otros críticos disintieron con la película. 

Deeson Thompson de The Washington Post expresó: «Mulholland Drive es una ópera del estado de ánimo extendido, si quieres ponerle una etiqueta artística a esta incoherencia».

La prensa inglesa también la valoró y en concreto, Peter Bradshaw, del The Guardian señala que "No ha envejecido nada (...) Es lo más deslumbrante e inquietante que ha conseguido hacer Lynch (...). En parecidos términos habla Luke Buckmaster de la BBC al decir que "Hay algo fascinante en un film que prioriza las preguntas sobre las respuestas y que trasciende los límites cinematográficos al mismo tiempo que ofrece una experiencia muy satisfactoria"

Ya en España , Oti Rodríguez Marchante de ABC afirma que la película es "Brillantísima, sofisticada, retorcida y críptica (...) Historia vulgar, sabida y sobada por el cine y aledaños, que Lynch consigue convertir en lo nunca visto" . 

En El País, dos columnistas como Miguel Ángel Palomo y Ángel Fernández Santos la describen, el primero como "Lynch regresa a sus ambientes oníricos en un filme que envuelve al espectador en un turbio desasosiego. (...) varias historias cruzadas; aunque tal vez sean la misma, pero vista desde varios ángulos. Las fascinantes imágenes que inundan 'Mulholland Drive' plantean muchas preguntas, pero aportan pocas respuestas. Quizá por eso el propio Lynch confesó que desconocía el significado del desconcertante desenlace de esta obra inclasificable."; mientras que el segundo lo hace en los siguientes términos ""Brillante y retorcida, artificiosa y, obviamente, sobrevalorada (...) Lynch juega a hacernos creer que él tampoco entiende qué demonios ocurre al final, ni en medio". 

En El Mundo otros dos críticos afirman que "El prodigio de pedernal de Lynch sigue intacto. Perfecto en cada una de sus aristas. Indestructible. Aún obliga en cada visionado a una interpretación: siempre nueva y siempre diferente. (…) en el caso de Luis Martínez; mientras que Manolo Marinero escribe que "Lynch vuelve a su cine caótico y pedante con 'Mulholland Drive'. La película es una sucesión de escenas deshilvanadas que componen una auténtica ceremonia de la confusión. En efecto la trama se va bifurcando en miniaventuras e incidentes cuya aparición no es explicada en su momento del metraje, ni será explicada tampoco al final. Las imágenes, además, no tienen magia ni magnetismo, como pretenden. (...) Lynch, a quien se le elogia por ser arbitrario, hace de las suyas. Es un enfant terrible y un niño mimado. Pero el cine tiene sus reglas y se paga transgredirlas, sobre todo a cambio de nada. Tarde o temprano." 

En Cinemanía otros dos críticos hace su valoración. Para Pablo González Taboada se trata de una "Obra maestra (...) Nada es lo que parece en este intenso laberinto de pasiones e intrigas."; mientras que para Bárbara Escamilla ""Lynch se rinde homenaje en esta genial (y confusa) obra. (...) un puzzle con más huecos que piezas, llena de impulsos inconscientes (...) ". 

Y en Fotogramas Jordi Costa considera que "El film, en su indescriptible clímax final, rompe concatenaciones temporales, identidades, asideros y percepciones lineales, logrando que todos los elementos de su sinfonía rimen, que no haya cabo suelto (…)

Todo esto y mucho más se ha escrito de esta absorbente, morbosa e hipnótica película de la que no puedes separar la mirada desde que comienza. 



miércoles, 23 de octubre de 2024

Emboscada en el paso apache




Cuando una película abusa de la narración , la película suele tornarse fangosa. Sin llegar a ocurrir esto, creo que lo peor de Emboscada en el Paso Apache es lo peor de la película, pues la película es lo esperable: un western de serie B, para la gloria de Audie Murphy, realizado tres años después de "Rifles apaches", una historia que volvía sobre este tema del mismo director y del mismo protagonista, eso sí, ahora con cuarenta rifles de repetición que deben pasar por el Paso Apache sin que sea interceptado por Cochise. El Paso Apache parece ser que es real. Se trata del Puerto del Dado, - conocido en inglés como Apache Pass- y que está ubicado en el territorio del sur de Arizona, entre la Sierra de las dos Cabezas y la Sierra de Chiricahua. Viene a ser un histórico paso de montaña con una altura de 1.560 metros sobre el nivel del mar. 

En 1862, cuando luchaban por defender su territorio en Arizona, con cerca de 500 hombres los líderes de los apaches, Cochise y Colorado, se enfrentaron contra 3.000 voluntarios estadounidenses, quienes, tras hacerse con varios cañones, hicieron que los apaches emprendieran la retirada. Al año siguiente, Colorado fue apresado y asesinado, mientras que Cochise (Shi-Ka-She) quedo como líder absoluto de la comunidad N’dée. El término, Apache, está cada vez más en desuso por ser peyorativo y significar: Enemigo.

Lo cierto es que parte el último tercio del siglo XIX, los Apaches - los llamamos con su nombre más conocido- , están en pie de guerra  y no permiten que nadie atraviese su territorio ni tan siquiera a los colonos que llevan un tiempo asentados en el mismo, cuyas granjas y ranchos peligran, así como sus vidas. 

Acorralado en Arizona, se encuentra un destacamento de la caballería de los Estados Unidos. Su única esperanza es la llegada de un cargamento de rifles que debe cruzar precisamente territorio apache.

La misión de Murphy, un capitán del ejército que hizo carrera durante la Guerra de Secesión, es primero salvaguardar las vidas de los colonos que allí viven, entre ellos, su novia y la familia de ésta- los Malone- , y luego no dejar nada en provecho de Cochise y conseguir un cargamento de fusiles. Esa en resumen en la historia rodada en 1967, y que llevó por título 40 Guns to Apache Pass que fue dirigida por William Witney y basada en un guion escrito por el matrimonio formado por Willard W. Willingham y Mary Willingham.

La película fue producida por Grant Whytock por las productoras de Admiral Pictures y Robert E. Kent Productions con la distribución de Columbia Pictures que puso sobre la mesa los $400,000 del presupuesto. Para rodarla contó con el fotógrafo Jaques R. Marquette rodada en Eastmancolor , el montaje del mismo productor  Grant Whytock siendo la música responsabilidad de Richard LaSalle.

La película contó con un elenco encabezado por  Audie Murphy como el Capitán Bruce Coburn, Byron Morrow como el Coronel Homer E. Reed, Robert Brubaker como el Sargento primero Walker , Kenneth Tobey como el Cabo Bodine , Ted Gehring como el soldado Barratt, Willard W. Willingham como el soldado  Fuller,  James Beck como el soldado Higgins, Michael Blodgett como el soldado Mike Malone,  Michael Burns  como Doug Malone , Kenneth MacDonald como Harry Malone  Kay Stewart como Kate Malone,  Laraine Stephens como Ellen Malone y Michael Keep como Cochise . 

La historia se desarrolla en el territorio de Arizona de 1868, cuando los apaches, liderados por Cochise (Michael Keep), están en pie de guerra. 

El capitán del ejército Bruce Coburn (Audie Murphy) tiene la tarea de escoltar a los colonos hasta Apache Wells, donde pueden concentrar su defensa contra los apaches. Pero cuando llegan al rancho de los Malone, donde vive un matrimonio con sus tres hijos - siendo ella la novia de Bruce- descubrimos que el padre, en principio se niega a irse y , segundo, que hay disensión en las filas ya que algunos de los hombres bajo el mando de Coburn sienten que se les está presionando demasiado. Coburn tiene que disciplinar al cabo Bodine (Kenneth Tobey) - un antiguo sargento deggradado por su indisciplina y su falta de principios-  por robar agua racionada, dándole una auténtica paliza dejándole el ojo y su imagen por los suelos. 

Cuando están a punto de llegar al fuerte de Apache Wells, son atacados y uno de los colonos, Harry Malone (Kenneth MacDonald), muere. De inmediato, sus dos hijos varnos, Mike (Michael Blodgett, el mayor) y el más joven y tímido, Doug (Michael Burns), se unen al ejército. 

En el Fuerte son conscientes que para defenderse en Apache Wells, necesitan armas y, cuando reciben un mensaje en el que una partida de rifles automáticos está llegando, Coburn recibe la orden de elegir a 10 hombres y junto a él son encargados de traer los envío de rifles de repetición que está en camino, o al menos evitar que lleguen a manos de los apaches. 

En el camino, Coburn y sus hombres son atacados cuando están en Apache Pass. Los inexpertos hermanos Malone se quedan cuidando los caballos, pero Mike desobedece las órdenes y se va a luchar contra los indios. Es la última vez que lo vemos con vida, cuando suplica la ayuda de su hermano menor, pero Doug, que nunca ha experimentado el combate y está muy asustado por los apaches, tiene demasiado miedo para acudir al rescate de su hermano mayor. 

Cuando los otros soldados descubren a Doug escondido detrás de unas rocas y sollozando, lo desprecian como un cobarde. Su vergüenza es total cuando posteriormente escucha al disgustado capitán. Coburn dice que no le sirve "es un cobarde y un inútil". 

Los supervivientes de la patrulla logran encontrarse con el cargamento de armas que llevan un grupo que, de inmediato, se marcha al ver durante el trayecto a los indios. 

En el camino de regreso a Apache Wells, Bodine y otros cuatro soldados deciden tomar las armas y desertar a México, dejando a Coburn y al primer sargento Walker (Robert Brubaker)  que está herido,  atados. 

Después de algunas dudas, Doug vuelve a decepcionar a Coburn cuando se une a los desertores, después de que Bodine promete liberar a los dos cautivos. Pero Bodine tiene la intención de matarlos, encendiendo una mecha en un barril de dinamita en el carro al que está atado Coburn. Después de que Coburn se libera de sus ataduras segundos antes de que el carro explote, ayuda al herido Walker a regresar a Apache Wells. 

Coburn, que primero escucha los reproches de su novia, por haber permitido la muerte de un hermano y la deserción de otro, le dice a su superior que quiere regresar y recuperar los rifles, pero el comandante, el coronel. Reed (Byron Morrow) dice que no puede prescindir de ningún hombre y ordena a Coburn que se quede, amenazándolo con un consejo de guerra por el fracaso de su misión. 

Desobedeciendo las órdenes, Coburn sale solo tras Bodine, que está intentando vender los rifles robados a los apaches a cambio de oro. 

Bajo una bandera de tregua, Bodine se encuentra con Cochise y acepta llevarlo al lugar donde están escondidos los rifles. 

Mientras tanto, el Capitán. Coburn encuentra y ataca sin ayuda a los desertores que custodian el alijo de rifles. Doug, todavía dolido por haber sido tildado de cobarde por Coburn, reúne  coraje y entra en la refriega, ayudando a Coburn a matar a los otros desertores y recuperar los rifles. 

Coburn le extiende la mano a Doug para demostrarle que ahora respeta al joven como a un soldado honorable, antes de ordenarle que le lleve los rifles a Apache Wells. 

Cochise y Bodine persiguen y alcanzan a Coburn. En una táctica dilatoria, Coburn distribuye cinco rifles de repetición en posiciones donde puede luchar contra varios apaches. 

Cuando Doug entrega los rifles a la guarnición de Apache Wells y le explica al coronel. Al enterarse de lo sucedido, el comandante ordena que los rifles entregados a los soldados rescaten a Coburn, y Doug los lleva a la ubicación del capitán asediado. El grupo de rescate llega justo cuando ya casi se le han acabado las municiones. Después de una feroz batalla, los apaches son ahuyentados y Bodine huye solo con Coburn persiguiéndolo. En un tiroteo final entre los dos enemigos, Coburn mata a Bodine. 

Doug acompaña a Coburn y a los soldados triunfantes de regreso a Apache Wells, donde Coburn es recibido por un agradecido coronel. Reed y Doug se reencuentra con su familia que temía que estuviera muerto. 

La película fue escrita por el amigo de Audie Murphy, Willard W. Willingham, y su esposa. Willingham había aparecido en muchas de las películas de Murphy , aquí interpretando al soldado Fuller,  como doble, doble y actor ocasional, además de escribir varias de sus películas. 

Fue filmada en 1966 en el Parque Estatal Red Rock Canyon  y Lancaster, ambas localizaciones en California. Los honorarios de Murphy fueron de 50.000 dólares. Para recordar dos frases. La primera de  Cochise: “Un hombre que traiciona a sus amigos no puede ser de fiar para sus enemigos” y la segunda del más joven de los Malone "¡Que bien sienta estar del lado de los buenos!". 

En definitiva, una película de un director prolífico como William Whitney, especializado en western y gran experto en las escenas de peleas y acción, responsable de este entretenido interesante Trump que cuenta con grandes dosis de aventuras y algo de romance, producida para la gloria de Murphy y para pasar un rato sin hacerte muchas preguntas. Entretenida.